Театр девятнадцатого века - Nineteenth-century theatre

Рихард Вагнер Фестивальный театр Байройта.

Театр девятнадцатого века описывает широкий спектр движений в театральный культура Европы и США в 19 веке. в Запад, они включают Романтизм, мелодрама, то хорошо сделанные пьесы из Писец и Сарду, то фарсы из Фейдо, то проблема играет из Натурализм и Реализм, Вагнера оперный Gesamtkunstwerk, Гилберт и Салливан пьесы и оперы, Уайльда гостиные комедии, Символизм, и прото-Экспрессионизм в поздних работах Август Стриндберг и Хенрик Ибсен.^[1]

Между 1875 и 1914 годами было введено несколько важных технических новшеств. Сначала газовое освещение, а затем электрическое освещение, появившееся в Лондоне. Савойский театр в 1881 г. заменил свет свечей. В ступень лифта был впервые установлен в Будапешт Оперный театр 1884 года. Это позволяло поднимать, опускать или наклонять целые части сцены, чтобы придать сцене глубину и уровень. В вращающийся этап был представлен Европе Карлом Лаутеншлегером в Театре Residenz, Мюнхен в 1896 г.

Мелодрама

Оноре Домье, Мелодрама, 1856-1860

Начиная с Франции после того, как театральные монополии были отменены во время французская революция, мелодрама стала самой популярной театральной формой века. Сама мелодрама восходит к классической Греции, но термин мелодрама не появлялись до 1766 года и вошли в массовое употребление только после 1800 года. Август фон Коцебу и Рене Шарль Гильбер де Пиксерекур установил мелодраму как доминирующую драматическую форму начала 19 века.^[2] В частности, Коцебу был самым популярным драматургом своего времени, написав более 215 пьес, поставленных по всему миру. Его игра Незнакомец (1789) часто считается классической мелодраматической пьесой. Хотя монополии и субсидии были восстановлены в Наполеон, театральная мелодрама продолжала пользоваться большей популярностью и привлекать более широкую аудиторию, чем спонсируемая государством драма и оперы.

Мелодрама включала в себя множество сценические эффекты, чрезвычайно эмоциональный, но систематизированный актерский стиль и развивающиеся сценические технологии, которые продвинули искусство театра к грандиозно зрелищной постановке. Это также была очень реактивная форма театра, которая постоянно менялась и приспосабливалась к новым социальным контекстам, новой аудитории и новым культурным влияниям. Отчасти это объясняет его популярность в XIX веке.^[3] Дэвид Гримстед в своей книге Представлена ​​мелодрама (1968), утверждает, что:

Его условности были ложными, его язык неестественным и банальным, его характеры стереотипы, а его мораль и богословие - грубыми упрощениями. И все же его привлекательность была велика и понятна. Он серьезно относился к жизни простых людей и уделял большое внимание их высшей чистоте и мудрости. [...] И его моральная притча изо всех сил пыталась примирить социальные страхи и удивительную жизнь с уверенностью того периода в абсолютных моральных стандартах, восходящем прогрессе человека и доброжелательном провидении, которое обеспечило триумф чистых.^[4]

В 19 веке в Париже мелодрама процветала во многих театрах, которые располагались на популярных улицах. Boulevard du Crime, особенно в Gaîté. Однако всему этому пришел конец, когда большинство этих театров было снесено во время восстановление Парижа бароном Османом в 1862 г.^[5]

К концу XIX века термин «мелодрама» почти полностью сузился до определенного жанр салонных развлечений: более или менее ритмично произносимые слова (часто стихи) - не спетые, иногда более или менее разыгрываемые, по крайней мере, с некоторой драматической структурой или участок - синхронизированы под музыкальное сопровождение (обычно фортепиано). На него смотрели свысока как на жанр для авторов и композиторов меньшего уровня (вероятно, это также причина, по которой практически никакие реализации этого жанра до сих пор не вспоминают).

