Рококо - Википедия - Rococo

Для использования в других целях см. Рококо (значения).

Рококо
Ca 'rezzonico, salone da bal, quadrature di pietro visconti e affreschi di g.b. Crossato (caduta di febo e 4 continenti), 1753, 02.jpg
Чарльз Крессент, Комод, c. 1730 в поместье Ваддесдон.jpg
Kaisersaal Würzburg.jpg
Бальный потолок Ca Rezzonico в Венеции с иллюзионистскими квадратура живопись Джованни Баттиста Кросато (1753); Комод by Чарльз Крессент (1730); Кайзерсал из Вюрцбургская резиденция к Бальтазар Нойман (1749–51)
Активные годы1730–1760 годы
СтранаФранция, Италия, Центральная Европа

Рококо (/рəˈkoʊkoʊ/, также нас: /ˌрoʊkəˈkoʊ/), реже Роккоко или же Позднее барокко, представляет собой исключительно орнаментальный и театральный стиль архитектуры, искусства и декора, сочетающий в себе асимметрию, кривые прокрутки, позолоту, белые и пастельные тона, скульптурную лепку и trompe-l'œil фрески для создания неожиданности и иллюзии движения и драматизма. Его часто называют окончательным выражением Барокко движение.[1]

Стиль рококо зародился во Франции в 1730-х годах как реакция на более формальные и геометрические формы. Стиль Людовика XIV. Он был известен как стиль рокайль, или же рокайль стиль.[2] Вскоре он распространился на другие части Европы, особенно в северную Италию, Австрию, юг Германии, Центральную Европу и Россию.[3] Это также оказало влияние на другие виды искусства, особенно на скульптуру, мебель, столовое серебро и изделия из стекла, живопись, музыку и театр.[4] Хотя изначально светский стиль использовался в основном для интерьеров частных резиденций, рококо имел духовный аспект, который привел к его широкому использованию в церковных интерьерах, особенно в Центральной Европе, Португалии и Южной Америке.[5]

Происхождение термина

Интегрированная резьба в стиле рококо, лепнина и фреска в Цвифальтенское аббатство (1739–45)

Слово рококо впервые был использован как юмористический вариант слова рокайль.[6][7] Рокайль изначально был методом украшения с использованием гальки, ракушек и цемента, который часто использовался для украшения гротов и фонтанов со времен Возрождения.[8][9] В конце 17 - начале 18 века рокайль стал термином для обозначения своего рода декоративного мотива или орнамента, который появился в конце 17 века. Стиль Людовика XIV, в виде ракушки, переплетенной акант листья. В 1736 году дизайнер и ювелир Жан Мондон опубликовал Премьер-министр Ливр де Форм Рокквай и картель, коллекция дизайнов для украшения мебели и предметов интерьера. Это было первое появление в печати термина «рокайль» для обозначения стиля.[10] Мотив резных или лепных ракушек сочетался с пальмовыми листьями или вьющимися виноградными лозами для украшения дверных проемов, мебели, стеновых панелей и других архитектурных элементов.[11]

Термин рококо впервые был использован в печати в 1825 году для описания декора, который был «неуместным и старомодным». Его использовали в 1828 году для украшения, «принадлежавшего стилю 18 века, перегруженному извилистыми орнаментами». В 1829 г. автор Стендаль описал рококо как «стиль рокай 18 века».[12]

Столица Энгельсцелльское аббатство, из Австрия (1754-1764)

В 19 веке этот термин использовался для описания архитектуры или музыки, которые были чрезмерно декоративными.[13][14] С середины 19 века термин был принят искусствоведы. Хотя до сих пор ведутся споры об историческом значении стиля, рококо в настоящее время часто рассматривается как отдельный период в развитии стиля. Европейское искусство.

