Питер Галлей - Peter Halley

Питер Галлей
Родившийся (1953-09-24) 24 сентября 1953 г. (67 лет)
Нью-Йорк[1]
НациональностьАмериканец
ОбразованиеЙельский университет[1]
Университет Нового Орлеана[1]
ИзвестенКартина, Абстрактное искусство, Печать
ДвижениеМинимализм, Нео-Гео
НаградыФрэнк Джуэтт Мэзер Премия (2001)[2]

Питер Галлей (родился 24 сентября 1953 г.[нужна цитата ]) - американский художник и центральная фигура в Неоконцептуалист движение 1980-х гг. Известный своими геометрическими картинами Day-Glo, Галлей также является писателем, бывшим издателем index Magazine, и учитель; он работал директором аспирантуры по живописи и графике в Школа искусств Йельского университета с 2002 по 2011 год. Халлей живет и работает в Нью-Йорке.

Вступление

Галлей приобрел известность как художник в середине 1980-х годов, как часть поколения Неоконцептуалист художники, которые впервые выставились в Ист-Виллидж Нью-Йорка, в том числе Джефф Кунс, Хаим Штайнбах, Сара Чарльзуорт, Аннетт Лемье, Стивен Паррино, Филлип Таафф, Гретхен Бендер, и Мейер Вайсман [es ]. Картины Галлея исследуют как физические, так и психологические структуры социального пространства; он соединяет герметический язык геометрической абстракции под влиянием таких художников, как Барнетт Ньюман и Эллсуорт Келли - к актуальности городского пространства и цифрового ландшафта. В 1990-х годах он расширил свою практику, включив в нее инсталляции, основанные на технологии крупномасштабной цифровой печати.

Галлей также известен своими критическими работами, в которых, начиная с 1980-х годов, были связаны идеи французского языка. Постструктуралист теоретики, такие как Мишель Фуко и Жан Бодрийяр цифровой революции и изобразительного искусства. С 1996 по 2005 год Галлей опубликовал Index Magazine, в котором были представлены подробные интервью с новыми и признанными фигурами в области моды, музыки, кино и других творческих сфер. Также преподавав искусство в нескольких программах магистратуры, Халли стал директором аспирантуры по живописи и гравюрам в Школа искусств Йельского университета, обслуживающий с 2002 по 2011 год.

ранняя жизнь и образование

Галлей родился и вырос в Нью-Йорке. Он сын Дженис Галлей, дипломированной медсестры польского происхождения, и Рудольф Галлей, адвокат и политический деятель немецко-австрийского еврейского происхождения. В 1951 году Рудольф «мгновенно стал знаменитостью», как сказал Галлей, когда он занимал пост главного прокурора Специальный комитет Сената США по расследованию преступлений в межгосударственной торговле, также известный как Комитет Кефовера (в честь сенатора Эстеса Кефовера). «Эта серия слушаний с участием различных ярких гангстеров транслировалась по телевидению на всю страну», - отмечает Галлей.[3] Рудольф был также помощником советника военного времени. Комитет Трумэна, расследование мошенничества и растраты при заключении оборонных контрактов. Он занимал пост президента городского совета Нью-Йорка с 1951 по 1953 год и баллотировался на пост мэра Нью-Йорка в 1953 году. Он скончался вскоре после этого в возрасте сорока трех лет, когда Хэлли было три года.[4][5]

Среди других известных членов семьи - двоюродный брат Рудольфа. Карл Соломон (1928-1993), которому Аллен Гинзберг посвятил свою эпическую поэму "Вой (для Карла Соломона) »в 1955 году. Халли также связаны с Сэмюэлем Шипманом (1884-1937), известным и ярким автором бродвейских комедий 1920-х годов. Прабабушка и дядя Галлея, Роза и А.А. Wyn, опубликовано Комиксы Ace с 1940 по 1956 год и Ace Книги с 1952 по 1973 год. Ace Books - американское издательство научной фантастики, публиковавшее Уильям Берроуз первый роман, Наркоман, в 1953 году, а также первые романы нескольких выдающихся писателей-фантастов, в том числе Филип К. Дик, Сэмюэл Р. Делани, и Урсула К. Ле Гуин.[3]