Романтизм в Германии и Франции

В Германии была тенденция к исторической точности в костюмы и настройки, революция в театральной архитектуре и введение театральной формы Немецкий романтизм. Под влиянием тенденций в Философия 19 века и Изобразительное искусство, Немецкие писатели все больше увлекались своим Тевтонский прошлое и у меня растущее чувство романтический национализм. Пьесы Готтхольд Эфраим Лессинг, Иоганн Вольфганг фон Гете, Фридрих Шиллер, и другие Буря и натиск драматурги, вдохновляли растущую веру в чувства и инстинкты как руководство к нравственному поведению. Романтики, заимствованные из философия из Иммануил Кант сформулировать теоретические основы «романтического» искусства. По мнению романтиков, искусство имеет огромное значение, потому что оно дает вечным истинам конкретную материальную форму, которую может постичь ограниченный человеческий сенсорный аппарат. Среди те, кто называл себя романтиками в течение этого периода, Август Вильгельм Шлегель и Людвиг Тик больше всего интересовались театром.^[6] Спустя время романтизм был принят во Франции с пьесами Виктор Гюго, Александр Дюма, Альфред де Мюссе, и Жорж Санд.

В течение 1830-х годов во Франции театр боролся против Комеди Франсез, который поддерживал сильную неоклассицизм придерживались репертуара и поощряли традиционные способы трагического письма новых драматургов. Это столкновение завершилось премьерой фильма. Эрнани к Виктор Гюго в 1830 году. Большая толпа, пришедшая на премьеру, была полна консерваторов и цензоров, которые освистали шоу за неповиновение классическим нормам и хотели помешать продвижению спектакля. Но Хьюго организовал Романтическую армию богемный и радикальные писатели, чтобы гарантировать, что дебют состоится. Возникший бунт представлял собой отказ Франции от классических традиций и торжество романтизма.^[7]

Однако к 1840-м годам энтузиазм по поводу романтической драмы во Франции угас, и его заменил новый «Театр здравого смысла».

Хорошо сделанная игра

Во Франции "хорошо сделанная игра " из Юджин Скрайб (1791 - 1861) стал популярным у драматургов и публики. Эта форма, впервые разработанная Скрайбом в 1825 году, имеет сильный неоклассический оттенок, включает в себя напряженный сюжет и кульминацию, происходящую ближе к концу пьесы. Сюжет зависит от ключевой информации, полученной от одних персонажей, но известной другим (и аудитории). Повторяющийся прием, который используется в хорошо сделанной пьесе, - это использование писем или бумаг, попавших в непреднамеренные руки, чтобы вызвать повороты сюжета и кульминации. Напряжение и темп нарастают до кульминационной сцены, в которой герой побеждает в непредвиденном повороте судьбы.^[8]

Сам Скрайб написал более 400 пьес этого типа, используя то, что, по сути, составило литературную фабрику с писателями, которые написали рассказ, другой - диалогами, третий - шутками и так далее. Хотя он был очень плодовитым и популярным, он не обходился без недоброжелателей: Теофиль Готье задавался вопросом, как могло случиться так, что «автор без поэзии, лиризма, стиля, философии, правды или натурализма мог быть самым успешным писателем своей эпохи, несмотря на противостояние литературы и критиков?»^[9]

Его структуру использовали драматурги-реалисты. Александр Дюма, филс, Эмиль Ожье, и Викторьен Сарду. В частности, Сарду был одним из самых популярных драматургов в мире между 1860 и 1900 годами. Он адаптировал хорошо поставленную пьесу к любому драматическому жанру, от комедий до исторических спектаклей. В Британии драматурги любят Уилки Коллинз, Генри Артур Джонс и Артур Пинеро взял жанр, а Коллинз описал хорошо поставленную пьесу так: «Рассмеши их; заставить их плакать; заставь их подождать. Джордж Бернард Шоу думал, что пьесы Сарду олицетворяют упадок и бездумность, в которые погрузился театр конца 19 века, состояние, которое он назвал «сардудледом».^[8]

Театр в Британии

Театр Ковент-Гарден в 1809 году.

