Чернофигурная керамика - Black-figure pottery

Геракл и Герион на аттической амфоре с черными фигурами с толстым слоем прозрачного блеска, c. 540 г. до н.э., сейчас в Мюнхенская государственная коллекция древностей.

Чернофигурная керамика живопись, также известная как чернофигурный стиль или же чернофигурная керамика (Греческий, μελανόμορφα, меланоморфа) - один из стилей картина на античные греческие вазы. Это было особенно распространено между VII и V веками до нашей эры, хотя есть образцы, датируемые еще II веком до нашей эры. Стилистически его можно отличить от предыдущих восточный период и последующие краснофигурная керамика стиль.

Афина одетая в эгиду, Чернофигурная гидрия на чердаке гончара Памфайос (подписано) и Эуфилет Живописец, c. 540 г. до н.э. Найден в Тоскании, сейчас в Cabinet des Médailles, BNF, Париж

Сцена из чернофигурной амфоры из Афин, VI век до н.э., ныне Лувр, Париж

Фигуры и орнаменты были нанесены на корпус сосуда с использованием форм и цветов, напоминающих силуэты. Перед обжигом на краске вырезались тонкие контуры, детали можно было усилить и выделить непрозрачными цветами, обычно белым и красным. Основными центрами этого стиля изначально были коммерческие центры. Коринф, и позже Афины. Известно, что другие важные производственные площадки находились в Лакония, Беотия, восточная Греция и Италия. В частности, в Италии развивались индивидуальные стили, которые, по крайней мере, частично предназначались для этрусского рынка. Греческие чернофигурные вазы были очень популярны среди Этруски, как видно из частого импорта. Греческие художники создавали индивидуальные товары для этрусского рынка, которые отличались по форме и декору от их обычных товаров. Этруски также разработали свою черную фигуру. керамика промышленность, ориентированная на греческие образцы.

Чернофигурная живопись на вазах была первым художественным стилем, который породил значительное количество известных художников. Некоторые из них известны под своими настоящими именами, другие - только по прагматическим именам, которые им даны в научной литературе. Особенно Аттика был домом известных художников. Некоторые гончары вводили множество нововведений, которые часто влияли на работу художников; иногда именно художники вдохновляли оригинальность гончаров. Красные, а также чернофигурные вазы - один из важнейших источников мифология и иконография, а иногда и для исследования повседневной жизни древних греков. Самое позднее с 19 века эти вазы стали предметом интенсивных исследований.

Технологии производства

Изображение гончарной печи на коринфском стиле Pinax, c. 575/550 г. до н.э., найден в Пентескофии; сейчас в Лувре, Париж

Геракл едет Цербер впереди него. Зверь угрожающе поворачивает голову назад и поднимает змеиный хвост. Неправильно сожженная амфора на шее Аттика Буччи Художник, c. 540 г. до н.э., найден в Вульчи, сейчас находится в Мюнхенской государственной коллекции древностей.

Основой для росписи керамики является носитель изображения, то есть ваза, на которой написано изображение. Популярные формы чередовались с преходящей модой. В то время как многие повторялись через определенные промежутки времени, другие были заменены со временем. Но все они имели общий метод изготовления: после изготовления вазы ее сначала просушивали перед росписью. Мастерские находились в ведении гончаров, которые как владельцы предприятий занимали высокое социальное положение.^{[нужна цитата ]}.

Степень идентичности гончаров и художников неизвестна. Вероятно, что многие мастера-гончары сами внесли свой основной вклад в производственный процесс в качестве художников по вазе, нанимая дополнительных художников. Однако восстановить связи между гончарами и художниками непросто. Во многих случаях, например, Тлесон и художник Тлесон, Амасис и Амасис Художник или даже Никосфен и Художник N, невозможно дать однозначную атрибуцию, хотя в большей части научной литературы предполагается, что эти художники и гончары являются одним и тем же человеком.^{[нужна цитата ]}. Но такая атрибуция может быть сделана с уверенностью только при наличии подписей гончара и художника.

Художники, которые были либо рабами, либо мастерами, оплачиваемыми гончарными мастерами, работали над сушеными вазами без обжига. В случае чернофигурного изготовления предмет рисовался на вазе глиняной жидкостью ( соскальзывать, в более ранней литературе также обозначается как лак), который после обжига стал черным и блестящим. Это не было «краской» в обычном смысле слова, так как эта поверхность была сделана из того же глиняного материала, что и сама ваза, отличаясь только размером составляющих частиц, достигнутых во время очистки глины перед началом заливки. Область для фигур сначала была закрашена кистью. Внутренние очертания и структурные детали были вырезаны в слип, так что лежащая под ним глина была видна сквозь царапины. Два других пигмента земного происхождения, дающие красный и белый цвет, использовались для добавления деталей, таких как украшения, одежда или части одежды, волосы, гривы животных, части оружия и другое оборудование. Белый цвет также часто использовался для обозначения женской кожи.

Об успехе всех этих усилий можно было судить только после сложного, трехфазное зажигание процесс, который привел к получению красного цвета основной глины и черного цвета нанесенного покрытия. В частности, судно было обстреляно в печь при температуре около 800 ° C, в результате окисление превращая вазу в красновато-оранжевый цвет. Затем температуру повысили примерно до 950 ° C при закрытых вентиляционных отверстиях печи и добавили древесину для удаления кислорода. Затем судно стало в целом черным. На заключительном этапе необходимо было снова открыть вентиляционные отверстия, чтобы в печь поступал кислород, которому давали остыть. Затем сосуд вернулся к своему красновато-оранжевому цвету из-за возобновления окисления, в то время как теперь -спеченный Окрашенный слой остался тем глянцевым черным цветом, который был создан на втором этапе.

Несмотря на то, что оценка является одним из основных стилистических показателей, некоторые произведения обходятся без него. Для них форма технически похожа на стиль ориентализации, но репертуар изображений больше не отражает практику ориентализации.^[1]

События

Эволюция чернофигурной керамики традиционно описывается с точки зрения различных региональных стилей и школ. Используя Коринф в качестве центра, были существенные различия в продуктивности отдельных регионов, даже если они влияли друг на друга. Особенно в Аттике, хотя и не только там, лучшие и самые влиятельные художники своего времени характеризовали классическую греческую керамическую живопись. Дальнейшее развитие и качество сосудов как носителей изображения являются предметом данного раздела.

Коринф

Три Коринфских ордена арибаллои в Лувре, Париж

Oenochoe с фризом в виде животных, ок. 625/600 до н.э., сейчас в Музее медитерранской археологии де ла Вьей Шарите в Марселе, Франция.

Техника черных фигур была разработана около 700 г. до н.э. в Коринфе.^[2] и впервые использован в начале 7 века до н.э. Прото-коринфский гончаров, которые еще писали в восточный стиль. Новая техника напоминала гравированные металлические предметы, а более дорогая металлическая посуда заменялась гончарными вазами с нарисованными на них фигурами. До конца века сложился характерный чернофигурный стиль. От большинства ориентировочных элементов отказались, и никаких украшений не было, за исключением накладных розеток (розетки образовывались из отдельных небольших точек).

Глина, которую использовали в Коринфе, была мягкой, с желтым, иногда зеленым оттенком. Само собой разумеется, что неправильная стрельба происходила всякий раз, когда сложная процедура стрельбы не работала должным образом. В результате часто возникала нежелательная окраска всей вазы или ее частей. После обжига нанесенная на вазу глянцевая пленка стала тускло-черной. Дополнительные красный и белый цвета впервые появились в Коринфе, а затем стали очень распространенными. Окрашенные сосуды обычно небольшого формата, редко выше 30 см. Емкости для масла (алабастра, арибаллос ), пиксиды, кратеры, Oenochoes и чашки были наиболее распространенными окрашенными сосудами. Распространены были и скульптурные вазы. В отличие от аттических ваз, надписи редки, а подписи художников тем более. Большинство уцелевших судов, произведенных в Коринфе, было найдено в Этрурия, Нижняя Италия и Сицилия. В VII и первой половине VI веков до нашей эры коринфская вазовая живопись доминировала на средиземноморском рынке керамики. Построить стилистическую последовательность коринфской вазовой живописи сложно. В отличие от аттической живописи, например, пропорции керамического фундамента не претерпели значительных изменений. Также часто бывает трудно датировать коринфские вазы; часто приходится полагаться на второстепенные даты, такие как основание греческих колоний в Италии. На основе такой информации можно составить приблизительную хронологию с использованием стилистических сравнений, но она редко приближается к точности датировки аттических ваз.

Часто изображаются мифологические сцены, особенно Геракл и цифры, относящиеся к Троянская война. Но изображения на коринфских вазах не имеют такого широкого тематического диапазона, как более поздние работы аттических художников. Богов редко изображают, Дионис никогда. Но Фиванский цикл был более популярен в Коринфе, чем позже в Афинах. В первую очередь драки, всадники и банкеты были наиболее распространенными сценами повседневной жизни, причем последние впервые появились в ранний коринфский период. Спортивные сцены редки. Сцены с пузатыми танцорами уникальны, и их смысл до сих пор оспаривается. Это пьющие, чьи животы и ягодицы покрыты подушками, и они могут представлять собой раннюю форму греческой комедии.^[3]

Переходный стиль

Переходный стиль (640–625 гг. До н.э.) связал ориентализм (прото-коринфский) с чернофигурным стилем. Старый стиль фриза с животными прото-коринфского периода иссяк, как и интерес художников-вазописцев к мифологическим сценам. В этот период доминировали животные и гибридные существа. Индексной формой того времени были сферические арибаллы, которые производились в большом количестве и украшались фризами с животными или сценами повседневной жизни. Качество изображения хуже, чем в период ориентализации. Самыми выдающимися художниками того времени были Неуклюжий Бык Художник, самая известная работа которого - арибаллос со сценой охоты, Художник Палермо 489, и его ученик, Коламбус Художник. Личный стиль последнего легче всего узнать по его изображениям могучих львов. Помимо арибалло, Котиль и алебастрон - самые важные формы ваз. Края котилей были орнаментированы, остальные украшения состояли из зверей и скатов. На двух вертикальных поверхностях ваз часто встречаются мифологические сюжеты. Алабастроны обычно расписывались одиночными фигурами.