Не по годам развитый ребенок, Питер пошел в первый класс начальной школы Манхэттенского Хантер-колледжа в возрасте 6 лет. Академия Филлипса в Андовере, Массачусетс, подготовительной школе, известной своим художественным музеем и, в то время, инновационной художественной программой. В то время как в Андовере, Галлей проявил интерес к различным средствам массовой информации и стал программным директором школьной радиостанции с низким энергопотреблением. В то же время он начал рисовать, создав свои первые работы в художественной студии своего двоюродного дяди Аарона.[5]

Он получил зачисление в колледж с полными стипендиями от Брауна, Гарварда и Йельского университета, но решил учиться в Йельском университете из-за их известной художественной программы.[4] Но после второго года обучения Галлею было отказано в доступе к художественной специальности, и он решил переехать в Новый Орлеан, где он прожил один год. В следующем году он вернулся в Йель, чтобы изучать историю искусства, и написал свою кандидатскую диссертацию на тему: Анри Матисс до окончания учебы в 1975 году. После окончания университета Галлей вернулся в Новый Орлеан и в 1976 году поступил на программу MFA Университета Нового Орлеана. Он получил степень магистра иностранных дел в 1978 году и жил в Новом Орлеане до 1980 года (в это время он также путешествовал по Мексике, Центральной Америке, Европе и Северной Африке).[6][7]

Карьера

Тюрьма (Galeria Senda, Барселона)

Ранняя карьера и Нью-Йорк

В 1980 году Галлей вернулся в Нью-Йорк и переехал в лофт на 7-й Ист-стрит в Ист-Виллидж, Манхэттен; там, Говорящие головы фронтмен Дэвид Бирн был его соседом наверху. Нью-Йорк оказал длительное влияние на особый стиль живописи Галлея. Он был очарован интенсивностью, масштабом и трехмерной городской сеткой города - «геометризацией пространства, которая пронизывала ХХ век». Точно так же заинтересованный в абстрактной живописи, Галлей «намеревался соединить язык геометрической абстракции с реальным пространством, которое он видел все вокруг себя, трансформируя квадрат, заимствованный из Малевич, Альберс и другие - в архитектурные иконы, которые он назвал «тюрьмами» и «кельями» и соединил их прямыми линиями, названными «каналами» ».[8]

Эти геометрические иконки, которые он разработал в начале 1980-х годов в разгар глобального технологического бума, стали основой живописи Галлея на десятилетия вперед. Галлей заимствовал свой язык не только из городской сети, но и из сетевых структур, пронизывающих все грани современного «постиндустриального мира, контролируемого СМИ». На этом фоне «клетки» могут рассматриваться как «образы заключения и как клеточные единицы в научном смысле», согласно Кэлвин Томкинс.[9] «Каналы» - линии, соединяющие различные «ячейки» и другие геометрические узоры в данной работе - представляют собой опоры «основных информационных и структурных компонентов современного общества», пишет Эми Брандт.[10] «Галлей хотел побудить общественность осознать ограничивающие, лежащие в основе структуры индустриального общества и товарного капитализма».[10]

В дополнение к городским структурам, таким как модернистские здания и метро, ​​Галлей черпал влияние из поп-тем и социальных проблем, связанных с Музыка Новой Волны.[5][11] Он взял модернистскую сетку предыдущей абстрактной живописи, а именно, согласно Брандту, работы Фрэнк Стелла - и усилил свои краски и воздействие в соответствии со временами постмодерна. В этот ранний период Галлей использовал новые цвета и материалы с особым смыслом. Он начал использовать флуоресцентную краску Day-Glo, которая имеет сверхъестественное свечение, напоминающее искусственное освещение постмодернистского общества и яркие правительственные знаки, отмечающие улицы и одежду рабочих. Галлей также использует цвета Day-Glo в ответ на развитие модернистской живописи - «гиперреализацию» художественно-исторических мотивов в терминах Галлея (вслед за Жаном Бодрийяром) - и как средство очерчивания пространства на его полотнах.[12]

Галлей также начал использовать Roll-a-Tex, текстурную добавку, которая придает его «камерам» и «тюрьмам» тактильное архитектурное качество, поскольку Roll-a-Tex чаще всего используется в качестве покрытия в таких зданиях, как загородные дома и мотели. .[13] Постмодернистские, товарные цвет и фактура, не говоря уже о толщине холстов Галлея, вошли в их художественно-исторический диалог, связанный с живописью и предметностью. Смесь резких цветов и текстур одновременно «соблазняют и отталкивают зрителей атакой на их зрение и осязание».[14][15]