Характеристики

Рококо отличается пышным декором с множеством изгибов, контр-изгибов, волнистостей и элементов, созданных по образцу природы. Экстерьеры построек в стиле рококо часто просты, а в интерьерах полностью доминирует их орнамент. Стиль был в высшей степени театральным, призванным произвести впечатление и вызвать трепет с первого взгляда. Планы этажей церквей часто были сложными, с пересекающимися овалами; Во дворцах парадные лестницы становились центральными элементами и предлагали различные точки зрения на убранство.[15] Основными украшениями рококо являются: асимметричные ракушки, акант и другие листья, птицы, букеты цветов, фрукты, музыкальные инструменты, ангелы и Дальневосточные элементы (пагоды, драконы, обезьяны, причудливые цветы и китайцы).[16]

Стиль часто объединял живопись, лепную лепнину и резьбу по дереву, а также квадратура, или иллюзионистские потолочные картины, которые были разработаны, чтобы создать впечатление, что входящие в комнату смотрят на небо, где на них смотрят херувимы и другие фигуры. Использованные материалы включали лепнину, окрашенную или оставленную белой; сочетания древесины разного цвета (обычно дуб, бук или орех); лакированное дерево в японском стиле, орнамент из позолоченной бронзы и мраморные столешницы комодов или столов.[17] Цель заключалась в том, чтобы с первого взгляда произвести впечатление удивления, трепета и удивления.[18]

Различия между барокко и рококо

Ниже приведены характеристики, которыми обладает рококо, и Барокко не:

  • Частичный отказ от симметрии, все состоит из изящных линий и кривых, похожих на Искусство модерн
  • Огромное количество асимметричных изгибов и С-образных завитки
  • Очень широкое использование цветов в орнаменте, например, фестивали из цветов
  • Китайские и японские мотивы (см. Также: шинуазри и японизм )
  • Теплые пастельные тона[19] (беловато-желтый, кремовый, жемчужно-серый, очень светлый синий)[20]

Франция

Смотрите также: Рокайль и Луи Куинз

В Рокайль стиль, или французское рококо, появился в Париже во времена правления Людовик XV, и процветал между 1723 и 1759 годами.[21] Этот стиль использовался, в частности, в салонах, новый стиль комнаты, призванный произвести впечатление и развлечь гостей. Самым ярким примером был салон принцессы в г. Отель де Субиз в Париже, дизайн Жермен Боффран и Шарль-Жозеф Натуар (1735–40). Характерные черты французского рококо заключались в исключительном мастерстве, особенно в сложных рамах для зеркал и картин, которые были вылеплены из гипса и часто позолочены; и использование растительных форм (лианы, листья, цветы), переплетенных в сложные конструкции.[22] Мебель также отличалась извилистыми изгибами и растительным орнаментом. В состав этого стиля вошли ведущие дизайнеры и мастера мебели. Juste-Aurele Meissonier, Чарльз Крессент, и Николя Пино.[23][24]

Стиль рокай просуществовал во Франции до середины 18 века, и, хотя он стал более изогнутым и растительным, он так и не достиг экстравагантного пышности рококо в Баварии, Австрии и Италии. Открытия римских древностей начиная с 1738 г. Геркуланум и особенно в Помпеи в 1748 году повернул французскую архитектуру в сторону более симметричной и менее яркой. неоклассицизм.

Италия

Художники Италии, особенно Венеция, также породил яркий стиль рококо. Венецианские комоды имитировали изогнутые линии и резной орнамент французской рокайли, но с особой венецианской вариацией; части были написаны, часто с пейзажами, цветами или сценами из Гварди или других художников, или Шинуазри на синем или зеленом фоне, совпадающем с цветами Венецианская школа художников, чьи работы украшали салоны. Включены известные декоративные художники Джованни Баттиста Тьеполо, который расписывал потолки и фрески церквей и палаццо, и Джованни Баттиста Кросато кто красил потолок бального зала Ca Rezzonico в квадратуро манера, дающая иллюзию трех измерений. Тьепело путешествовал в Германию со своим сыном в 1752–1754 годах, украшая потолки Вюрцбургская резиденция, одна из главных достопримечательностей баварского рококо. Известный ранее венецианский художник был Джованни Баттиста Пьяцетта, расписавший несколько примечательных церковных потолков. [25]

Венецианский рококо также отличался исключительной стеклянной посудой, особенно Муранское стекло, часто гравированный и цветной, который экспортировался по Европе. Работы включали разноцветные люстры и зеркала в чрезвычайно богато украшенных рамах. [25]