Ранний и средний коринфский период

Геракл с Фолосом и другими кентавры на скайфосе художника Фолои, ок. 580 г. до н.э., найден в Коринфе, ныне в Лувре, Париж.

В Дуэльный художник был самым важным ранним коринфским художником (625-600 до н.э.)^[4] кто изображал боевые сцены на арибаллос. Начиная со среднего коринфского периода (600–575 гг. До н.э.), непрозрачные цвета все чаще использовались для подчеркивания деталей. Фигуры были дополнительно раскрашены серией белых точек. Арибаллы стали больше и получили плоское основание.

В Фоло Художник хорошо известен, его самая известная работа - скифос с изображением Геракла. В Додвелл Художник продолжали рисовать фризы с животными, хотя другие художники уже отказались от этой традиции.^[5] Его творческий период простирался до позднеоринфских времен.^{[требуется разъяснение ]} и его влияние на вазовую живопись того времени невозможно переоценить. Точно так же исключительную репутацию имели мастера Горгонейон Группа и Художник Кавалькады, получив такое название из-за его предпочтения изображать всадников на внутренней части чаш; он был активен около 580 г. до н.э.^[6] Два его шедевра^[7] чашка^[8] показывая самоубийство Аякс, и кратер колонны, изображающий молодоженов в колеснице. Все цифры на чаше промаркированы.

Первым известным по имени художником является полихромия художник по вазе Тимонидас [де ], кто подписал^[9] фляжка^[10] и Pinax.^[11] Имя второго художника Милонид также появляется на пинаксе.

Коринфский Ольпе Винный кувшин был заменен аттической версией ойнохе с выступом из клеверного листа. В средне-коринфское время изображения людей снова стали более распространенными. В Эвритиос Кратер датированный около 600 г. до н.э. считается особенно качественным; это показывает симпозиум в главном фризе с изображением Геракла, Эврития и других мифических фигур.

Поздний коринфский

Тидеус и Ismene на амфоре у Тидеус Художник, ок. 560 г. до н.э .; сейчас в Лувре, Париж

Всадник на позднем коринфеи Ольпе сотрудником Ипполит Художник, ок. 575/550 г. до н.э., сейчас в Лувре, Париж.

В позднеоринфские времена (иногда обозначаемые как «Поздний коринфский период I, 575–550 гг. До н.э.) коринфские вазы имели красное покрытие, чтобы усилить контраст между большими белыми участками и довольно бледным цветом глиняного сосуда. Это поставило коринфских мастеров в конкуренцию с аттическими гончарными художниками, которые к тому времени взяли на себя ведущую роль в торговле керамикой. Также все чаще копировались аттические формы ваз. Ойночоэс, форма которого до того времени оставалась в основном неизменной, стала напоминать аттические; лекитос также начали производить все больше. Колонна кратер, коринфское изобретение, которое по этой причине называлось коринфием в остальной Греции, была изменена. Укорочение завитков над ручками привело к появлению халкидского кратера. Основное поле изображения было украшено различными изображениями повседневной жизни или мифологическими сценами, второстепенное поле содержало фриз с животными. На спине часто изображали двух крупных животных. Чашки стали глубже уже во времена Среднего Коринфа, и эта тенденция продолжалась. Они стали такими же популярными, как котилы. Многие из них имеют снаружи мифологические сцены и горгона гримаса на внутренней стороне. Этот тип живописи был принят художниками Аттика. Со своей стороны, коринфские художники переняли у Афин поля с изображениями в рамах. Фризы с животными стали менее важными. В это время третий коринфский художник с известным именем, Chares, был активен.^[12] В Тидеус Художник Следует также упомянуть, кто около 560 г. до н.э. любил рисовать шею амфоры с красным фоном.^[13] На вазы продолжали ставить вырезанные розетки; им не хватает только нескольких кратеров и чашек. Самым выдающимся произведением искусства этого периода является Амфиараос Кратер, кратер колонн, созданный около 560 г. до н.э. как основная работа Художник Амфиараос.. Он показывает несколько событий из жизни герой Амфиараос.

Примерно в 550 г. до н.э. производство фигурных ваз прекратилось. Для следующего позднеоринфского стиля II характерны вазы только с орнаментом, обычно окрашенные в силуэтной технике. На смену ему пришел краснофигурный стиль, который, однако, не достиг в Коринфе особенно высокого качества.

Чернофигурный, белый фон лекитос Художником Диосфона, показывающим Ахиллес в колеснице тащит труп Гектор позади него, ок. 490 г. до н.э., найдено в Эретрия, сейчас в Лувре, Париж

Аттика

Чернофигурные вазы на Аттике, насчитывающие более 20 000 экземпляров, составляют самую большую и в то же время самую значительную коллекцию ваз, уступая только аттическим краснофигурным вазам.^[14] Аттикские гончары извлекали выгоду из превосходной, богатой железом глины, найденной в Аттике. Высококачественные чернофигурные вазы Attic имеют однородное глянцевое покрытие черного цвета, а основание из терракотовой глины насыщенного цвета было тщательно выглажено. Женская кожа всегда обозначается белым непрозрачным цветом, который также часто используется для таких деталей, как отдельные лошади, одежда или украшения. Самые выдающиеся художники Аттики превратили вазную живопись в графическое искусство, но также производилось большое количество изделий среднего качества и массового потребления. Выдающееся значение аттической керамики связано с их почти бесконечным репертуаром сцен, охватывающих широкий круг тем. Они предоставляют богатые свидетельства, особенно в отношении мифологии, но также и повседневной жизни. С другой стороны, изображений, относящихся к современным событиям, практически нет. Такие ссылки видны только изредка в виде аннотаций, например, когда калос надписи расписаны на вазе. С одной стороны, вазы производились для внутреннего рынка и имели важное значение для торжеств или в связи с ритуальными действиями. С другой стороны, они также были важным экспортным продуктом, продаваемым по всему Средиземноморью. По этой причине большинство сохранившихся ваз происходят из этрусских некрополи.^[15]

Пионеры

Именная ваза художника Нессоса. Сцена на шее показывает, как Геракл наносит удар. Нессос. Сцена на животе показывает события, связанные с Персей. Около 620/610 г. до н.э., сейчас находится в Афинском национальном археологическом музее.

Чернофигурная техника впервые была применена в середине VII века до нашей эры, в период протоаттической вазописи. Под влиянием коринфской керамики, которая в то время предлагала высочайшее качество, мастера аттических ваз перешли на новую технологию примерно между 635 г. до н.э. и концом века. Сначала они внимательно следовали методам и сюжетам коринфских моделей. В Художник из Берлина А 34 в начале этого периода - первый идентифицированный индивидуальный художник. Первым художником с уникальным стилем был Nessos Painter. С помощью амфоры «Нессос» он создал первое выдающееся произведение в аттическом чернофигурном стиле.^[16] В то же время он был одним из первых мастеров аттического стиля фризов животных. Одна из его ваз была также первой известной аттической вазой, экспортированной в Этрурию.^[17] Он также был ответственен за первые представления гарпии и Сирены в аттическом искусстве. В отличие от коринфских художников, он использовал двойные и даже тройные прорезанные линии, чтобы лучше изобразить анатомию животных. Двойная линия плеча стала характерной чертой аттических ваз. Возможности, присущие крупным керамическим изделиям, таким как брюшные амфоры, в качестве носителей изображений, также были признаны рано. Другими важными художниками этого пионерского времени были Пирей Художник, то Беллерофонт Художник и Лев Художник.

Ранние аттические вазы

Именная ваза (а динозавры ) посредством Художник-горгона. Персея преследуют горгоны, ок. 580 г. до н.э., Лувр, Париж

Комос сцена на чаше комаста у KY Painter, ок. 570 г. до н.э., Лувр, Париж

Чернофигурный стиль в Афинах вошел примерно в 600 г. до н.э. Ранней афинской разработкой была амфора с конской головой, название произошло от изображения конских голов в окне изображения. Окна изображений часто использовались в последующий период, а позже были приняты даже в Коринфе. В Cerameicus Painter и Художник-горгона связаны с амфорами в виде конских голов. Коринфское влияние не только сохранилось, но даже усилилось. Фриз с животными был признан общеобязательным и привычным. У этого были как экономические, так и стилистические причины, потому что Афины конкурировали с Коринфом за рынки. Аттические вазы продавались в Причерноморье, Ливии, Сирии, нижней Италии и Испании, а также на греческой родине.

Помимо коринфских моделей, в афинских вазах также были представлены местные новинки. Таким образом, в начале VI в. До н.э. возник лекит «дейанаирского типа» удлиненно-овальной формы.^[18] Самым выдающимся художником этого раннего времени был Художник-горгона (600–580 гг. До н.э.). Он был очень продуктивным художником, который редко использовал мифологические темы или человеческие фигуры, а когда он это делал, всегда сопровождал их животными или фризами животных. На некоторых других его вазах были только изображения животных, как это было во многих коринфских вазах. Помимо Художника Горгоны, художники Komast Group (585–570 гг. До н.э.) следует упомянуть. Эта группа украшала новые для Афин вазы: леканы, котилы и котоны. Однако наиболее важным нововведением было введение чашка комаста, которые вместе с «кубками прекомаста» Класс Oxford Palmette стоит в начале развития аттических чашек. Важными художниками этой группы были старшие KX Painter и несколько менее талантливые KY Painter, который познакомил Афины с колонной Кратер.^[19] Эти сосуды были предназначены для использования на банкетах и ​​поэтому были украшены соответствующими Комос сцены, например исполнители комастов Комос сцены.