В 1980-х годах практика и карьера Галлея развивались на фоне художественного и интеллектуального дискурса, возникшего в галереях, управляемых художниками Ист-Виллидж, таких как International with Monument, Cash / Newhouse и Nature Morte. Эти пространства были сообществом художников, таких как Галлей, Джефф Кунс, Хаим Штайнбах, Шерри Левин, Эшли Бикертон, и Ричард Принс, которые «разделяли акцент на роли технологий в постмодернистском обществе и отвергали природу как пробный камень смысла». (Боб Никас, Дэн Кэмерон и кураторская команда Триша Коллинз и Ричард Милаццо были кураторами и критиками, связанными с этой сценой.)[7][16] Эти художники использовали иронию и стилизацию, чтобы подорвать и прокомментировать структурные проблемы того времени; они черпали вдохновение из концептуального искусства для создания «картин и скульптур, которые действовали как набор изобразительных знаков, отсылающих к художникам и моментам в послевоенной истории искусства», расширяя свои границы как художников, чтобы также охватить теоретический дискурс вокруг самих предметов искусства.[17]

Галлей ставил сольные проекты в галерее PS122 в 1980 году и в баре East Village Beulah Land в 1984 году. В 1983 году он организовал выставку в галерее Джона Вебера. Научная фантастика, среди которых были Джефф Кунс, Росс Блекнер, Ричард Принс, Таро Сузуки, Роберт Смитсон и Дональд Джадд, последний из которых оказал влияние на Галлея. Элисон Перлман описала актуальность и влияние шоу, написав:

Презентация галереи инсценировала чувственность поп-футуризма. Для начала пространство было выкрашено полностью в черный цвет. Поскольку многие работы включали геометрические формы, оргстекло и свет, некоторые мигали или вращались, общий эффект был кристальным, как Звездный путь Идея Питера Халлея, Джеффа Кунса и Искусство в маркетинге ... Эта чувствительность к высоким технологиям была распространена в популярной научной фантастике, а также в моде, музыке и других потребительских товарах, которые выглядели геометрически, обтекаемыми, синтетическими или иными способами. ультра-городской. Эстетика совпадает с актуальной модой начала 1980-х годов.[18]

Первая крупная персональная выставка Галлея состоялась в 1985 году в International with Monument, галерее в самом сердце Ист-Виллидж, которой управляет Мейер Вайсман, Кент Кламен и Элизабет Кури, которые все встретились на Школа дизайна Парсонса.[19] Примерно в это же время Галлей познакомил Джеффа Кунса с Вайсманом, и Кунс впоследствии также выставлялся в International с Monument.

В октябре 1986 года Вайсман организовал групповое шоу в более известном Нью-Йорке. Галерея Sonnabend это показало работу Галлея, Эшли Бикертон, Джефф Кунс и сам Вайсман. Воплощая интеллектуальный стиль, который был установлен International с Monument, выставка ознаменовала отход от живописного стиля Неоэкспрессионизм, доминирующий стиль на арт-сцене Нью-Йорка начала 1980-х годов.[13][20] Выставка в Sonnabend привлекла внимание общественности и критиков, и четыре художника стали идентифицироваться в более широком масштабе с ярлыками «Neo-Geo» и «Неоконцептуализм."[21] В Нью-Йорк журнал Кей Ларсон назвал художников «Мастерами хайпа», в то время как в том же журнале месяцем ранее Пол Тейлор назвал их «горячей четверкой» и назвал Халли «интеллектуалом группы».[20][21] Роберта Смит написала в Нью-Йорк Таймс что «геометрические абстракции Галлея предлагают схемы аккумуляторных ячеек с трубопроводами или тюремных камер с решетками на окнах (то есть электрических или социальных систем), в то время как их мощные флуоресцентные цвета исходят откуда-то за пределами искусства».[22]