В первые годы XIX века Закон о лицензировании разрешено показывать пьесы только в двух театрах в Лондон зимой: Drury Lane и Ковент-Гарден. В этих двух огромных театрах были две королевские ложи, огромные галереи и яма со скамейками, куда люди могли приходить и уходить во время представлений. Пожалуй, самым ярким эпизодом популярности театра в начале 19 века является театральная постановка. старые ценовые бунты 1809 года. После того, как монастырский сад сгорел, Джон Филип Кембл Директор театра решил поднять цены на яму, ложи и третий ярус. Члены аудитории ненавидели новые цены, которые, по их мнению, лишали их доступа к месту проведения национальных встреч и привели к трехмесячным беспорядкам, пока, наконец, Кембл не был вынужден публично извиниться и снова снизить цены.^[10] Чтобы избежать ограничений, непатентные театры вдоль Strand, словно Sans Pareil, перемежающиеся драматическими сценами с музыкальными интермедиями и юмористическими сценками после Офис лорда Чемберлена позволил им поставить бурлетта - ведущие к формированию современного Уэст-Энд. За пределами столичного района Лондона такие театры, как Амфитеатр Астлея и Кобург также могли действовать вне правил. Взрывная популярность этих форм сделала патентную систему неработоспособной, и границы между ними начали стираться в 1830-х годах, пока, наконец, Закон о лицензировании не был отменен в 1843 году. Закон о театрах. Парламент надеялся, что это сделает публику более цивилизованной и приведет к более грамотному драматургу, - вместо этого он вызвал взрыв мюзик-холлы, комедии и сенсационные мелодрамы. ^[11]

Эдвард Булвер-Литтон.

Перси Биши Шелли и Лорд байрон были самыми известными литературными драматургами своего времени (хотя пьесы Шелли были поставлены только в конце века). Шекспир был чрезвычайно популярен, и его начали ставить с текстами, более близкими к оригиналу, поскольку радикальные переписывания исполнительских версий 17 и 18 веков для театра были постепенно удалены в течение первой половины столетия. Пьесы Коцебу были переведены на английский и Томас Холкрофт с Сказка о тайнах была первой из многих английских мелодрам. Пирс Иган, Дуглас Уильям Джерролд, Эдвард Фитцбол, Джеймс Роланд Макларен и Джон Болдуин Бакстон инициировал тенденцию к более современным и деревенским историям, а не к обычным историческим или фантастическим мелодрамам. Джеймс Шеридан Ноулз и Эдвард Булвер-Литтон основал «джентльменскую» драму, которая начала восстанавливать былый престиж театра с аристократия.^[12]

Портрет Генри Ирвинга

В театрах на протяжении столетия доминировали актеры-менеджеры которые управляли заведениями и часто выступали в главных ролях. Генри Ирвинг, Чарльз Кин и Дерево Герберта Бирбома все это примеры менеджеров, которые создавали постановки, в которых они были звездой. Ирвинг особенно доминировал в Лицей театр в течение почти 30 лет, с 1871 по 1899 год, и зрители почитали его как героя. Когда он умер в 1905 году, король Эдуард VII и Теодор Рузвельт присылайте свои соболезнования. Среди этих актеров-менеджеров Шекспир часто был самым популярным писателем, поскольку его пьесы предоставляли им прекрасные драматические возможности и признание. Сценическое зрелище в этих постановках часто было важнее пьесы, а тексты часто сокращались, чтобы максимально раскрыть главные роли. Однако они также внесли значительные реформы в театральный процесс. Например, Уильям Чарльз Макреди был первым, кто ввел надлежащие репетиции к процессу. Раньше ведущие актеры редко репетировали свои роли с остальной частью актерского состава: Эдмунд Кин Самым известным направлением его коллег-актеров является «Встань в тени меня и сделай все, что в твоих силах».^[10]

Мелодрамы, легкие комедии, оперы, Шекспир и классическая английская драма, пантомимы, переводы французских фарсов, а с 1860-х годов французские оперетты продолжали пользоваться популярностью вместе с Викторианский бурлеск. Самыми успешными драматургами были Джеймс Планше и Дион Бусико, чья склонность к новейшим научным открытиям, важным элементам его сюжетов, оказала значительное влияние на театральное производство. Его первый большой успех, Лондонское заверение (1841) - комедия в стиле Шеридана, но он писал в разных стилях, в том числе и в мелодраме. Т. В. Робертсон писал популярные отечественные комедии и ввел более натуралистический стиль игры и сценического искусства на британскую сцену в 1860-х годах.