Южная Германия

В церковном строительстве, особенно в южно-германско-австрийском регионе, гигантские пространственные творения иногда создаются исключительно по практическим причинам, которые, однако, не кажутся монументальными, а характеризуются уникальным сочетанием архитектуры, живописи, лепнины и т. Д. часто полностью стирая границы между художественными жанрами, и характеризуются светлой невесомостью, праздничной жизнерадостностью и движением. Декоративный стиль рококо достиг своего пика в южной Германии и Австрии с 1730-х до 1770-х годов. Там он по сей день доминирует в церковном ландшафте и глубоко укоренился в популярной культуре. Впервые он был представлен из Франции через публикации и работы французских архитекторов и декораторов, в том числе скульптора. Клод III Одран, дизайнер интерьера Жиль-Мари Оппенорд, архитектор Жермен Боффран, скульптор Жан Мондон, рисовальщик и гравер Пьер Лепотр. Их работы оказали важное влияние на немецкий стиль рококо, но не достигают уровня зданий в южной Германии.[26]

Немецкие архитекторы адаптировали стиль рококо, но сделали его гораздо более асимметричным и наполненным более богатым декором, чем французский оригинал. Немецкий стиль характеризовался взрывом форм, которые ниспадали по стенам. Он отличался лепниной, образованной кривыми и встречно-кривыми, узорами изгиба и поворота, потолками и стенами без прямых углов, а также лепниной, которая, казалось, ползла вверх по стенам и по потолку. Украшения часто позолочены или посеребрены, чтобы контрастировать с белыми или бледно-пастельными стенами.[27]

Архитектор и дизайнер бельгийского происхождения Франсуа де Кувильес одним из первых в Германии создал здание в стиле рококо с павильоном Амалиенбург в Мюнхене (1734-1739), вдохновленный павильонами Трианон и Марли во Франции. Он был построен как охотничий домик с площадкой на крыше для отстрела фазанов. Зеркальный зал в интерьере художника и лепного скульптора. Иоганн Баптист Циммерманн, был гораздо буйнее любого французского рококо.[28]

Еще один яркий пример раннего немецкого рококо - это Вюрцбургская резиденция (1737–1744) построен для принца-епископа Вюрцбургского Бальтазар Нойман. Нойман ездил в Париж и консультировался с французскими художниками-декораторами рокайля. Жермен Боффран и Роберт де Котт. В то время как внешний вид был выполнен в более сдержанном стиле барокко, интерьер, особенно лестницы и потолки, был намного светлее и декоративнее. Принц-епископ импортировал итальянского художника в стиле рококо. Джованни Баттиста Тьеполо в 1750–53 для создания росписи на вершине трехуровневой парадной лестницы.[29][30] Нойман описал интерьер резиденции как «театр света». Лестница была также центральным элементом резиденции Ноймана, построенной в Дворец Августусбург в Брюле (1743–1748). В этом здании лестница вела посетителей вверх через гипсовую фантазию картин, скульптур, изделий из металла и декора, с удивительными видами на каждом шагу.[29]

В 1740-х и 1750-х годах было построено несколько известных паломнических церквей в Бавария, с интерьерами, оформленными в самобытном варианте стиля рококо. Одним из наиболее ярких примеров является Wieskirche (1745–1754) разработан Доминикус Циммерманн. Как и большинство баварских паломнических церквей, внешний вид очень простой, с пастельными стенами и небольшим орнаментом. Войдя в церковь, посетитель встречает удивительный театр движения и света. В нем есть святилище овальной формы и деамбулатория той же формы, наполняющая церковь светом со всех сторон. Белые стены контрастировали с колоннами из голубой и розовой лепнины в хоре, а куполообразный потолок, окруженный гипсовыми ангелами под куполом, представляющим небеса, заполненные красочными библейскими фигурами. Другие известные паломнические церкви включают Базилика четырнадцати святых помощников к Бальтазар Нойман (1743–1772).[31][32]

Иоганн Майкл Фишер был архитектором Аббатство Оттобойрен (1748–1766), еще одна достопримечательность баварского рококо. Церковь отличается, как и большая часть архитектуры рококо в Германии, замечательным контрастом между регулярностью фасада и изобилием декора в интерьере.[29]