Письмо

Когда он начал свою художественную карьеру, Галлей заинтересовался французскими писателями-постструктуралистами, включая Мишель Фуко, Роланд Барт, Поль Вирилио, и Жан Бодрийяр, многие из работ которых были переведены на английский язык в конце 1970-х - начале 1980-х годов и обсуждались среди нью-йоркских интеллектуалов.[23][24] Идеи французских писателей повлияли на использование Галлеем синтетических цветов и материалов в своей живописи, а также на письменность, которую он начал писать примерно в то же время.[25] «Модернизм, на котором я вырос, был духовным, - сказал Галлей, - он был о некой чистоте и эмерсоновском трансцендентализме ... Чувствуя себя все менее комфортно с этим, я решил, что для меня модернизм на самом деле был скептицизмом, сомнения и вопросы. То, что мы сейчас говорим, является частью постмодернистской восприимчивости ».[26]

Галлей выдвинул такие идеи о модернизации, постмодернизме, культуре и цифровой революции - частично унаследованные от Фуко, Бодрийяра и других и с неомарксистским уклоном - в своих многочисленных трудах.[27] Он опубликовал свое первое эссе «Бит, Минимализм, Новая волна и Роберт Смитсон» в 1981 году в Журнал искусств Нью-Йоркское издание, опубликовавшее еще семь его эссе за это десятилетие.[28] В своих эссе, опубликованных с 1980-х до начала 2000-х годов, Галлей ссылается на меняющиеся отношения между индивидуальными и более крупными социальными структурами, а также на то, как художники его поколения отреагировали на возникающие социальные, экономические и культурные условия 1980-х и 1990-х годов. Халлей выделил различные роли музыки Новой волны, культурной политики времен холодной войны и возросшую оцифровку опыта, вызванную компьютерами и видеоиграми. Кроме того, он представил критический обзор современного искусства того периода, изучив ряд источников, включая социальные теории Хосе Ортега-и-Гассет, Норберт Элиас, и Ричард Сеннетт.[29][30]

В 1988 г. сочинения Галлея были включены в антологию. Собрание сочинений 1981–1987 гг., опубликовано Galerie Бруно Бишофбергер в Цюрихе. В 1997 г. вышла вторая антология, Недавние очерки 1990-1996 годовпод редакцией Ричарда Милаццо, было опубликовано Edgewise Press. Обновленная книга Милаццо, Питер Галлей: Избранные очерки 1981-2001 гг., был опубликован Edgewise в 2013 году.[31]

Произведения с 1990-х годов по настоящее время

После выставки 1986 года в галерее Sonnabend у Галлея было еще много выставок в Европе и Соединенных Штатах, включая его первое музейное исследование, Питер Галлей: Последние картины, в музее Haus Esters в Крефельде, Германия, в 1989 году. В 1991–1992 годах CAPC Musee d'Art Contemporain, Бордо, организовал обширную ретроспективу работ Галлея, которая побывала в FAE Musee d'art Contemporain, Лозанна, Швейцария; то Национальный музей Centro de Arte Reina Sofia, Мадрид; и Музей Стеделийк, Амстердам.[7][32][33]

В 1990-х годах в ответ на изменения в коммуникациях и СМИ, вызванные цифровой революцией, Галлей адаптировал свой визуальный язык к последствиям цифровой революции 1990-х годов.[34] «Каналы», которыми отмечены его картины, начали множиться и усложняться, и он начал добавлять перламутровые и металлические краски в свою цветовую палитру Day-Glo 1980-х годов. «Мои предыдущие картины были рациональными, схематичными и логичными», - сказал он в интервью 1995 г. Flash Art, объясняя разницу между его 80-ми и последующими выходами. «Затем я сделал перерыв примерно в 1990 году, и с тех пор они стали действительно преувеличенными, почти пародийными; и они совсем не аналитические. В любом случае, я не вижу большого формального прорыва в 90-е, хотя психологический перерыв ".[35] Приблизительно в 1990 году Галлей начал производить барельефы, многие из которых были полыми и были сделаны из стекловолокна.[36] Вскоре после этого он начал экспериментировать с цифровой печатью и сетевым искусством.[нужна цитата ]