Подпись Софилос: Sophilos megraphsen («Софилос нарисовал меня»)

Другими значительными художниками первого поколения были Пантера Художник, то Анагирус Живописец, то Художник из Дрездена Леканис и Поло Художник. Последним значительным представителем первого поколения живописцев был Софилос (580–570 гг. До н.э.), который является первым известным по имени художником по вазам на Аттике. Всего он подписал четыре уцелевших вазы, три как художник и одну как гончар, показывая, что в то время гончары также были художниками ваз в стиле чернофигурных. Фундаментальное разделение обоих ремесел, похоже, произошло только в ходе развития краснофигурного стиля, хотя нельзя исключать предшествующую специализацию. Софилос широко использует аннотации. Он, по-видимому, специализировался на больших вазах, поскольку, как известно, особенно известны его работы динозавры и амфоры. Гораздо чаще, чем его предшественники, Софилос показывает мифологические сцены, такие как похоронные игры для Патрокл. С него начинается упадок фриза с животными, и растительные и другие украшения также имеют более низкое качество, поскольку они считаются менее важными и, таким образом, получают скудное внимание со стороны художника. Но в остальном Софилос показывает, что он был амбициозным художником. На двух динозаврах брак Пелей и Фетида изображен. Эти вазы были произведены примерно в то же время, что и Ваза Франсуа, который изображает этот предмет в совершенстве. Однако Софилос обходится без каких-либо украшений в виде фризов с животными на одном из двух своих динозавров,^[20] и он не сочетает разные мифы в сценах, распределенных на разных поверхностях ваз. Это первая большая греческая ваза, демонстрирующая единый миф в нескольких взаимосвязанных сегментах. Особенностью динозавров является нанесение художником непрозрачной белой краски, обозначающей женщин, прямо на глиняном основании, а не как обычно на черном глянце. Детали и контуры внутри фигуры окрашены в тускло-красный цвет. Эта особая техника встречается редко, только в вазах, расписанных в мастерской Софила, и на деревянных панелях, расписанных в коринфском стиле в VI веке до нашей эры. Софил также нарисовал одну из редких чаш (разновидность кубков) и создал первую сохранившуюся серию вотивных табличек. Он сам или один из его преемников также украсил вазу для первого брака (известную как lebes gamikos) быть найденным.^[21]

Доклассический архаический период

Ваза Франсуа, c. 570 г. до н.э., Археологический музей Флоренции

Начиная примерно со второй трети VI века до нашей эры, аттические художники стали интересоваться мифологическими сценами и другими изображениями фигур. Фризы с животными стали менее важными. Лишь немногие художники заботились о них, и они, как правило, были перемещены из центра внимания в менее важные области ваз. Этот новый стиль особенно представлен вазой Франсуа, подписанной как гончарами, Ergotimos и художник Клейтиас (570–560 гг. До н.э.). Этот кратер считается самой известной греческой расписной вазой.^[22] Это первый известный спиральный кратер, сделанный из глины. Мифологические события изображены на нескольких фризах, во второстепенных местах показаны фризы с животными. Некоторые иконографические и технические детали появляются на этой вазе впервые. Многие из них уникальны, например, изображение опущенной мачты парусного корабля; другие стали частью стандартного репертуара, например, люди сидят, поставив одну ногу за другую, вместо традиционного параллельного расположения ног.^[23] Четыре другие вазы меньшего размера были подписаны Эрготимосом и Клейтиасом, и им приписываются дополнительные вазы и фрагменты. Они свидетельствуют о других нововведениях Клейтиаса, таких как первое изображение рождения Афина или Танца на Крите.

Амфора Панафинейской премии из Burgon Group (в Бургонская амфора ), Афина в руках с надписью, 566/565 г. до н.э., Британский музей, Лондон

Неархос (565–555 гг. До н.э.) был гончаром и художником. Он отдавал предпочтение крупным фигурам и первым создал изображения, запряженные в колесницу. Еще одним нововведением было размещение дизайна язычка на белом фоне под губой вазы.^[24] Другими талантливыми художниками были Художник Акрополя 606 и Художник-рисовальщик, самая известная часть которой - Hearst Hydria. В Burgon Group также имеет значение, являясь источником первых полностью сохранившихся Панафинейская амфора.

Похищение Фетиды. Пелей пробирается к горящему алтарю, где танцуют Нереиды, перекрывает фриз на чаше Сианы Художником Си, ок. 560 г. до н.э., Государственное собрание древностей Мюнхена.

Боксеры на двухэтажном автобусе Чашка Сианы, в стиле Гейдельбергский художник, c. 575-550 гг. До н.э., Лувр, Париж

В Чашка Сианы возникла из чаши комаста около 575 г. до н.э. В то время как Komast Group производила формы, отличные от чашек, некоторые мастера специализировались на производстве чашек после появления первого важного образца чашек Siana, C Художник (575-555 гг. До н.э.). Чашечки имеют более высокий обод, чем раньше, и основание в форме трубы на относительно короткой полой ножке. Впервые в росписи аттических ваз внутренняя часть чаши украшена изображениями в рамах (тондо ). Было два вида декора. В «двухэтажном» стиле корпус чашки и губа имеют отдельные украшения. В стиле «перекрытие» изображение распространяется как на тело, так и на губу.После второй четверти VI века до н.э. возрос интерес к украшению чашек с изображениями спортсменов. Еще одним важным художником по чашкам Сианы был Гейдельбергский художник. Он тоже рисовал почти исключительно сианские чашки. Его любимым предметом был герой Геракл. Гейдельбергский художник - первый художник-чердак, показавший ему Эриманфский кабан, с Нерей, с Бусирис и в саду Геспериды. В Кассандра Художник, который украсил чашки среднего размера с высоким основанием и губами, знаменует собой завершение развития чашки Siana. Он прежде всего известен как первый известный художник, принадлежавший к так называемой Маленькие мастера, большая группа художников, производивших такой же ассортимент сосудов, известных как Чашки Little-master. Так называемый Веселые чашки производились одновременно с чашками Siana. Их ручки имеют форму вилки с двумя зубцами и заканчиваются чем-то вроде кнопки. Эти чашки не имеют очерченного края. У них также более глубокая чаша с более высокой и более узкой ножкой.

Геракл и Арес битва за труп Цикна, в нижнем регистре фриз с изображением животных, подписанный гончаром Колхосом, приписываемый художнику Lydos, Чердак кувшин для вина, c. 560 г. до н.э., найден в Вульчи, сейчас находится в Берлинской коллекции классических древностей, Старый музей.

Последним выдающимся художником доклассического архаического периода был Lydos (560-540 гг. До н.э.), который подписал две из своих сохранившихся работ Хо Лидос (лидийский). Он или его непосредственные предки, вероятно, происходили из Малой Азии, но, несомненно, обучался в Афинах. Ему приписывают более 130 сохранившихся ваз. Одна из его картинок на Hydria - первое известное аттическое изображение битвы между Гераклом и Герион. Лидос первым показал Геракла в львиной шкуре, что впоследствии стало обычным явлением в аттическом искусстве. Он также изобразил битву между богами и гигантами на динозавре, найденном на афинском акрополе, и Геракла с Cycnus. Лидос украшал другие типы сосудов, помимо гидриай и динозавров, такие как тарелки, чашки (перекрывающие сиенские чашки), кратеры и псиктеры колонн, а также вотивные таблички. По-прежнему трудно идентифицировать продукты Лидоса как таковые, поскольку они часто лишь незначительно отличаются от продуктов его непосредственного окружения. Стиль довольно однороден, но изделия значительно различаются по качеству. Чертежи не всегда тщательно выполняются. Лидос, вероятно, работал мастером в очень продуктивной мастерской в ​​Афинском районе гончарного дела. Предположительно, он был последним аттическим художником по вазам, который рисовал фризы с животными на больших вазах. Все еще в коринфской традиции, его рисунки фигур являются звеном в цепи художников-вазописцев, простирающейся от Клейтиаса через Лидос и художников Амасиса до Эксекиаса. Вместе с ними он участвовал в развитии этого искусства в Аттике и оказал большое влияние.^[25]

Охота на кабана в Калидонии, возможно, изображена на верхнем фризе этой тирренской амфоры, которую приписывают Тимиадскому художнику или Тирренской группе, 560 г. до н.э., из южной Этрурии, теперь в Берлинской коллекции классических древностей, Старый музей.

Особой формой аттических ваз этого периода была тирренская амфора (550-530 гг. До н.э.). Это были амфоры с яйцевидной шейкой, украшенные нетипичными для того времени канонами аттического дизайна. Почти все c. В Этрурии было найдено 200 сохранившихся ваз. Корпус амфоры обычно разделяется на несколько параллельных фризов. Верхний или плечевой фриз обычно изображает популярную сцену из мифологии. Иногда встречаются менее общие темы, например, уникальная сцена принесения в жертву Поликсена. Первые известные эротические изображения на чердачных вазах также найдены в этом месте расположения ваз. Художники часто помещали на тирренские амфоры аннотации, идентифицирующие изображенных лиц. Остальные два-три фриза были украшены животными; иногда один из них заменялся фризом из растений. Шею принято расписывать крестом из пальметты лотоса или фестонами. Амфоры довольно красочные и напоминают коринфские изделия. В этом случае коринфская форма явно была намеренно скопирована для производства вазы определенного типа для этрусского рынка, где этот стиль был популярен. Возможно, эта форма была изготовлена ​​не в Афинах, а где-то еще в Аттике или даже за пределами Аттики. Важными художниками были Кастеллани Живописец и Голтырский художник.

Годы мастерства

Период между 560 годом и зарождением краснофигурной керамики примерно в 530/520 годах до нашей эры считается абсолютной вершиной чернофигурной росписи ваз. В этот период лучшие и самые известные художники использовали все возможности этого стиля.^[26]

Дионис и двое менады, один держит зайца, амфора на шее, ок. 550/530 г. до н.э., из Вульчи, ныне Кабинет медицинской помощи Национальной библиотеки Франции. Женские менады показаны здесь только контуром, без непрозрачного белого цвета, чтобы характеризовать их как женщин.