В 1871 г. продюсер Джон Холлингсхед собрал либреттистов W.S. Гилберт и композитор Артур Салливан создать рождественское развлечение, невольно порождая один из великих дуэтов театральной истории. Так успешными были 14 комические оперы из Гилберт и Салливан, Такие как H.M.S. Сарафан (1878) и Микадо (1885), что они оказали огромное влияние на развитие музыкальный театр в 20 веке.^[13] Это, вместе со значительно улучшенным уличным освещением и транспортом в Лондоне и Нью-Йорке, привело к позднему викторианскому и эдвардианскому буму театрального строительства в Вест-Энде и на Бродвее. В конце века Эдвардианская музыкальная комедия стал доминировать на музыкальной сцене.^[14]

В 1890-х годах комедии Оскар Уальд и Джордж Бернард Шоу предлагали сложные социальные комментарии и были очень популярны.

Театр в США

в Соединенные Штаты, Филадельфия был доминирующим театральным центром до 1820-х годов. Там, Томас Виннелл учредил Каштановый уличный театр и собрал группу актеров и драматургов, в которую вошли Уильям Уоррен, Сюзанна Роусон, и Томас Абторп Купер, который впоследствии считался ведущим актером Северной Америки. В зачаточном состоянии после Американская революция многие американцы сетовали на отсутствие «местной драмы», хотя драматурги, такие как Роял Тайлер, Уильям Данлэп, Джеймс Нельсон Баркер, Джон Ховард Пейн, и Сэмюэл Вудворт заложил основы американской драмы отдельно от Британии. Частично причиной нехватки оригинальных пьес в этот период может быть то, что драматургам редко платили за их работу, и для менеджеров было намного дешевле адаптировать или переводить иностранные произведения. Традиция считала, что вознаграждение было в основном в виде бенефиса для сценариста в третий вечер выступления, но многие менеджеры обходили этот обычай, просто закрывая представление перед третьим выступлением.^[15]

Известный как «отец американской драмы», Данлэп вырос, наблюдая за пьесами британских офицеров, и был глубоко погружен в театральную культуру, живя в Лондоне сразу после революции. Как менеджер Джон Стрит Театр и Парк Театр в Нью-Йорк, он привез в свою страну пьесы и театральные ценности, которые он видел. Как и многие драматурги-менеджеры своего времени, Данлэп адаптировал или перевел на французский язык мелодраматические произведения немецких драматургов, но он также написал около 29 оригинальных произведений, в том числе Отец (1789), Андре (1798), и Итальянский отец (1799).^[16]

В 1820–1830 годах улучшение материальных условий американской жизни и растущий спрос на развлечения со стороны растущего среднего класса привели к строительству новых театров в Нью-Йорке, Филадельфия, Бостон и Вашингтон, включая Catham Garden, Федеральная улица , то Tremont, Сад Нибло и Бауэри. В начале этого периода Филадельфия продолжала оставаться главным театральным центром: спектакли часто начинались в Балтимор в сентябре или октябре перед переводом в более крупные театры Филадельфии до апреля или мая, после чего следует летний сезон в Вашингтоне или Александрия. Однако соперничество и более крупные экономические силы привели к череде банкротств пяти крупных театральных трупп всего за восемь месяцев с 1 октября 1828 года по 27 мая 1829 года. звездная система исполнители любят Клара Фишер Нью-Йорк стал доминирующим городом в американском театре.^[15]

Эдвин Форрест в роли Спартака в Гладиатор.

В 1830-х годах Романтизм процветал в Европе и Америке с такими писателями, как Роберт Монтгомери Берд выходит на первый план. Поскольку романтизм делал упор на вечные истины и националистические темы, он идеально соответствовал формирующейся национальной идентичности Соединенных Штатов. Птичий Гладиатор был хорошо принят, когда премьера состоялась в 1831 году и была исполнена на Друри-Лейн в Лондоне в 1836 году с Эдвин Форрест как Спартак, с Курьер заявив, что «Америка наконец подтвердила свою способность создавать драматургов высочайшего уровня». Борьба с восстанием рабов в Древний Рим, Гладиатор косвенно атакует институт Рабство в США «преобразовав Довоенный в неоклассических бунтовщиков ».^[17] До 1872 года Форрест продолжал играть более тысячи спектаклей по всему миру. После успеха их раннего сотрудничества Берд и Форрест вместе работали над последующими премьерами фильма. Ораллооса, сын инков и Брокер Боготы. Но успех Гладиатор привел к разногласиям по контракту, когда Бёрд утверждал, что Форрест, заработавший десятки тысяч долларов на пьесах Бёрд, должен ему больше двух тысяч долларов, которые ему заплатили.