В 1993 году Галлей создал Мутация Superdream, цифровая печать, доступная для просмотра и загрузки на платформе в стиле доски объявлений The Thing. Это монохромное изображение было распространено в формате GIF и считается первым произведением искусства, доступным исключительно для просмотра и продажи в Интернете (за двадцать долларов).[37] В отношении этой работы Галлей особо выделил свой мыслительный процесс и то, как цифровая работа связана с его картиной: «Я установил матрицу, и у человека есть определенные возможности выбора в ней. Она также основана на печатном издании Джаспера Джонса из середины прошлого века. шестидесятых, в которых был штриховой рисунок мишени и небольшая коробка с акварельными красками. Это был набор. Еще одним фактором для веб-проекта был мой скептицизм по поводу понятия «интерактивность» на компьютере. Большинство решений - это выбор между двумя путями; бинарные решения - единственно возможные с компьютерами. Поэтому я хотел сделать что-то, в котором выбор был бы очень механистическим ".[38] Галлей сделал еще один онлайн-проект под названием Взрывающаяся ячейка с музей современного искусства, Нью-Йорк, по случаю его выставки 1997 г. Новые концепции в эстампе 1: Питер Галлей, персональная выставка, посвященная методам печати и установки Галлея. Взрывающаяся ячейка был опубликован в Интернете в то время и до сих пор доступен для общественности.[39] Гленн Лоури, директор музея, заявил, что это первое цифровое приобретение MoMA.[40]

На протяжении двадцать первого века Галлей продолжал использовать свои знаковые «камеры», «тюрьмы» и «каналы» в своих картинах, поскольку его основным предметом остается организация социального пространства. Но, как объяснил Халлей в 2011 году, «характер социального пространства, в котором мы живем, сильно изменился за последние тридцать лет с момента начала моего проекта. Когда я начал свою работу в 80-х, пределы коммуникационных технологий были в том, что телефон, факс и кабельное телевидение. За очень короткое время мы перешли от эпохи ограниченных линейных коммуникаций к эпохе Интернета, Google и Facebook ».[41]

Галлей продолжал выставляться на международном уровне, в том числе в Нью-Йорке в галерее Мэри Бун (2002, 2004, 2009, 2010, 2013); в Кельне в галерее Jablonka (1988, 1990, 1993, 1998); в Цюрихе в Galerie Bruno Bischofberger (1988, 1991, 1994, 1995, 1998); в Париже в Galerie Thaddaeus Ropac (1992, 1995, 2000, 2004, 2007); в Брешии в Galleria Massimo Minini (1997, 2000, 2008, 2012); в Лондоне в Waddington Galleries (1999, 2001, 2007, 2009, 2013); и во многих других городах мира. В 2016 году он поставил инсталляцию с Galerie Thomas, Мюнхен, в Art Unlimited в Art Basel. По состоянию на 2016 год Галлей представлен галереей Greene Naftali в Нью-Йорке и Stuart Shave Modern Art в Лондоне.[нужна цитата ]

Цифровые принты и инсталляции

В середине 1990-х Галлей начал использовать цифровое программное обеспечение как средство разработки своих композиций. Он также начал изучать печатное производство, используя различные методы, включая шелкографию, цифровую и струйную печать. В свои гравюры Галлей часто включает образы из комиксов, а также новый мотив взрывов и взрывающихся ячеек, часто создаваемых путем печати изображений с компьютера и их автоматического отслеживания.[35][42]

Также в 1990-х годах Галлей начал создавать инсталляции для музеев, галерей и общественных мест, которые взаимодействовали бы с окружающей архитектурой. В его инсталляциях сочетаются образы и медиа, такие как живопись, рельефная скульптура из стекловолокна, блок-схемы размером со стену и обои, созданные в цифровом виде. Галлей создал свою первую установку для конкретного места в Далласский художественный музей; эта инсталляция включала картины, шелкографии, обои, фрески с блок-схемами и другими изображениями. Блок-схемы вошли в лексикон Галлея примерно в 1994 году как элементы картин и как самостоятельные произведения; они представляют собой «готовые модели из учебников и руководств и других подобных источников иерархий или процессов различного рода, от бизнес-иерархий и разделения труда до психологических и социологических теорий человеческих отношений и поведения и процессов производства товаров».[43] Описывая свой новый подход, в частности реализацию блок-схем на стенах, Галлей сказал:

Когда я планировал включить их [блок-схемы] в свое шоу в Далласе, некоторые люди сказали, что было бы слишком поучительно помещать блок-схему рядом с картиной, чтобы показать связи между ними. Но я использую как можно более непрозрачные блок-схемы; Другими словами, нет никакой конкретной информации. Фактически, они не имеют смысла без подписей. Что произошло в Далласе, так это то, что зрители сначала посмотрели на блок-схемы, а затем на картины. Я думаю, что это был способ дать обычному человеку информацию о картинах.[35]