Первым крупным художником этого времени был Амасис Художник (560–525 до н.э.), названный в честь известного гончара Амасис, с которыми он в основном работал. Многие исследователи считают их одним и тем же человеком. Он начал свою карьеру в живописи примерно в то же время, что и Лидос, но проработал почти вдвое дольше. В то время как Лидос проявлял больше способностей умелого мастера, художник Амасис был опытным художником. Его образы умны, обаятельны и изысканны.^[27] и его личное художественное развитие близко к отражению общей эволюции чернофигурной аттической вазовой живописи того времени. Его ранние работы показывают его близость к художникам сианских кубков. Успехи легче всего узнать по тому, как он прорисовывает складки одежды. Его ранние женские фигуры носят одежду без складок. Позже он рисует плоские угловатые складки, и в итоге у него получается создать впечатление гибкой струящейся одежды.^[28] Рисунки одежды были одной из его главных характеристик; он любил изображать одежду с узорами и бахромой. Группы фигур, которые показывает художник Амасис, были тщательно прорисованы и симметрично скомпонованы. Первоначально они были довольно статичными, более поздние фигуры производили впечатление движения. Хотя художник Амасис часто изображал мифологические события, он известен своим свиным лицом. сатиры, например - он больше известен своими сценами из повседневной жизни. Он был первым художником, который изобразил их в значительной степени. Его творчество впоследствии оказало решающее влияние на творчество краснофигурных художников. Возможно, он предвидел некоторые из их нововведений или находился под их влиянием ближе к концу своей живописной карьеры: на многих его вазах женщины показаны только в контурах, без черной заливки, и их больше нельзя идентифицировать как женщин с помощью непрозрачного белый как цвет кожи.^[29]

Гонка по бегу с оружием Гоплитодромос, триподы победы размещаются под ручками, передняя сторона шейной амфоры Группа E, ок. 550 г. до н.э., из Вульчи, сейчас в Лувре, Париж.

Амфора - пользователем Exekias, Ахиллес и Аякс занимался настольной игрой, около 540-530 гг. до н.э., Музеи Ватикана, Ватикан.

Группа E (550–525 v. Chr.) Была большой, самостоятельной коллекцией ремесленников и считается самой важной анонимной группой, производящей чернофигурную аттическую керамику. Он строго нарушал стилистические традиции Лидоса как в отношении изображения, так и в отношении сосуда. От амфор с яйцевидными шейками полностью отказались, почти полностью отказались от кратеров колонн. Вместо этого эта группа представила брюшные амфоры типа А, которые затем стали индексной формой. Амфоры на шею обычно производились только в индивидуальном исполнении. Группу не интересовали малые форматы. Многие сцены, особенно из мифов, воспроизводились снова и снова. Так, некоторые амфоры этой группы изображают Геракла с Герионом или Немейский лев, и все чаще Тесей и Минотавр, а также рождение Афины. Однако особое значение группы заключается в том влиянии, которое она оказала на Эксекиаса. Большинство аттических художников того периода копировали стили Группы E и Exekias. Работы Лидоса и художника Амасиса, напротив, копировались не так часто. Бизли описывает важность группы для Exekias следующим образом: «Группа E - это плодородная почва, из которой прорастает искусство Exekias, традиция, которую он берет и превосходит на своем пути от превосходного мастера до настоящего художника».^[30]

Чашка с кораллово-красным фоном от Exekias. Дионис возлежит на корабле, на котором растут виноградные лозы, в окружении дельфинов, c. 530 г. до н.э. Кубок Диониса: Staatliche Antikensammlungen, Мюнхен

Подпись Exekias (ΕΧΣΕΚΙΑΣ ΕΠΟΕΣΕ - "Exekias сделал это") у подножия кубка Диониса

Аякс готовится к самоубийству; Exekias Самоубийство Аякса Ваза, c. 530/525 г. до н.э.

Exekias (545-520 гг. До н.э.) обычно считается абсолютным мастером чернофигурного стиля, который достигает своей вершины вместе с ним.^[31] Его значимость связана не только с его мастерской росписью ваз, но и с его высоким качеством и новаторской керамикой. Он подписал 12 из своих сохранившихся сосудов как гончар, два как художник и гончар. Exekias, вероятно, сыграл большую роль в развитии Чашки Little-master и упомянутую выше брюшную амфору типа А, и, возможно, он изобрел чашечка Кратер, по крайней мере, самая старая из существующих работ - из его мастерской. В отличие от многих других аналогичных мастеров, как художник он придавал большое значение тщательной проработке орнаментов. Детали его изображений - гривы лошадей, оружие, одежда - также великолепно выполнены. Его сцены обычно монументальны, а фигуры излучают достоинство, ранее неизвестное в живописи. Во многих случаях он нарушал аттические условности. Для своего самого известного сосуда, чаши Диониса, он первым использовал кораллово-красное внутреннее покрытие вместо обычного красного цвета. Это нововведение, а также размещение двух пар глаз на экстерьере соединяют Exekias с классическими наглазниками. Возможно, еще более новаторским было то, что он использовал всю внутреннюю часть чаши для своего изображения Диониса, лежащего на корабле, с которого прорастают виноградные лозы. В то время действительно было принято украшать внутреннюю поверхность просто лицом горгоны. Чашка^[32] вероятно, один из экспериментов, предпринятых в районе гончарного дела, чтобы открыть новые горизонты до того, как был введен стиль красных фигур. Он был первым, кто нарисовал корабль, плывущий по краю динозавра. Он лишь изредка придерживался традиционных схем изображения привычных мифологических сюжетов. Его изображение самоубийство Аякса также имеет значение. Exekias не показывает сам акт, который был по традиции, а скорее приготовления Ajax.^[33] Примерно так же известна, как чаша Диониса, амфора с его визуализацией Аякса и Ахилла, вовлеченных в настольную игру.^[34] Не только детальное изображение, Exekias даже передает исход игры. Почти в стиле речевого шара он заставляет обоих игроков объявлять числа, которые они бросают своими кубиками: Аякс - тройка, а Ахилл - четверка. Это старейшее из известных изображений этой сцены, о котором нет упоминаний в классической литературе. Не менее 180 других сохранившихся ваз, датируемых версией Эксекиаса примерно до 480 г. до н.э., показывают эту сцену.^[35]

Джон Бордман подчеркивает исключительный статус Эксекиаса, который выделяет его среди традиционных художников по вазам: «Люди, изображенные более ранним художником, в лучшем случае являются элегантными куклами. Амасис (художник Амасиса) мог визуализировать людей как людей. Но Экскиас мог представить их как богов и тем самым дать нам предвкушение классического искусства ».^[36]

Остаток вотивной таблички с лицом предводителя похоронной процессии к зрителю. Ca. 540/530 г. до н.э.

Признавая, что художники по вазам в Древней Греции считались мастерами, а не художниками, Эксекиас, тем не менее, считается современными историками искусства опытным художником, чьи работы можно сравнить с «крупными» картинами (фрески и панно) того периода.^[37] Это, видимо, осознавали и его современники. Берлинская коллекция классических древностей в Старом музее содержит остатки серии его вотивных табличек. Полная серия, вероятно, состояла из 16 отдельных панелей. Выполнение такого заказа у гончара и вазописца, вероятно, является уникальным для античности и свидетельствует о высокой репутации этого художника. Таблички показывают скорбь по умершей афинянке, а также то, как она лежала в таком состоянии и была отправлена ​​к могиле. Exekias передает как горе, так и достоинство фигур. Одна особенность, например, состоит в том, что руководитель похоронной процессии поворачивает лицо, чтобы, так сказать, смотреть прямо на зрителя. Изображение лошадей также уникально; у них индивидуальный темперамент, и они не ограничиваются их функциями благородных животных, как это принято в вазах.^[38]

Тесей убивает Минотавр, тондо внутри чашки для губ неизвестного художника. Ca. 550/540 г. до н.э., сейчас в Лувре, Париж.

В зрелый классический период произошла дальнейшая специализация производителей сосудов и чашек. Чаши из комаста и сианы большого объема эволюционировали через Чашки Gordion^[39] в изящные варианты, называемые Чашки Little-master из-за их нежной окраски. Гончаров и художников этой формы соответственно называют Маленькие мастера. Они в основном рисовали чашки группы и чашки для губ. Чашечки для губ^[40] получили свое название от их относительно выраженной и очерченной губы. Снаружи чаша сохранила большую часть глиняного фона и обычно имела только несколько небольших изображений, иногда только надписи, а в некоторых случаях вся чашка была минимально украшена. Также в области ручек редко бывает больше пальмет или надписей возле мест крепления. Эти надписи могут быть подписью гончара, тостом пьющего или просто бессмысленной последовательностью букв. Но внутренности чашки для губ тоже часто украшают изображения.

Чашки^[41] имеют более мягкий переход между корпусом и ободом. Украшение имеет форму полосы, опоясывающей внешнюю поверхность чашки, и часто может быть очень сложным фризом. В случае такой формы обод покрыт глянцевой черной накладкой. Интерьер сохраняет цвет глины, за исключением черной точки, нарисованной в центре. Варианты включают Чашки и Чашки касселя. Чашки^[42] имеют черные вогнутые губы и высокую ступню. Как и у классических чашечек с ремешками, ободок оставлен черным, но область под ним украшена орнаментом в виде листьев, бутонов, пальметт, точек, нимбов или животных на внешней стороне чашки. Чашки касселя^[43] имеют небольшую форму, приземистые, чем другие чашки Little Masters, и весь экстерьер украшен. Как и в случае с чашками Droop, в первую очередь расписываются орнаменты. Знаменитые Маленькие Мастера - гончары Фринос, Соклес, Тлесон и Эрготелес Последние двое были сыновьями гончара Неархоса. Гермоген изобрел маленького мастера разновидность скифоса^[44] ныне известный как скиф Гермоген. Здесь также следует упомянуть художника Фриноса, художника Талейда, художника Ксенокла и Родосскую группу 12264.

• 

  Чаша для губ гончара Тлесона с подписью («Тлесон, сын неархоса, создал меня»), ок. 540 г. до н.э., сейчас находится в Мюнхенской государственной коллекции древностей.

• 

  Кубок оркестра неизвестного художника с изображением бойцов, c. 540 г. до н.э., из Вульчи, сейчас в Лувре, Париж.

• 

  Чашка неизвестного художника, гр. 550/530 г. до н.э., из Греции, сейчас в Лувре, Париж.

• 

  Кассельская чашка неизвестного художника, ок. 540 г. до н.э., сейчас в Лувре, Париж.

Последняя четверть VI века до нашей эры.