Британия

В Великобритании рококо называлось «французским вкусом» и оказывало меньшее влияние на дизайн и декоративное искусство, чем в континентальной Европе, хотя его влияние ощущалось в таких областях, как изделия из серебра, фарфора и шелка. Уильям Хогарт помогли разработать теоретические основы красоты в стиле рококо. Не упоминая рококо по имени, он утверждал в своем Анализ красоты (1753), что волнистые линии и S-образные изгибы, заметные в рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в Классицизм ).[33]

Рококо не спешил прибывать в Англию. Перед тем, как войти в рококо, британская мебель какое-то время следовала неоклассический Палладиан модель под дизайнером Уильям Кент, созданный для лорда Берлингтона и других важных меценатов. Кент путешествовал по Италии с лордом Берлингтоном между 1712 и 1720 годами и привез много моделей и идей из Палладио. Он разработал мебель для Дворец Хэмптон-Корт (1732), лорд Берлингтон Chiswick House (1729), Лондон, Thomas Coke's Холкхэм Холл, Норфолк, куча Роберта Уолпола в Houghton, за Девонширский дом в Лондоне и в Рушэме.[34]

Красное дерево появился в Англии примерно в 1720 году и сразу стал популярным в производстве мебели, наряду с грецкий орех дерево. Рококо начали появляться в Англии между 1740 и 1750 годами. Томас Чиппендейл был наиболее близок к стилю рококо. В 1754 году он опубликовал «Каталог джентльменов и краснодеревщиков», каталог рисунков для рококо, шинуазри и даже готическая мебель, завоевавшая широкую популярность, выдержав три выпуска. В отличие от французских дизайнеров, Чиппендейл не использовал в своей мебели маркетри или инкрустацию. Преобладающими дизайнерами инкрустированной мебели были Вайл и Коб, краснодеревщики короля Георга III. Другой важной фигурой в британской мебели был Томас Джонсон, который в 1761 году, в самом конце того периода, опубликовал каталог дизайнов мебели в стиле рококо. Сюда входит мебель, основанная на довольно фантастических китайских и индийских мотивах, в том числе кровать с балдахином, увенчанная китайской пагодой (сейчас находится в Музее Виктории и Альберта).[25]

Среди других заметных фигур британского рококо - ювелир Чарльз Фридрих Кандлер.

  • Дизайн государственной кровати от Томас Чиппендейл (1753–54)

  • Предложен китайский диван от Томас Чиппендейл (1753–54)

  • Дизайн комода и подставок для светильников Томаса Чиппендейла (1753–54).

  • Боковой стул; Томас Чиппендейл; около 1755–1760 гг .; красное дерево; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Дизайн для подсвечников в коллекции «Китайский Вкус». Томас Джонсон (1756)

  • Стул Чиппендейла (1772 г.), Метрополитен-музей

  • Жаровня серебряного мастера Чарльза Фридриха Кандера (1735 г.), Музей Метрополитен

Россия

Российская Императрица Екатерина Великая был еще одним поклонником рококо; Золотой кабинет Китайского дворца в дворцовом комплексе г. Ораниенбаум под Санкт-Петербургом по проекту итальянского Антонио Ринальди, это образец русского рококо.

Упадок и конец

Смотрите также: Неоклассицизм и Стиль ампир
Сравнение 18 века травление, к Жак де Лажуэ, рококо чашечка кратера; и 1 век Римский чашечка кратера, которая имеет точно такую ​​же форму, как и Неоклассический каменная садовая ваза

Искусство Буше и другие художники того периода, делавшие упор на декоративную мифологию и галантность, вскоре вызвали реакцию и спрос на более «благородные» темы. В то время как рококо продолжалось в Германии и Австрии, Французская академия в Риме начала преподавать классический стиль. Это подтвердилось выдвижением Де Трой директором Академии в 1738 г., а затем в 1751 г. Шарль-Жозеф Натуар.