Другие известные установки включают в себя Музей Фолькванг, Эссен, в 1999 г., и Disjecta, Портленд, в 2012 году, а также «Судный день», инсталляция цифровых гравюр для выставки Personal Structures, на 54-й Венецианская биеннале в 2011.[32][44] Недавно выставил Кольцо Ширна, большая, состоящая из нескольких частей установка в Ширн Кунстхалле, Франкфурт, Германия.[45]

Галлей создал несколько постоянных работ в общественных местах. В 2005 году ему было поручено создать картину размером 17 на 40 футов, состоящую из сетки из восьми отдельных панелей, для Даллас / Международный аэропорт Форт-Уэрт, Техас.[46][47] Три года спустя, в 2008 году, он завершил постоянную установку цифровых отпечатков на пяти этажах для Школа индивидуального обучения Галлатина в Нью-Йоркском университете. В 2018 году у Галлея была выставка картин в Рычаг Дом на Парк-авеню в Нью-Йорке. На выставке были представлены картины с флуоресцентными геометрическими формами на полотнах, которые не были квадратными, а имели прямолинейные очертания. Шоу также включало инсталляцию «взрывающихся ячеек» Галлея. Галлей создал инсталляцию для шоу в окнах, выходящих на улицу, в Lever House, в которой свет, исходящий из окон, был окрашен флуоресцентным шартрезом. В инсталляцию вошла танцевальная композиция Джесси Голд из Исследование движения, в котором танцоры в окнах, выходящих на улицу, выступали перед публикой внизу.[нужна цитата ]

Многолетний интерес Халлея к дизайну привел к созданию совместных инсталляций с международными дизайнерами, что привело к диалогу между изобразительным искусством и дизайном. В 2007 году он сотрудничал с французским дизайнером Матали Крассе над инсталляцией в Galerie Thaddaeus Ropac, Париж, Франция; и с итальянским архитектором Алессандро Мендини в Galleria Massimo Minini, Брешия, Италия, и в Галерея Мэри Бун, Нью-Йорк.[48]

Index Magazine

Основная статья: Index Magazine

В 1996 году Хэлли и Боб Никас, куратор и писатель, стали соучредителями индекс, журнал, вдохновленный Энди Уорхолом Опрос Это интервью с людьми из разных творческих сфер. Галлей запустил индекс из своей нью-йоркской студии. Журнал часто нанимал начинающих фотографов, таких как Юрген Теллер, Терри Ричардсон, Вольфганг Тильманс, и Райан МакГинли, и проводил интервью с артистами из различных СМИ, таких как Бьорк, Брайан Ино, Marc Jacobs, Агнес б., Диаманда Галас, Гармония Корин, и Скарлетт Йоханссон. Галлей прекратил производство индекс в 2005 г. В 2014 г. Риццоли опубликовано Индекс от А до Я: искусство, дизайн, мода, кино и музыка в эпоху инди, который документирует выпуск журнала, а также культурные движения той эпохи.[43]

Обучение

Галлей постоянно преподавал и читал лекции в университетах на протяжении всей своей карьеры как в Соединенных Штатах, так и за рубежом. В начале 2000-х Халли был активным преподавателем программ магистратуры по искусству в Колумбийском университете, Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе и Йельском университете.[49] В 2002 году он стал директором программы Graduate Painting and Printmaking в Йельской школе искусств, где проработал до 2011 года.[49]

С 2010 по 2011 год он был назначен профессором живописи Леффингвелла в Школе искусств Йельского университета.[50]

Личная жизнь

Галлей замужем за художником Энн Крэйвен.[51] У него двое детей от предыдущего брака.[52]