До конца века качество изготовления чернофигурных ваз в основном сохранялось. Но после развития краснофигурного стиля около 530 г. до н.э., предположительно, Андокидес Художник, все больше и больше художников переходили к красному стилю фигуры, который давал гораздо больше возможностей для добавления деталей в контуры фигуры. Новый стиль также позволил провести многообещающие эксперименты с ракурсом, перспективными видами и новым дизайном аранжировок. Содержание сцены, как всегда, отражало тенденции вкуса и дух времени, но стиль с красными фигурами создал лучшие предпосылки для представления более сложных сцен за счет использования новых возможностей аранжировки.

Борьба с амазонками на амфоре Никосфена работы гончара Никосфена и художника Н., ок. 520/510 г. до н.э., сейчас в Лувре, Париж.

Но тем временем несколько мастеров-новаторов все еще могли придать новый импульс производству чернофигурных ваз. Самый изобретательный гончар того времени, к тому же талантливый бизнесмен, был Никосфен. Более 120 ваз имеют его подпись, что свидетельствует о том, что они были изготовлены им или в его мастерской. Похоже, он особенно специализировался на производстве ваз для экспорта в Этрурию. В его мастерской изготавливались обычные шейные амфоры, маленькие мастера, дропы и наглазники, а также амфоры, напоминающие этрусские. Bucchero керамика, названная Никостеническая амфора после его создателя. Эти предметы были найдены, в частности, в Caere, другие типы ваз обычно в Черветери и Вульчи. Многие изобретения в его мастерской не ограничивались формами. В мастерской Никосфена то, что известно как Техника шестерки был разработан, в котором фигуры были окрашены в красновато-коричневый или белый цвет поверх черной глянцевой накладки. Неясно, писал ли Никосфен также вазы, и в этом случае его обычно считают тождественным художнику Н.^[45] В BMN Художник и Краснофигурный Художник Никосфен также названы в честь Никосфена. В своей мастерской он нанял многих известных художников по вазам, в том числе пожилого Лидоса, Oltos и Epiktetos. Традицию мастерской продолжил преемник Никосфена, Памфайос.^[46]

Уходящие воины показаны на животе амфора посредством Аффектор, c. 540/530 г. до н.э., сейчас в Лувре, Париж.

Двое чернофигурных вазописцев считаются маньеристами (540-520 гг. До н.э.). Художник Локти наружу Украшали в первую очередь чашки Little Masters. Вытянутые локти его фигур бросаются в глаза, что и объясняет его прагматичное имя. Он редко изображал мифологические сцены; эротические сцены встречаются гораздо чаще. Он также украсил редкую форму вазы, известную как Лидион. Самым важным из двух художников был Аффектор, чье название происходит от преувеличенно искусственного впечатления, производимого его фигурами. Эти фигурки с маленькими головами, кажется, не столько действуют, сколько позируют. Его ранние работы показывают сцены повседневной жизни; позже он обратился к декоративным сценам, в которых фигуры и атрибуты узнаваемы, но мало действия. Если его фигуры одеты, они выглядят так, как будто они набиты набивкой; если они обнажены, они очень угловатые. Аффектер был одновременно гончаром и художником; Сохранилось более 130 его ваз.^[47]

Урожай оливок, изображенный на амфоре на шее художником Антимена, ок. 520 г. до н.э., из Вульчи, сейчас в Британском музее в Лондоне.

В Антименес Художник (530–500 до н. Э.) Любил украшать гидрию фризами с животными в пределле и, в остальном, особенно шейными амфорами. Две приписываемые ему гидрии украшены в области шеи с помощью белая земля техника. Он был первым, кто написал амфоры с маской лица Диониса. Самая известная из его более чем 200 сохранившихся ваз показывает урожай оливок на обратной стороне. Его рисунки редко бывают действительно точными, но и не излишне небрежными.^[48] Стилистически художник Псиакс тесно связан с художником Антимена, хотя первый также использовал технику красных фигур. Как учитель художников Евфроний и Финтиас, Псиакс оказал большое влияние на раннее развитие краснофигурного стиля. Он часто показывает сцены с конями, колесницами и лучниками.^[49]

Корабль внутри чашки Leagros Group. c. 520 г. до н.э., с Черветери, теперь в Cabinet des Médailles де ла Bibliothèque Nationale de France

Последней важной группой художников была группа художников. Leagros Group (520-500 гг. До н.э.), названный в честь часто используемой калосской надписи - Леагрос. Чаще всего окрашиваются сосуды амфоры и гидрии, последние часто с пальметтами в пределле. Поле изображения обычно заполняется полностью, но качество изображений остается очень высоким. Многие из более чем 200 ваз этой группы были украшены сценами Троянской войны и жизни Геракла.^[50] Такие художники, как остроумный художник Ахелоос, традиционный художник Кьюзи и художник рассвета с его точными деталями, принадлежат к Leagros Group.^[51]

Геракл и Афина, чернофигурная сторона брюшной амфоры художника Андокида, ок. 520/510 г. до н.э., из Вульчи, сейчас находится в Мюнхенской государственной коллекции древностей.

Геракл и Афина, краснофигурная сторона вышеупомянутой амфоры, возле Лисиппид Художник, c. 520/510 г. до н.э., из Вульчи, сейчас находится в Мюнхенской государственной коллекции древностей.

Другие известные художники по вазе того времени - Художник Ватикана Скорбящий, The Принстонский художник, то Художник Мюнхена 1410 г. и Свинг-художник (540-520 гг. До н.э.), которому приписывают множество ваз. Он не считается очень хорошим художником, но его фигуры непреднамеренно юмористичны из-за фигур с их большими головами, странными носами и часто сжатыми кулаками.^[52] Работа Райкрофт Художник имеет сходство с краснофигурной вазой и новыми формами выражения. Он любил изображать дионисийские сцены, лошадей и колесницы, а также приключения Геракла. Он часто использует контурные рисунки. Приписываемые ему приблизительно 50 обычно крупногабаритных сосудов элегантно расписаны.^[53] В Класс C.M. 218 преимущественно украшенные вариации никостенических амфор. В Гипобибазон Класс работал с новым типом брюшной амфоры с округлыми ручками и ножками, в декоре которой используется ключевой меандр над полями изображения. Меньший вариант шейной амфоры украшал Трехстрочная группа. В Perizoma Group принял около 520 г. до н.э. новую форму стамно. К концу века высококачественная продукция все еще производилась Эуфилет Живописец, то Мадридский художник и образный Приам Художник.

В частности, художники по чашкам, такие как Олтос, Эпиктетос, Фидиппос и Скайтес, рисовали вазы как в красно-, так и в черно-фигурном стиле (Двуязычная керамика ), в первую очередь наглазники. Интерьер обычно был чернофигурным, экстерьер - краснофигурным. Есть несколько ящиков амфор, лицевая и оборотная стороны которых декорированы в двух разных стилях. Самые известные - произведения Андокидес Художник, чьи черно-фигурные сцены относятся к Лисиппид Художник. Ученые расходятся во мнениях относительно того, являются ли эти художники одним и тем же человеком. Только несколько художников, например Никоксенос Художник и Афина Художник, производила большое количество ваз, используя оба метода. Хотя двуязычная керамика была довольно популярна в течение короткого времени, этот стиль вышел из моды уже к концу века.^[54]

Поздний период

Афина на лекифе Бельдамского художника, ок. 480 г. до н.э., найден в Вари, сейчас находится в Национальном археологическом музее в Афинах.

В начале V века до нашей эры и самое позднее до 480 года до нашей эры все известные художники использовали стиль краснофигурных фигур. Но чернофигурные вазы продолжали изготавливаться еще примерно 50 лет, и их качество постоянно снижалось. Последними художниками, создавшими изображения приемлемого качества на больших вазах, были Художник Евхаридс и Художник Клеофрад. Только мастерские, которые производили более мелкие формы, такие как ольпы, эноче, скифос, амфоры с маленьким горлышком и особые лекифы, все чаще использовали старый стиль. Художник Фаниллис использовал технику Шести, среди других методов, и и Эдинбургский Художник, и Художник Гела украсили первые цилиндрические лекитоны. Первые в основном создавали случайные, ясные и простые сцены с использованием стиля черных фигур на белом фоне. Белый грунт ваз был довольно толстым и больше не рисовался непосредственно на глиняном основании - техника, которая стала стандартом для всех ваз с белым грунтом. Художник-Сафо специализировался на погребальных лекитах. Мастерская Хаймон Художник был особенно продуктивным; Сохранилось более 600 их ваз. Художник Афина (который, возможно, идентичен краснокожему Художнику Боудойна) и Художник Персей продолжали украшать большие стандартные лекитоны. Сцены Афины Живописец по-прежнему излучают некоторое достоинство, присущее работе Leagros Group. Марафонский художник прежде всего известен погребальными лекитами, найденными в кургане афинян, погибших в Марафонская битва в 490 г. до н. э. Последний значительный художник-лекитос, Белдамский художник, работал примерно с 470 г. до н.э. до 450 г. до н.э. За исключением амфор Панафинейского приза, чернофигурный стиль подошел к концу в Аттике в это время.^[55]

Амфоры Панафинейской премии

Конкурс нарисован на амфоре Панафинейской приза, приписываемой берлинскому художнику, ок. 480/470 г. до н.э., найден в Ноле, сейчас находится в Берлинской коллекции классических древностей, Старый музей.

Среди чернофигурных аттических ваз особое место занимают амфоры Панафинейской премии. После 566 г. до н.э., когда были введены или реорганизованы панафинейские праздники, они были призом для победителей спортивных соревнований и наполнялись оливковым маслом, одним из основных экспортных товаров города. Спереди они обычно несли изображение богини Афины, стоящей между двумя колоннами, на которых петухи сидел; на спине была спортивная сцена. Форма всегда оставалась неизменной и лишь незначительно изменялась за долгий период производства. Амфора живота была, как следует из названия, изначально особенно выпуклой, с короткой шеей и длинной узкой ступней. Около 530 г. до н.э. шеи становятся короче, а тело несколько уже. Около 400 г. до н.э. плечики ваз были значительно уменьшены в ширину, а изгиб корпуса вазы выглядел зауженным. После 366 г. до н.э. вазы снова стали более изящными и стали еще более узкими.