Менестрель показывает появился как краткий бурлеск и комикс антракты в начале 1830-х гг. В следующее десятилетие они получили полноценное развитие. К 1848 году шоу менестрелей с черным лицом стали национальной формой искусства, переводя формальное искусство, такое как опера, на популярные для широкой аудитории термины. Каждое шоу состояло из юмористических сценок, эстрадных номеров, танцев и музыкальных представлений, в которых издевались над людьми африканского происхождения. Представления исполняли кавказцы в гриме или черное лицо с целью играть роль черные люди. Песни и этюды менестреля представлены несколькими стандартные персонажи, наиболее популярно раб и денди. В дальнейшем они были разделены на подархетипы, такие как мамочка, ее аналог старый темный провокационный мулат девка, и черный солдат. Менестрели утверждали, что их песни и танцы были достоверно черный, хотя степень черного влияния остается обсуждается.

Звездные актеры собрали чрезвычайно преданных поклонников, сопоставимых с современными знаменитостями или звездами спорта. В то же время зрители всегда относились к театру как к месту, где выражали свои чувства не только к актерам, но и к своим собратьям-театралам разных классов или политических убеждений, а также к театру. бунты были обычным явлением в Нью-Йорке.^[18] Примером силы этих звезд является Astor Place Riot в 1849 году, что было вызвано конфликтом между американской звездой Эдвином Форрестом и английским актером Уильям Чарльз Макреди. Бунт затронул иммигрантов и нативисты друг против друга, в результате чего не менее 25 человек погибли и более 120 получили ранения.

В эпоху, предшествовавшую гражданской войне, в Соединенных Штатах также разыгрывались многие виды политических драм. Когда Америка подтолкнула Запад в 1830-40-х годах театры начали ставить пьесы, романтизирующие и маскирующие Коренные американцы подобно Покахонтас, Вождь пауни, Де Сото и Метамора или последний из вампаноагов. Около пятидесяти из этих пьес были поставлены между 1825 и 1860 годами, в том числе бурлеск выступления "благородного дикаря" Джон Брум.^[19] Реагируя на текущие события, многие драматурги писали короткие комедии, в которых затрагивались основные проблемы дня. Например, Удаление депозитов был фарс, произведенный в 1835 году в Бауэри в ответ на Эндрю Джексон битва с банками и Виги и демократы, или Отсутствие политики был пьесой, которая имела дело с борьбой между двумя политическими партиями Америки.

В 1852 г. Гарриет Бичер-Стоу опубликовал роман против рабства Хижина дяди Тома и, без каких-либо строгих законов об авторском праве, его сразу же разыграли на сценах по всей стране. На Национальный театр в Нью-Йорке он имел огромный успех и до 1854 года давал более двухсот представлений до двенадцати раз в неделю. Джордж Эйкен представляла собой шестиактовую постановку, которая стояла сама по себе, без каких-либо других развлечений или афиш.^[20] Реакция Менестрелей на Хижина дяди Тома свидетельствует о плантация контент в то время. Том действует в значительной степени пришел на смену другим рассказам о плантациях, особенно в третьем акте. Эти зарисовки иногда подкрепляли роман Стоу, но так же часто переворачивали его с ног на голову или нападали на автора. Каким бы ни было предполагаемое сообщение, оно обычно терялось в радостной, фарсовой атмосфере произведения. Такие персонажи, как Саймон Легри, иногда исчезали, а название часто меняли на что-то более веселое, например, «Счастливый дядя Том» или «Хижина дяди-папы». Дядя том его часто изображали как безобидного мошенника, над которым надо было высмеивать. Труппы, известные как Томмеркомпании, специализирующиеся на таких бурлесках, и театральные Том показывает составные элементы спектакля менестреля и какое-то время соревновались с ним.