Рекомендации

  1. ^ а б c Галлей, Питер (2010). «БИОГРАФИЧЕСКИЙ РЕЗЮМЕ». Питер Галлей. Получено 11 октября 2010.
  2. ^ "Награды". Художественная ассоциация колледжа. Получено 11 октября 2010.
  3. ^ а б Интервью с Кэтрин Хиксон, каталог выставки "Peter Halley: Oeuvres de 1982–1991", Бордо: CAPC, Musee d'Art Contemporain, 1991, 9.
  4. ^ а б Интервью с Кэтрин Хиксон, каталог выставки "Peter Halley: Oeuvres de 1982–1991", Бордо: CAPC, Musee d'Art Contemporain, 1991, 10.
  5. ^ а б c Кэлвин Томкинс, «Между нео- и пост-», The New Yorker, 24 ноября 1986 г., стр. 106.
  6. ^ Каталог выставки "Peter Halley: Oeuvres de 1982–1991", Бордо: CAPC, Musee d'Art Contemporain, 1991, 12.
  7. ^ а б c Каталог выставки «Питер Галлей», Галерея Томаса Мюнхен, 2011, 8.
  8. ^ Это будет: искусство, любовь и политика в 1980-х, каталог выставки (Чикаго: Музей современного искусства Чикаго, 2012).
  9. ^ Кэлвин Томкинс, «Между нео- и пост-», The New Yorker, 24 ноября 1986 г., стр. 109.
  10. ^ а б Эми Брандт, Interplay: неоконцептуальное искусство 1980-х (Кембридж: MIT Press, 2014), 145.
  11. ^ Жанна Сигель, «Художник / критик восьмидесятых: Питер Галлей и Стивен Вестфол», журнал Arts (сентябрь 1985 г.): 72.
  12. ^ Эми Брандт, Interplay: неоконцептуальное искусство 1980-х (Кембридж: MIT Press, 2014), 155, 163.
  13. ^ а б Каталог выставки «Питер Галлей», Галерея Томаса Мюнхен, 2011, 12.
  14. ^ Эми Брандт, Interplay: неоконцептуальное искусство 1980-х (Кембридж: MIT Press, 2014), 151, 153.
  15. ^ Интервью с Кэтрин Хиксон, каталог выставки «Питер Галлей: произведения 1982–1991», Бордо: CAPC, Musee d'Art Contemporain, 1991, 15–16.
  16. ^ Дэвид Кэрриер, «Бодрийяр как философ, или Конец абстрактной живописи», журнал Arts (сентябрь 1988 г.): 52–53.
  17. ^ Эми Брандт, Interplay: неоконцептуальное искусство 1980-х годов (Кембридж: MIT Press, 2014), 164.
  18. ^ Элисон Перлман, Искусство распаковки 1980-х (Чикаго: University of Chicago Press, 2003), 112-114.
  19. ^ Кара Джордан, Питер Галлей, «Введение», Современное искусство Стюарта Бритья, 2017.
  20. ^ а б Пол Тейлор, «Горячая четверка», New York Magazine, 27 октября 1986 г., стр. 50–56.
  21. ^ а б Кей Ларсон, «Мастера хайпа», журнал New York Magazine, 10 ноября 1986 г., стр. 100–103.
  22. ^ Роберта Смит, «Четыре молодых восточных жителя в галерее Соннабенд», The New York Times, 28 октября 1986 г., C30.
  23. ^ Ричард Милаццо, Избранные эссе: 1982–2001, «Введение», Edgewise Press: New York, 2013. 7.]
  24. ^ Сигель, 1985; Стюарт Сим, Пятьдесят ключевых мыслителей постмодерна (Нью-Йорк: Routledge, 2013), 124–129.
  25. ^ Эми Брандт, Interplay: неоконцептуальное искусство 1980-х (Кембридж: MIT Press, 2014), 151, 159.
  26. ^ Марк Розенталь, «Абстракция в двадцатом веке», Музей Гуггенхайма: Нью-Йорк, 1996. 96.
  27. ^ Джереми Гилберт-Рольф, «Непредставительство в 1988 году: значение продукции, выходящей за рамки благочестивых», журнал Arts (май 1988 г.): 30–39.
  28. ^ Ричард Милаццо, Избранные эссе: 1982–2001, «Введение», Edgewise Press: Нью-Йорк, 2013. 3.
  29. ^ Ричард Милаццо, Избранные эссе: 1982-2001, «Введение», Edgewise Press: Нью-Йорк, 2013. 10.