Афина на призовой амфоре с надписью "Архипп, архонт"(321/320 г. до н.э.) найдено в Бенгази, сейчас в Лувре, Париж

Эти вазы в основном производились в ведущих мастерских района Керамейкос. Похоже, получить заказ на изготовление ваз было честью или особенно прибыльным делом. Это также объясняет существование многих призовых амфор прекрасных художников по вазам. Помимо выдающихся художников-чернокожих, таких как художник Эуфилетос, Эксекия, Гиперидес и группа Леагроса, многие мастера с красными фигурами известны как создатели призовых амфор. К ним относятся художник Евхарид, художник Клеофрад, Берлинский художник, художник Ахиллеус и Софилос, который был единственным, кто подписал одну из сохранившихся ваз.Первая известная ваза была произведена Бургонской группой и известна как Бургонская ваза. Поскольку имя правящего чиновника (Архонт ) иногда появляется на вазе после IV века до нашей эры, некоторые из ваз можно точно датировать. Поскольку Панафинеи были религиозными праздниками, стиль и тип украшения не изменились ни во время периода красных фигур, ни после того, как фигурные вазы больше не продавались в Афинах. Призовые амфоры производились во II веке до нашей эры, и около 1000 из них сохранились. Поскольку для некоторых дат количество амфор, присужденных победителю, известно, можно сделать вывод, что сохранилось около одного процента от общего производства афинских ваз. Другие прогнозы позволяют сделать вывод, что всего в Афинах было произведено около семи миллионов ваз с нарисованными фигурами.^[56] Помимо призовых амфор производились также имитирующие формы, известные как псевдопанафинейские призовые амфоры.^[57]

Лакония

Всадник с извивающимся усиком, растущим из его головы, под ногами лошади отделенный второй сегмент, чашка тондо именной вазы у Райдер Художник, c. 550/530 г. до н.э., сейчас в Британском музее.

Аркесилай II, царь Кирены наблюдает за работой своих подопечных на чашка посредством Художник Аркесилаоса c. 565/560 г. до н.э., найден в Вульчи, в настоящее время находится в Кабинете медалей де ла Bibliothèque nationale de France в Париже.

Уже в VII веке до нашей эры в Спарте производили расписную керамику для местного потребления, а также на экспорт. Первые качественные изделия были произведены около 580 г. до н.э. Расцвета чернофигурной керамики пришелся на период между 575 и 525 годами до нашей эры. Помимо Спарты, главными достопримечательностями являются острова Родос и Самос, а также Таранто, Этрусские некрополи и Кирена, который сначала считался первоисточником керамики. Качество сосудов очень высокое. Глина была хорошо заморожена и имела кремовое покрытие. Амфоры, гидриеи, кратеры колонны (называемые Кратер Лаконикос в древности), волютные кратеры, халкидские кратеры, лебесы, арибаллы и спартанские чаши для питья, Lakaina, были нарисованы. Но форма указателя и самая частая находка - это чашка. В Лаконии глубокую чашу обычно ставили на высокую ножку; чашки на низких ножках встречаются редко. Внешний вид обычно украшен орнаментами, обычно гирляндами из гранатов, а внутренняя сцена довольно большая и содержит фигуры. В Лаконии раньше, чем в остальной Греции, тондо стало основным каркасом для кубковых сцен. Основное изображение также было рано разделено на два сегмента: главную сцену и меньшую, нижнюю. Часто сосуд покрывали только глянцевой накладкой или украшали всего несколькими украшениями. Надписи встречаются редко, но могут отображаться как аннотации имен. Подписи не известны ни гончарам, ни художникам. Вероятно, лаконские мастера были периэки гончары. Характерные черты глиняной посуды часто совпадают с модой известных художников. Также возможно, что это были гончары-переселенцы из восточной Греции, что объясняет сильное влияние восточной Греции, особенно на художника Бореадс.

Зевс с орлом, чашка тондо у Художник-наукратис, c. 560 г. до н.э., сейчас в Лувре, Париж.

Тем временем можно выделить не менее восьми художников по вазе. Пять художников, Аркесилас Художник (565–555), Художник Boreads (575–565), Художник Охоты, то Художник-наукратис (575–550) и Райдер Художник (550–530) считаются наиболее важными представителями стиля, в то время как другие художники считаются мастерами с меньшими способностями. Изображения обычно угловатые и жесткие, содержат фризы животных, сцены повседневной жизни, особенно симпозиумы, и многие мифологические сюжеты. Из последних Посейдон и Зевс изображаются особенно часто, но также Геракл и его двенадцать труды так же хорошо как Запрет и циклы легенд о троянцах. Особенно на ранних вазах гримаса горгоны помещена в чашечное тондо. Изображение нимфы Кирены и тондо с всадником с изгибающимся усиком, растущим из его головы (название ваза всадника-художника), являются исключительными.^[58] Также важна чашка с изображением Аркесилай II. Чашка Arcesilas дала прагматичное название художнику Arcesilas.^[59] Это одно из редких изображений современных событий или людей на греческой керамике. Сюжеты предполагают влияние чердака. Красновато-пурпурный был основным непрозрачным цветом. В настоящее время известно более 360 лаконских ваз, из которых почти треть, 116 штук, принадлежат художнику Наукратис. Упадок коринфской чернофигурной живописи на вазах около 550 г. до н.э., оказавший важное влияние на лаконскую живопись, привел к значительному сокращению лаконского производства чернофигурных ваз, которое прекратилось около 500 г. до н.э. Керамика была очень широко распространена, начиная с Марсель в Ионическую Грецию. На Самосе лаконская керамика более распространена, чем коринфская, из-за тесного политического союза со Спартой.^[60]

Беотия

Комосская сцена на лекитосе, c. 550 г. до н.э., найден в Беотии, сейчас находится в Лувре, Париж.

Чернофигурные вазы производились в Беотии с VI по IV век до нашей эры. Еще в начале VI века до нашей эры многие беотийские художники использовали технику ориентирования контуров. После этого они вплотную занялись производством Attic. Иногда бывает трудно отличить и отнести к одному из этих двух регионов, и вазы также можно спутать с коринфской керамикой. Низкокачественные аттические и коринфские вазы часто объявляются беотийскими произведениями. Часто хорошие беотийские вазы считаются аттическими, а плохие аттические вазы ошибочно считаются беотийскими. Вероятно, с Аттикой произошел обмен мастерами. По крайней мере в одном случае достоверно известно, что в Беотию эмигрировал аттический гончар (художник-лошадь-птица, а также, возможно, художник-токра, а среди гончаров определенно афинянин Тейсиас). Важнейшие темы - фризы с животными, симпозиумы и комос-сцены. Мифологические сцены редки, и когда они присутствуют, обычно изображают Геракла или Тесея. С конца VI по V век преобладал силуэтный стиль. Особенно кантарос, леканис, чашки, тарелки и кувшины. Как и в Афинах, есть надписи калос. Беотийские гончары особенно любили изготавливать лепные вазы, а также кантарос со скульптурными дополнениями и треногой. пиксиды. Формы лекани, чашек и амфор на шее также были заимствованы из Афин. Стиль рисования часто юмористический, предпочтение отдается сценам с комосом и сатирам.^[61]

Суд Парижа на скайфосе группы Kabeiric (Vine Tendril Group), середина 4 века до нашей эры, сейчас находится в Музее искусств Метрополитен, Нью-Йорк

Между 425 и 350 годами до н.э. кабейрские вазы были основным стилем черных фигур в Беотии. В большинстве случаев это была гибридная форма между кантаросом и скифос с глубокой чашей и вертикальными кольцевыми ручками, но были еще лебеши, чашки и пиксиды. Они названы в честь основного места, где они были найдены, Святилища Кабейрои недалеко от Фив. Сцены, обычно нарисованные только на одной стороне вазы, изображают местный культ. Вазы карикатурно изображают мифологические события в юмористической, преувеличенной форме. Иногда демонстрируются сцены комоса, предположительно имеющие прямое отношение к культу.^[62]

Эвбея

Кадм и дракон на брюшной амфоре, c. 560/550 г. до н.э., сейчас в Лувре, Париж.

Чернофигурная живопись ваз на Эвбее также испытала влияние Коринфа и особенно Аттики. Эти работы не всегда легко отличить от аттических ваз. Ученые предполагают, что большая часть керамики была произведена в Эретрия. В первую очередь расписывались амфоры, лекифы, гидрии и тарелки. Амфоры большого формата обычно украшались мифологическими сценами, такими как приключения Геракла или Парижский суд. Большие амфоры, полученные из форм 7-го века, имеют сужающиеся губы и, как правило, сцены, связанные со свадьбами. По-видимому, это погребальные вазы, изготовленные для детей, умерших до того, как они смогли выйти замуж. Сдержанное использование высечки и регулярное использование непрозрачного белого цвета для растительных орнаментов было типичным признаком чернофигурной керамики из Эретрии. В дополнение к сценам, отражающим аттические модели, были также более дикие сцены, такие как изнасилование оленя сатиром или Геракл с кентаврами и демонами. Вазы класса дельфинов раньше считались чердаками, но теперь считаются эвбоическими. Однако их глина не соответствует ни одному из известных эретрийских источников. Возможно, изделия были произведены в Халкида.^[63]

Происхождение некоторых чернофигурных региональных стилей является спорным. Например, халкидийская керамика когда-то была связана с Эвбеей; в то же время производство в Италии считается более вероятным.

Восточная Греция

Едва ли в каком-либо другом регионе Греции границы между восточными стилями и чернофигурными стилями столь же неопределенны, как в случае с вазами из восточной Греции. Примерно до 600 г. до н.э. использовались только контурные рисунки и пустые места. Затем, на поздней стадии ориентирования, стали появляться резные рисунки, новая техника пришла из Северной Ионии. Преобладавший ранее стиль фриза с животными был, безусловно, декоративным, но не давал особых возможностей для дальнейшего технического и художественного развития. Возникли региональные стили, особенно в Ионии.

«Чаша для ловли птиц», Ионная чашка, ок. 550 г. до н.э.