После гражданская война На американской сцене преобладали мелодрамы, шоу менестрелей, комедии, фарсы, цирки, водевили, бурлеки, оперы, оперетты, мюзиклы, музыкальные ревю, медицинские шоу, развлекательные аркады и шоу Дикого Запада. Многие американские драматурги и театральные деятели сетовали на «неудачу американского драматурга», в том числе Огюстен Дэйли, Эдвард Харриган, Дион Бусико, и Бронсон Ховард. Однако, когда города и городские районы выросли из-за иммиграции в конце девятнадцатого века, социальные потрясения и инновации в области технологий, связи и транспорта оказали глубокое влияние на американский театр.^[21]

В Бостоне, несмотря на остракизм Позолоченный век общества, ирландские американские исполнители стали добиваться успеха, в том числе Лоуренс Барретт, Джеймс О'Нил, Дэн Эммет, Тони Харт, Энни Йеманс, Джон Маккалоу, Джордж М. Коэн, и Лауретт Тейлор, и ирландские драматурги стали доминировать на сцене, в том числе Дэли, Харриган и Джеймс Херн.^[22]

Эксельсиор братьев Киралфи

В 1883 г. Братья Киралфи встретиться с Томас Эдисон в Менло-парке, чтобы посмотреть, можно ли включить электрическую лампочку в музыкальный балет под названием Эксельсиор что они должны были присутствовать на Сады Нибло в Нью-Йорке. Сам шоумен, Эдисон осознал потенциал этого предприятия по созданию спроса на свое изобретение, и вместе они разработали финал спектакля, который будет освещен более чем пятью сотнями лампочек, прикрепленных к костюмам танцоров и декорациям. Когда шоу открылось 21 августа, оно сразу же стало хитом и впоследствии будет показано в Буффало, Чикаго, Денвере и Сан-Франциско. Таким образом, электрическое освещение в театре родился и радикально изменил не только сценическое освещение, но и принципы сценического дизайна.^[22]

Позолоченный век был также золотым веком гастролей в американском театре: в то время как Нью-Йорк был Меккой амбициозных, талантливых и удачливых, по всей остальной стране сеть больших и малых театров поддерживала огромную индустрию театра и кино. известные звезды, малые труппы, шоу менестрелей, водевиллианцы и цирки. Например, в 1895 году театр Берта в Толедо, Огайо предлагал популярные мелодрамы по цене до тридцати центов за место и видел в среднем 45 000 человек в месяц на 488 спектаклях 64 различных спектаклей. В среднем с 1880 по 1910 год по стране проходило в среднем 250-300 спектаклей, многие из которых происходили в Нью-Йорке. Тем временем владельцы успешных театров начали расширять свой охват, как театральная империя Б.Ф. Кейт и Эдвард Ф. Олби которые охватили более семисот театров, в том числе дворец в Нью-Йорке.^[23] Это привело к созданию Театральный Синдикат в 1896 г.

Значение Нью-Йорка как театрального центра выросло в 1870-х годах. Юнион-сквер пока он не стал главным театральным центром, а Театральный квартал медленно двинулся на север от нижнего Манхэттена, пока наконец не прибыл в центр города в конце века.

На музыкальной сцене Харриган и Харт были обновлены комическими музыкальными пьесами 1870-х годов, но импорт из Лондона стал доминировать, начиная с Викторианский бурлеск, тогда Гилберт и Салливан с 1880 г., и наконец (в конкуренции с Джордж М. Коэн и мюзиклы Гершвиных) Эдвардианские музыкальные комедии на рубеже веков и в 1920-е гг.^[14]

Ансамбль Майнинген и Рихард Вагнер

В Германии драма пришла в упадок, из которой она не выходила до 1890-х годов. Крупнейшими драматургами того времени были Отто Людвиг и Густав Фрейтаг. Отсутствие новых драматургов остро ощущалось не так, потому что пьесы Шекспир, Лессинг, Гете и Шиллер занимали видное место в репертуаре. Самой важной театральной силой в Германии конца XIX века была сила Георг II, герцог Саксен-Майнинген и его Ансамбль Майнинген, под руководством Людвиг Хронегк. Спектакли ансамбля часто считаются наиболее исторически достоверными за период XIX века, хотя его основной целью было служить интересам драматурга.В постановках ансамбля использовались детализированные, исторически точные костюмы и мебель, что было беспрецедентным в Европе в то время. Ансамбль Майнинген стоит в начале нового движения к объединенному производству (или тому, что Рихард Вагнер назвал бы Gesamtkunstwerk ) и рост директор (за счет актера) как доминирующий артист театра.^[24]