  30. ^ Элисон Перлман, Искусство распаковки 1980-х (Чикаго: University of Chicago Press, 2003), 106.
  31. ^ Избранные эссе: 1982-2001, «Введение», Edgewise Press: Нью-Йорк, 2013.
  32. ^ а б Питер Галлей: «Последние картины», каталог выставки, Krefelder Kunstmuseen, Museum Haus Esters, Крефельд, Германия.
  33. ^ Питер Галлей: Работы 1982–1991, каталог выставки, CAPC Musée d'art contemporain, Бордо, Франция.
  34. ^ Пэрис Слоан, «Удовольствие и отчуждение», журнал Tirade, выпуск 3 (апрель 2014 г.): 10–20.
  35. ^ а б c Джефф Райан, «Питер Халлей делает ход», Flash Art (октябрь 1995 г.): 89–92,128.
  36. ^ Элисон Перлман, Искусство распаковки 1980-х (Чикаго: University of Chicago Press, 2003), 131-132.
  37. ^ Дэвид Платцкер и Элизабет Вайкофф, Hard Pressed: 600 Years of Prints and Process, Hudson Hills: New York, 2000. 32.
  38. ^ "Mark Tribe", Питер Галлей, On Line______ Rhizome, 4 мая 1998 г. ".[постоянная мертвая ссылка ]
  39. ^ "MoMA.org - Interactives - Projects - 1997 - Peter Halley, Exploding Cell - Index". www.moma.org.
  40. ^ «Гленн Лоури с Иоахимом Писсарро, Габи Коллинз-Фернандес и Дэвидом Кэрриером», The Brooklyn Rail, 6 мая 2015 г.
  41. ^ Каталог выставки "Питер Галлей", Галерея Томаса Мюнхен, 2011, 20.
  42. ^ Нэнси Принсентал, "Питер Галлей в Музее современного искусства", Искусство в Америке (май 1998 г.): 121.
  43. ^ а б Элисон Перлман, Искусство распаковки 1980-х (Чикаго: University of Chicago Press, 2003), 128.
  44. ^ «Судный день Питера Галлея»: инсталляция в личных структурах на Венецианской биеннале ». artdaily.com.
  45. ^ Дэнни Льюис, «Путешествие по художественной инсталляции, вдохновленной Большим адронным коллайдером», Смитсоновский институт (онлайн-издание), www.smithsonian.com, 16 мая 2016 г.
  46. ^ «Архивная копия». Архивировано из оригинал на 2017-03-08. Получено 2017-03-07.CS1 maint: заархивированная копия как заголовок (связь)
  47. ^ Спенсер Мичлин, «Искусство полета», American Way, Форт-Уэрт, Техас, 15 июля 2005 г., стр. 32.
  48. ^ Анна Бейтс, «Матали Крассет», Icon Eye (ноябрь 2007 г.).
  49. ^ а б Галлей, Питер; Томас, Силке; Зельманн, Клаудиа; Галерея Thomas Modern (2011). Питер Галлей: 9 сентября - 19 ноября 2011 г., Galerie Thomas Modern. (PDF). Мюнхен: Галерея Thomas Modern. OCLC  804039549.
  50. ^ "Питер Галлей назначил профессора Леффингвелла". YaleNews. 2010-01-15. Получено 2019-11-15.
  51. ^ МакМахон, Кэтрин (31 июля 2019 г.). «Среда обитания: искусство званого обеда с представителями искусства Нью-Йорка, которые используют пищу для развития общества». ARTnews. Получено 18 ноября 2019.
  52. ^ «Новая галерея Питера Галлея в Германии». Observer.com. 24 августа 2011 г.. Получено 18 ноября 2019.

дальнейшее чтение

  • Питер Галлей, "Избранные эссе 1981-2001", Edgewise Press, Нью-Йорк, 2013. ISBN  9781893207264
  • Питер Галлей, «Сборник эссе, 1981-87», Бруно Бишофбергер, 1988. ISBN  0-932499-68-6
  • Питер Галлей, «Последние очерки 1990–1996», Edgewise Press, Нью-Йорк, 1997. ISBN  0-9646466-1-7
  • Баумгертель, Тильман (2001). net.art 2.0 - Новые материалы в направлении нет-арта. Нюрнберг: Verlag für Moderne Kunst Nürnberg. С. 78–87. ISBN  3-933096-66-9.

внешняя ссылка

СМИ, связанные с Питер Галлей в Wikimedia Commons