Мадам де Помпадур, хозяйка Людовика XV способствовала упадку стиля рококо. В 1750 году она послала своего брата, Абель-Франсуа Пуассон де Вандиер с двухлетней миссией по изучению художественных и археологических открытий в Италии. Его сопровождали несколько художников, в том числе гравер. Шарль-Николас Кочин и архитектор Суфло. Они вернулись в Париж со страстью к классическому искусству. Вандиер стал маркизом Мариньи и был назначен генеральным директором Королевских зданий. Он обратил официальную французскую архитектуру в сторону неоклассицизма. Кочин стал важным искусствоведом; он осудил маленький стиль Буше и призвал к созданию грандиозного стиля с новым акцентом на древность и благородство в академиях живописи и архитектуры.[35]

Начало конца рококо пришло в начале 1760-х гг. Вольтер и Жак-Франсуа Блондель стали высказывать свою критику поверхностности и вырождения искусства. Блондель осуждает «смехотворное нагромождение ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах.[36]

К 1785 году рококо во Франции вышло из моды, его сменили порядок и серьезность художников неоклассицизма, таких как Жак-Луи Давид. В Германии рококо конца 18 века высмеивали как Zopf und Perücke («косичка и парик»), и эту фазу иногда называют Зопфстиль. Рококо оставалось популярным в некоторых провинциях Германии и в Италии до второй фазы неоклассицизма ».Стиль ампир ", прибыла с наполеоновскими правительствами и смела рококо.

Мебель и отделка

Орнаментальный стиль называется рокайль возник во Франции между 1710 и 1750 годами, в основном во время регентства и правления Людовик XV; стиль также назывался Луи Куинз. Его основными характеристиками были живописные детали, кривые и встречные кривые, асимметрия и театральное изобилие. На стенах новых парижских салонов витиеватые узоры, обычно сделанные из позолоченной или окрашенной лепнины, обвивали дверные проемы и зеркала, как виноградные лозы. Одним из первых примеров был Hôtel Soubise в Париже (1704–05) с его знаменитым овальным салоном, украшенным картинами Буше, и Шарль-Жозеф Натуар.[37]

Самый известный французский дизайнер мебели того периода был Juste-Aurèle Meissonnier (1695–1750), который также был скульптором, живописцем. и ювелир для королевского дома. Он был официальным дизайнером Палаты и Кабинета Людовика XV. Его работы хорошо известны сегодня из-за огромного количества гравюр, сделанных на его работах, которые популяризировали стиль во всей Европе. Он оформлял работы для королевских семей Польши и Португалии.

Италия была еще одним местом, где процветало рококо как на ранней, так и на поздней стадии. Ремесленники в Риме, Милане и Венеции производили богато украшенную мебель и предметы декора.

  • Candlelabra - пользователем Juste-Aurèle Meissonnier (1735–40)

  • Колесница Аполлона дизайн потолка графа Белинского Meissonier, Варшава, Польша (1734)

  • Канапе, разработанный Мейссонье для графа Белинского, Варшава, Польша (1735 г.)

  • Консольный столик, Рим, Италия (около 1710 г.)

Скульптурный декор включал флеретки, пальметты, морские ракушки и листву, вырезанные из дерева. Самые экстравагантные формы рокай были найдены в консолях, столах, предназначенных для того, чтобы стоять у стен. Комоды, или сундуки, впервые появившиеся при Людовике XIV, были богато украшены орнаментом рокайль из позолоченной бронзы. Их изготавливали мастера, в том числе Жан-Пьер Латц а также маркетри из разноцветного дерева, иногда помещенного в шахматный кубик, выполненный из светлого и темного дерева. В этот период также пришли Шинуазри, часто в виде лакированных и позолоченных комодов, называемых Сокол де Шин из Вернис Мартин, в честь эбениста, который ввел эту технику во Францию. Ормолу, или позолоченная бронза, использовалась мастерами, в том числе Жан-Пьер Латц. Латц сделал особенно изысканные часы, вмонтированные в картоньерку, для Фридрих Великий для своего дворца в Потсдам. Кусочки импортный китайский фарфор часто устанавливались в Ормолу (позолоченная бронза) декорации в стиле рококо для демонстрации на столах или консолях в салонах. Другие мастера имитировали Японское искусство лакированной мебели, производила комоды с японскими мотивами.[18]

Британский Рококо было более сдержанным. Мебель Томаса Чиппендейла сохранила изгибы и ощущения, но не достигла французской высоты прихоти. Вероятно, самым успешным представителем британского рококо был Томас Джонсон, талантливый резчик и дизайнер мебели, работавший в Лондоне в середине 18 века.