В Ансамбль Майнинген путешествовал по Европе с 1874 по 1890 год и везде добивался беспрецедентного успеха. Зрители устали от обычных неглубоких развлекательных театров и начали требовать более творческой и интеллектуально стимулирующей формы выражения, которую ансамбль был в состоянии предоставить. Таким образом, ансамбль Майнинген можно рассматривать как предшественников движения художественных театров, появившегося в Европе в конце 1880-х годов.^[25]

Рихард Вагнер (1813–1883) отвергал современную тенденцию к реализму и утверждал, что драматург должен быть миф создатель, который изображает идеальный мир через выражение внутренних порывов и стремлений людей. Вагнер использовал Музыка побеждать личные прихоти исполнителей. В мелодия и темп музыки позволили ему иметь больший личный контроль над исполнением, чем в устной драме. Как и в случае с ансамблем Майнингера, Вагнер считал, что автор -композитор должен контролировать каждый аспект производства, чтобы объединить все элементы в "работа мастера."^[26] Вагнер также представил новый тип зрительный зал который отменил боковые ложи, ямы и галереи, которые были характерны для большинства европейских театров, и заменил их веерообразным зрительным залом на 1745 мест шириной 50 футов (15 м) в авансцена и 115 футов (35 м) сзади. Это позволяло каждому месту в зале иметь полный обзор сцены и означало, что не было «хороших» мест.

Рост реализма в России

В Россия, Александр Грибоедов, Александр Пушкин, и Николай Полевой были самыми выдающимися драматургами. Как и везде, в России царила мелодрама и музыкальный театр. Более реалистическая драма начали появляться с пьесами Николай Гоголь и игра Михаил Щепкин. Под пристальным контролем государства Русский театр значительно расширился. Принц Александр Шаховской открывал государственные театры и учебные заведения, пытался поднять уровень русского производства после поездки в Париж и ввел в действие правила управления труппами, действовавшие до 1917 года.^[27]

Реализм зародился ранее в 19 веке в Россия чем где бы то ни было в Европе, и принял более бескомпромиссную форму.^[28] Начиная с пьес Иван Тургенев (который использовал «домашние детали для выявления внутреннего смятения»), Александр Островский (который был первым в России профессиональным драматургом), Алексей Писемский (чей Горькая судьба (1859) ожидал Натурализм ), и Лев Толстой (чей Сила тьмы (1886) - «одна из самых эффективных натуралистических пьес»), традиция психологического реализма в России, кульминацией которой стало создание МХАТ к Константин Станиславский и Владимир Немирович-Данченко.^[29]

Островскому часто приписывают создание специфически русской драмы. Его пьесы Достаточно глупости на всякого мудреца (1868) и Шторм (1859) опирался на жизнь, которую он знал лучше всего, - на жизнь среднего класса. Среди других выдающихся русских драматургов XIX века: Александр Сухово-Кобылин и Михаил Салтыков-Щедрин.

Натурализм и реализм

Хенрик Ибсен, «отец» современной драмы.

Натурализм, театральное движение, рожденное Чарльз Дарвин с Происхождение видов (1859 г.) и современные политические и экономические условия, нашла своего главного сторонника в Эмиль Золя. В его эссе «Натурализм в театре» (1881) утверждалось, что поэзия повсюду, а не в прошлом или абстракции: «В маленькой квартирке дома поэзии больше. буржуазный чем во всех пустых, изъеденных червями дворцах истории ».

Реализации идей Золя препятствовало отсутствие способных драматургов, пишущих драму-натуралист. Андре Антуан возник в 1880-х годах с его Театр Либре это было открыто только для членов и, следовательно, не подвергалось цензуре. Он быстро завоевал одобрение Золя и начал ставить натуралистические произведения и другие зарубежные реалистические произведения. Антуан был уникален в своем дизайне декораций, поскольку он создавал декорации с "четвертая стена «нетронутые, только решая, какую стену удалить позже. Антуан впервые услышал самых важных французских драматургов этого периода, в том числе Жоржа Порто-Риша, Франсуа де Курель, и Эжен Бриё.^[30]

Работа Генри Артур Джонс и Артур Винг Пинеро положил начало новому направлению на английской сцене. Хотя их работа проложила путь, развитие более значимой драмы больше всего обязано драматургу. Хенрик Ибсен.