Ближе к концу Стиль дикой козы художники северного Ионического моря довольно плохо имитировали коринфские модели. Но уже в VII веке в Ионии производили высококачественные вазы. Примерно с 600 г. до н.э. чернофигурный стиль использовался полностью или частично для украшения ваз. В дополнение к региональным стилям, которые развивались в Клазоменах, Эфес, Милет, Хиос и Самос были особенно в стилях северной Ионии, которые невозможно точно локализовать. Сосуды для масла, соответствующие лидийской модели (лидионы), были обычным явлением, но большинство из них были украшены только полосами. Также есть оригинальные сцены, например скифский с Двугорбый верблюд, или сатир и баран. Для некоторых стилей атрибуция спорна. Таким образом, группа Нортгемптона демонстрирует сильное ионическое влияние, но производство, вероятно, было в Италии, возможно, иммигрантами из Ионии.^[64]

Головной конец саркофага из Клазоменай, изображающий гомоэротическую сцену с молодыми дворянами, ок. 515/510 г. до н.э., сейчас находится в Берлинской коллекции классических древностей, Старый музей.

В Клазоменах в середине VI века до н.э. (ок. 550–350 гг. До н.э.) были расписаны в основном амфоры и гидрии, а также глубокие чаши с плоскими угловатыми фигурами. Сосуды не очень изящны по исполнению. Часто изображались танцующие женщины и животные. Ведущими мастерскими были мастера Тюбингенского художника, художника Петри и группы Урла. Большинство ваз было найдено в Наукратис и в Телль-Дефенне, который был заброшен в 525 г. до н.э. Их происхождение было первоначально неясным, но Роберт Зан определил источник, сравнив их с изображениями на клазоменских саркофагах. Глиняную посуду часто украшали лепные женские маски. Мифологические сцены были редкостью; Были популярны орнаменты из рыбьей чешуи, ряды белых точек и жесткие танцующие женщины. Отношение герольда, стоящего перед королем и королевой, уникально. В целом у мужчин была большая борода лопатообразной формы. Начиная с 600 г. до н.э. и продолжаясь примерно до 520 г. до н.э., чаши-розетки, преемники чашек для птиц восточной Греции, производились, вероятно, в Клазоменах.^[65]

Самосская керамика впервые появилась около 560/550 до н.э. в формах, заимствованных из Аттики. Это чаши Little Masters и кантаро с лицевыми формами. Картина точная и декоративная. Самос наряду с Милетом и Родосом был одним из основных центров производства ваз в стиле Диких Козлов.^[66]

Роспись родосских ваз известна прежде всего по родосским плитам. Они были изготовлены с использованием полихромной техники, при этом многие детали были вырезаны, как в чернофигурной живописи. Примерно с 560 по 530 год до н.э. были распространены ситуации, вдохновленные египетскими моделями. На них изображены оба греческих предмета, такие как Тифон, а также древнеегипетские темы, такие как Египетские иероглифы и египетские спортивные дисциплины.^[67]

Италия, включая Этрурию

Caeretan Hydria

Геракл, Цербер и Эврисфей на гидрии художника Орла, ок. 525 г. до н.э., сейчас в Лувре, Париж.

«Церетская гидрия» - это название, используемое для особенно красочного стиля чернофигурной росписи ваз. Происхождение этих ваз оспаривается в литературе. Основываясь на оценке картины, вазы долгое время считались этрусскими или коринфскими, но в последние годы преобладает мнение, что создателями были два гончарных художника, эмигрировавшие из восточной Греции в Caere (современный Черветери) в Этрурии. Надписи на ионическом греческом языке подтверждают теорию эмиграции. Мастерская просуществовала всего одно поколение. Сегодня известно около 40 ваз, изготовленных двумя мастерами в этом стиле. Все гидрии, кроме одного алабастрон. За пределами Этрурии ничего не было найдено; большинство пришло из Цере, что и является причиной их названия. Вазы датируются примерно 530-510/500 годами до нашей эры. За церетскими гидриями стилистически следуют шейные амфоры, украшенные полосами.

Геракл борется с Гидра Лерны на гидрии работы художника-орла, ок. 525 г. до н.э., теперь на вилле Гетти, Малибу, Калифорния.

Эти технически довольно низшие гидрии имеют размер 40–45 см. высоко. У этих ваз высокие и очень выступающие горлышки, широкие плечи и низкие ножки-кольца в виде перевернутых чаш. Многие гидриеи деформированы или стреляют неправильно. Раскрашенные изображения разделены на четыре зоны: плечевую зону, зону живота с фигурами и зону с орнаментом, а также нижнюю часть. Все, кроме зоны живота с фигурами, украшены орнаментом. Есть только один случай, когда на обоих брюшных фризах есть фигуры. Их многоцветная окраска отличает их от всех остальных черно-фигурных стилей. Стиль напоминает ионическую вазу и разноцветные расписные деревянные таблички, найденные в Египте. Мужчины показаны с красной, черной или белой кожей. Женщин почти всегда изображают непрозрачным белым цветом. Контуры и детали прорезаны, что характерно для черно-фигурного стиля. Поверхности черной глянцевой накладки часто покрывают дополнительной цветной накладкой, так что черная накладка, которая становится видимой там, где есть бороздки, снабжает различные формы внутренними деталями. На лицевой стороне изображения всегда полны действия, на оборотной - обычны геральдические узоры. Орнаменты - важная составляющая гидриев; они не являются вспомогательными по отношению к другим мотивам. Для росписи орнаментов использовались трафареты; они не надрезаны.

Художник Бусирис и Художник-орел названы художниками. Последний считается ведущим представителем этого стиля. Их особенно интересовали мифологические темы, в которых обычно обнаруживалось влияние Востока. На именной вазе художника Бусириса Геракл топчет мифического египетского фараона. Бусирис. Геракл часто изображается и на других вазах, существуют сцены из повседневной жизни. Есть также необычные сцены, такие как Cetus в сопровождении белой печати.^[68]

Понтийские вазы

Диомед и Поликсена, Понтийская амфора художника Силена, ок. 540/530 до н.э., найден в Вульчи, ныне в Лувре, Париж.

Понтийские вазы также стилистически тесно связаны с ионической росписью керамики. Также в этом случае предполагается, что они были изготовлены в мастерских этрусков мастерами, эмигрировавшими из Ионии. Вазы получили свое вводящее в заблуждение название из-за изображения на вазе лучников, предположительно скифов, которые жили в Черное море (Понт). Большинство ваз было найдено в могилах в Вульчи, значительное количество также в Черветери. Форма указателя представляла собой шейную амфору особенно тонкой формы, очень напоминающую тирренские амфоры. Другими формами были энохои со спиральными ручками, динозавры, кьятос, тарелки, мензурки с высоким дном, реже кантарос и другие формы. Украшение понтийских ваз всегда похоже. Обычно это орнамент на шее, затем фигуры на плече, затем еще одна полоса орнаментов, фриз с животными и, наконец, кольцо из лучей. Стопа, шея и ручки черные. Заметна важность орнаментов, хотя зачастую они сформированы довольно небрежно; некоторые вазы украшены только орнаментом. Глина этих ваз желтовато-красная; накладка на вазы черного или коричневато-красного цвета, хорошего качества, с металлическим блеском. Красный и белый непрозрачные цвета широко используются для фигур и орнаментов. Животных обычно украшает белая полоска на животе. На сегодняшний день ученые определили шесть мастерских. Самой ранней и лучшей считается работа Парижского художника. Он показывает мифологические фигуры, включая безбородого Геракла, как это было принято в восточной Греции. Иногда встречаются сцены, которые не являются частью греческой мифологии, такие как Геракл, сражающийся с Юноной Соспитой («Спаситель») Парижским Художником или волком-демоном художника Титиоса. Есть также сцены повседневной жизни, сцены комосов и всадников. Вазы датируются периодом между 550 и 500 годами до нашей эры, и известно около 200 из них.^[69]

Этрурия

Этрусский чернофигурный Hydria

Этрусские вазы местного производства, вероятно, датируются 7 веком до нашей эры. Сначала они напоминают чернофигурные модели из Коринфа и Восточной Греции. Предполагается, что на раннем этапе производителями были в основном греческие иммигранты. Первым важным стилем была роспись понтийской керамики. Затем, в период между 530 и 500 годами до нашей эры, художник Микали и его мастерская последовали за ним. В то время этрусские художники, как правило, следовали аттическим образцам и производили в основном амфоры, гидрии и кувшины. У них обычно были сцены комосов, симпозиумов и фризы с животными. Мифологические сцены встречаются реже, но они очень тщательно продуманы. Чернофигурный стиль закончился около 480 г. до н. Э. Под конец выработался манерный стиль, а иногда и довольно небрежная силуэтная техника.^[70]

Халкидианская керамика

Борцовский матч между Пелей и Аталанта во время похорон короля Пелиас, гидрия кисти художника, ок. 550 г. до н.э., сейчас находится в Государственной коллекции древностей Мюнхена.

Халкидийская вазовая живопись была названа по мифологическим надписям, которые иногда появлялись халкидским письмом. По этой причине первоначально предполагалось, что гончарные изделия произошли от Эвбеи. В настоящее время предполагается, что гончарные изделия производились в Регион, возможно, тоже в Цере, но вопрос еще не решен окончательно.^[71] Халкидианская вазная живопись находилась под влиянием аттической, коринфской и особенно ионической живописи. Вазы были найдены в основном в итальянских городах, таких как Каэри, Вульчи и Регион, но также и в других местах западного Средиземноморья.

Животные на обратной стороне шейной амфоры Лейпцигской группы амфор, ок. 560/540 г. до н.э., найдено в Реджо-ди-Калабрия, сейчас в Лувре, Париж

Производство халкидийских ваз внезапно началось около 560 г. до н.э. На сегодняшний день прекурсоры не обнаружены. Спустя 50 лет, около 510 г. до н.э., это уже было кончено. Сохранилось около 600 ваз, и на данный момент идентифицировано 15 художников или групп художников. Эти вазы отличаются высоким качеством гончарной работы. Глянцевая накладка, которая их покрывает, после обжига обычно становится черной как смоль. Глина имеет оранжевый цвет. В картине широко использовались красные и белые непрозрачные цвета, а также озвучивание деталей интерьера. Форма указателя - амфора на шее, составляющая четверть всех известных ваз, но есть также наглазники, энохои и гидрии; другие типы судов встречаются реже. Исключение составляют леканис и чашки в этрусском стиле. Вазы экономичны и жестки по конструкции. «Ножка халкидовой чашки» - типичная характеристика. Иногда копируется в чернофигурных аттических вазах, реже - в краснофигурных.