Ибсен родился в Норвегии в 1828 году. Он написал 25 пьес, самые известные из которых Кукольный Дом (1879), Призраки (1881), Дикая утка (1884), и Хедда Габлер (1890). Кукольный Дом и Призраки шокированные консерваторы: отъезд Норы в Кукольный Дом рассматривалось как нападение на семью и дом, в то время как намек на венерические заболевания и сексуальные проступки в Призраки считались глубоко оскорбительными по отношению к стандартам общественной приличия. Ибсен усовершенствовал продуманную игровую формулу Скрайба, чтобы сделать ее более подходящей для реалистичного стиля. Он послужил образцом для писателей реалистической школы. Кроме того, его работы Росмерсхольм (1886) и Когда мы мертвые пробуждаемся (1899) вызывают ощущение таинственных сил, действующих в человеческой судьбе, что должно было стать главной темой символизм и так называемый "Театр абсурда ".

После Ибсена британский театр пережил оживление благодаря творчеству Джордж Бернард Шоу, Оскар Уальд, и (фактически с 1900 г.) Джон Голсуорси. В отличие от большинства мрачных и чрезвычайно серьезных работ своих современников, Шоу и Уайльд писали преимущественно в комическая форма.

Технологические изменения

Сценическое освещение

Театр восемнадцатого века освещался свечами и масляными лампами, которые в основном предназначались для освещения, чтобы публика могла видеть представление, без всякой цели. Это изменилось в начале 19 века с введением газовое освещение который постепенно был принят крупными театрами на протяжении 1810-1820-х годов для освещения дома и сцены. Введение газового освещения произвело революцию в сценическом освещении. Это обеспечивало несколько более естественный и адекватный свет для игры и живописного пространства за сценой арки авансцены. Хотя не было возможности управлять газовым освещением, вскоре это тоже изменилось. В Великобритании театры в Лондоне развивались. внимание для сцены в конце 1830-х гг. В Париже электрическая угольная дуговая лампа впервые вошел в употребление в 1840-х годах. Оба эти типа освещения могли управляться вручную и фокусироваться с помощью прикрепленной линзы, что давало театру впервые возможность фокусировать свет на конкретных исполнителей.^[31]

Начиная с 1880-х годов, театры начали постепенно электрифицировать. Савойский театр становится первым театром в мире, который в 1881 году представил полностью электрифицированную систему театрального освещения. Ричард Д'Ойли Карт, который построил Savoy, объяснил, почему он ввел электрический свет: «Самыми большими недостатками в получении удовольствия от театральных представлений, несомненно, являются зловонный воздух и жар, которыми пронизаны все театры. Как всем известно, каждая газовая горелка потребляет столько же кислород, как и многие люди, и вызывает сильный жар у окружающих. Лампы накаливания не потребляют кислород и не вызывают ощутимого тепла ».^[32] Примечательно, что появление электрического света совпало с ростом реализма: новые формы освещения поощряли более реалистичные сценические детали и более тонкий, более реалистичный стиль игры.^[33]

Живописный дизайн

Одним из самых важных сценических переходов в век стал переход от часто используемых двухмерных сценических декораций к трехмерным декорациям. Раньше как двухмерная среда декорации не обеспечивали объемлющую физическую среду для драматических действий, происходящих на сцене. Ситуация изменилась, когда в первой половине века были представлены трехмерные наборы. Это, в сочетании с изменением аудитории и динамики сцены, а также развитием театральной архитектуры, которая позволила скрыть изменения сцены, театр стал более репрезентативным, а не презентационным, и пригласил публику перенестись в задуманный «другой» мир. В начале 19 века появилась и новаторская движущаяся панорама: декорации, нарисованные на длинной ткани, которую можно было развернуть по сцене, вращая катушки, создавали иллюзию движения и смены месторасположения.^[34]

Смотрите также

• История театра
• Театральные декорации XIX века
• Театр ХХ века

Рекомендации

Источники