Самым важным из известных художников старшего поколения является Художник-начертатель, из более молодых представителей - Художник Финеус. Первый предположительно является создателем стиля; около 170 уцелевших ваз приписываются очень продуктивной мастерской последнего. Он, наверное, тоже последний представитель этого стиля. Изображения обычно больше декоративны, чем повествовательны. Показаны всадники, фризы животных, геральдические изображения или группы людей. Большой крест лотоса и пальметты часто является частью картины. Мифологические сцены редки, но когда они происходят, они в целом исключительно высокого качества.

Геракл убивает Немейский лев, лицевая сторона псевдо-халкидийской амфоры на шее группы Полифема, c. 560/540 до н.э., найден в Реджо-ди-Калабрия, ныне в Лувре, Париж.

Псевдо-халкидианская вазная живопись является преемницей халкидийской живописи. Он близок к Халкидиану, но также имеет сильные связи с аттическими и коринфскими вазами. Таким образом, художники использовали для надписей ионический, а не халкидийский алфавит. Структура глины тоже разная. Известно около 70 ваз этого типа, которые впервые классифицировал Андреас Румпф. Возможно, что ремесленники были преемниками халкидских вазописцев и гончаров, эмигрировавших в Этрурию.^[72]

Псевдохалкидианская вазовая живопись делится на две группы. Старший из двоих - Полифем Группа, производившая большую часть уцелевших сосудов, в первую очередь шейных амфор и ойнохов. Обычно показаны группы животных, реже мифологические сцены. Сосуды были найдены в Этрурии, на Сицилии, в Марселе и Vix. Более молодая и менее продуктивная группа Memnon, к которой в настоящее время приписывается 12 ваз, имела гораздо меньшее географическое распространение, ограничиваясь Этрурией и Сицилией. За исключением одной ойночева, производились только шейные амфоры, которые обычно украшали животных и наездников.^[73]

Другой

Брюшная амфора группы Нортгемптон, освобождение Ио (в виде коровы) Гермес, который бросается на место происшествия, c. 540/530 до н.э., найден в Италии, сейчас находится в Мюнхенской государственной коллекции древностей.

Все вазы Northampton Group были амфоры с маленьким горлышком, за исключением амфоры с одним брюшком. Стилистически они очень похожи на вазовую живопись северных Ионических островов, но, вероятно, были созданы в Италии, а не в Ионии, возможно, в Этрурии около 540 г. до н.э. Вазы этой группы очень качественные. На них изображены богатые орнаментальные украшения и сцены, заинтересовавшие ученых, например, принц с лошадьми и кто-то верхом на подъемном кране. Они похожи на работу Группы Кампана Динои и на так называемую Нортгемптонскую амфору, чья глина похожа на глину Caeretan Hydriai. Группа Northampton была названа в честь этой амфоры. Круглые Campana Hydriai напоминают беотские и эвбейские модели.^[74]

Другие регионы

Алабастроны с цилиндрическими телами из Андрос редки, как и лекани из Тасос. Они напоминают беотийские изделия, за исключением того, что у них есть два фриза с животными вместо единого фриза, характерного для Беотии. Тасианские плиты скорее следовали аттическим образцам, и с их фигурными сценами более амбициозны, чем на леканисах. Имитации ваз из Хиос в чернофигурном стиле известны. Местная чернофигурная керамика из Халаи также редка. После того, как афиняне оккупировали Elaious На Дарданеллах здесь же началось производство местной чернофигурной керамики. К скромным изделиям относились простые лекани с контурными изображениями. Небольшое количество ваз в чернофигурном стиле было произведено в кельтской Франции. Они почти наверняка были вдохновлены греческими вазами.^[75]

Руль

Исследования и прием

Научные исследования этих ваз начались особенно в 19 веке. С этого времени усилилось подозрение, что эти вазы имеют греческое, а не этрусское происхождение. Особенно амфора Панафинейского приза, найденная Эдвард Додуэлл в 1819 г. в Афинах предоставлены свидетельства. Первым доказательство представил Густав Крамер в своей работе. Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837 г.). Однако потребовалось несколько лет, чтобы это понимание стало общепринятым. Эдуард Герхард опубликовал статью под названием Раппорто Волченте в Annali dell’Instituto di Corrispondenza Archeologica в котором он систематически исследовал вазы; он был первым ученым, сделавшим это. С этой целью в 1830 г. он изучил вазы, найденные в Тарквиния, сравнивая их, например, с вазами, найденными в Аттике и Эгина. Во время этой работы он идентифицировал 31 подпись художника и гончара. Раньше был известен только гончар Талейдес.^[76]

Следующим шагом в исследованиях стала научная каталогизация основных музейных коллекций ваз. В 1854 г. Отто Ян опубликовал вазы в Мюнхенской государственной коллекции древностей. Ранее публиковались каталоги музеев Ватикана (1842 г.) и Британского музея (1851 г.). Описание коллекции ваз Берлинской коллекции классических древностей, составленной в 1885 г. Адольф Фуртвенглер, был особенно влиятельным. Фуртвенглер был первым, кто классифицировал сосуды по региону художественного происхождения, технологии, стилю, форме и окраске, что оказало долгосрочное влияние на последующие исследования. В 1893 году Пол Хартвиг ​​попытался в своей книге Meisterschalen выявить различных художников на основе надписей калос, подписей и анализа стилей. Эдмон Поттье, куратор Лувра, в 1919 г. Corpus Vasorum Antiquorum. В этой серии публикуются все основные сборники мира, которые по состоянию на 2009 год насчитывают более 300 томов.^[77]

Научные исследования в области росписи аттических ваз во многом обязаны Джон Д. Бизли. Он начал изучать эти вазы примерно в 1910 году, используя метод, разработанный искусствоведом. Джованни Морелли для изучения картин, доработанных Бернард Беренсон. Он предполагал, что каждый художник создавал оригинальные произведения, которые всегда можно было безошибочно отнести. Он использовал определенные детали, такие как лица, пальцы, руки, ноги, колени и складки одежды. Бизли изучил 65 000 ваз и фрагментов, из которых 20 000 были чернофигурными. В ходе своих исследований, которые длились почти шесть десятилетий, он смог приписать 17000 из них по именам или используя систему прагматических имен и классифицировать их по группам художников или мастерских, отношениям и стилистической близости. Он выявил более 1500 гончаров и художников. Ни один другой археолог не оказал такого решающего влияния на исследования археологической области, как Бизли, чьи анализы в значительной степени актуальны до настоящего времени. После Бизли ученые любят Джон Бордман, Эрика Саймон и Дитрих фон Ботмер исследовал чернофигурные аттические вазы.^[78]

Основные исследования коринфской керамики были выполнены Хамфри Пейн, который в 1930-х годах сделал первую стилистическую классификацию, которая, по сути, используется до настоящего времени. Он классифицировал вазы по форме, типу декора и предметам изображения, и только после этого он сделал различие в отношении художников и мастерских. Он следовал методу Бизли, за исключением того, что придавал меньшее значение распределению художников и групп, поскольку для него важнее были хронологические рамки. Джек Л. Бенсон взял на себя эту задачу распределения в 1953 году и выделил 109 художников и групп. В последнюю очередь, Даррелл А. Эмикс резюмировал исследования до этого момента в своей книге 1988 года «Коринфская вазовая живопись архаического периода». Однако это предмет научных споров, возможно ли вообще в случае коринфской керамики приписывать конкретных художников.^[79]

Лаконская керамика была известна с XIX века по значительному количеству ваз из могил этрусков. Сначала они ошибочно приписывались, поскольку долгое время считались продуктом Кирены, где также были обнаружены некоторые из самых ранних предметов. Благодаря британским раскопкам, проведенным в Спарте. Святилище Артемиды Ортии, их истинное происхождение было быстро установлено. В 1934 году Артур Лейн собрал воедино весь известный материал и стал первым археологом, который идентифицировал разных художников. В 1956 году новые открытия изучил Брайан Б. Шефтон. Он вдвое сократил количество различных художников. В 1958 и 1959 годах появился новый материал от Таранто был опубликован. На Самосе также было найдено значительное количество других ваз. Конрад Майкл Стиббе заново изучил все известные ему 360 ваз и опубликовал свои результаты в 1972 году.Он определил пять крупных и трех второстепенных художников.^[80]

В дополнение к исследованиям аттической, коринфской и лаконской вазовой живописи, археологов часто особенно интересуют второстепенные итальянские стили. Caeretan Hydriai были впервые идентифицированы и названы Карлом Хуманном и Отто Пухштейном. Андреас Рампф, Адольф Кирхгоф и другие археологи ошибочно предполагали, что Халкидская керамика произошла от Эвбеи. Георг Фердинанд Дюммлер несет ответственность за ложное название понтийских ваз, которые, как он предполагал, происходят из района Черного моря из-за изображения скифа на одной из ваз.^[81] Между тем, исследования всех стилей проводятся не столько отдельными людьми, сколько большой международной группой ученых.

Смотрите также

• Список греческих художников-ваз § Период черной фигуры
• Керамика Древней Греции
• Краснофигурная керамика
• Смотрите также w: de: Liste der Formen, Typen und Varianten der antiken griechischen Fein- und Gebrauchskeramik в немецкой Википедии за полезный набор таблиц, классифицирующих формы и вариации ваз, с отличительными контурами форм и типичными примерами.
• Смотрите также w: de: Liste der griechischen Töpfer und Vasenmaler / Konkordanz

Рекомендации

дальнейшее чтение

• Бордман, Джон. 2001 г. История греческих ваз: гончары, художники, картины. Нью-Йорк: Темза и Гудзон.
• Бузек, январь 1990 г. Исследования греческой керамики в Причерноморье. Прага: Карлов университет.
• Кук, Роберт Мануэль и Пьер Дюпон. 1998 г. Восточно-греческая керамика. Лондон: Рутледж.
• Фарнсворт, Мари. 1964. "Греческая керамика: минералогическое исследование". Американский журнал археологии 68 (3): 221–28.
• Спаркс, Брайан А. 1996. Красный и черный: исследования в греческой керамике. Лондон: Рутледж.