Картина

Элементы Рокайль стиль проявился в творчестве некоторых французских живописцев, в том числе вкус к живописному в деталях; кривые и встречные кривые; и диссимметрия, которая заменила движение барокко изобилием, хотя французские рокайль никогда не доходил до экстравагантности германского рококо.[38] Ведущим сторонником был Антуан Ватто, особенно в Паломничество на остров Кифера (1717), Лувр, в жанре под названием Fête Galante изображающие сцены молодых дворян, собравшихся на празднование в пасторальной обстановке. Ватто умер в 1721 году в возрасте тридцати семи лет, но его работа продолжала оказывать влияние на весь оставшийся век. В Паломничество в Кифру картина была куплена Фридрих Великий Пруссии в 1752 или 1765 году, чтобы украсить его дворец Шарлоттенберг в Берлине.[38]

Преемник Ватто и Фете Галанте в декоративной росписи был Франсуа Буше (1703–1770), любимый художник Мадам де Помпадур. Его работы включали чувственные Туалетная вода Венеры (1746 г.), ставший одним из самых известных примеров стиля. Буше участвовал во всех жанрах того времени, создавая гобелены, модели для фарфоровой скульптуры, декорации для Парижской оперы и комическая опера, и декор для Ярмарки Сен-Лорана. [39] Другие важные художники Fête Galante стиль включен Николя Ланкре и Жан-Батист Патер. На стиль особенно повлиял Франсуа Лемойн, который расписал роскошное убранство потолка Салона Геркулеса в Версальский Дворец, завершена в 1735 году.[38] Картины Буше на фешенебельные и мифологические темы, Пьер-Шарль Тремольер и Шарль-Жозеф Натуар украсил знаменитый салон Hôtel Soubise в Париже (1735–40).[39] Другие художники рококо включают: Жан-Франсуа де Трой (1679–1752), Жан-Батист ван Лоо (1685–1745), два его сына Луи-Мишель ван Лоо (1707–1771) и Шарль-Амеде-Филипп ван Лоо (1719–1795), его младший брат Шарль-Андре ван Лоо (1705–1765), и Николя Ланкре (1690–1743).

В Австрии и Южной Германии итальянская живопись оказала наибольшее влияние на стиль рококо. Венецианский художник Джованни Баттиста Тьеполо, которому помогает его сын, Джованни Доменико Тьеполо, был приглашен написать фрески для Вюрцбургская резиденция (1720–1744). Самый выдающийся художник баварских церквей в стиле рококо был Иоганн Баптист Циммерманн, покрасивший потолок Wieskirche (1745–1754).

Скульптура

Скульптура в стиле рококо была театральной, красочной и динамичной, создавая ощущение движения во всех направлениях. Чаще всего это было в интерьерах церквей, обычно тесно связанных с живописью и архитектурой. Религиозная скульптура следовала стилю итальянского барокко, примером чего является театральный алтарь Карлскирхе в Вене.

Раннее рококо или Рокайль Скульптура во Франции скульптура была легче и предлагала больше движения, чем классический стиль Людовика XIV. Его, в частности, поощряли Мадам де Помпадур, хозяйка Людовика XV, которая заказала множество работ для своих замков и садов. Скульптор Эдме Бушардон представлен Амур занят вырезанием дротиков любви из клуба Геркулес. Фигуры в стиле рококо также заполнили более поздние фонтаны Версаля, такие как Фонтан Нептуна. Ламберт-Сигисберт Адам и Николя-Себастьян Адам (1740). Основываясь на их успехе в Версале, они были приглашены в Пруссию Фридрих Великий создать скульптуру фонтана для Сан-Суси Дворец, Пруссия (1740-е гг.).[40]

Этьен-Морис Фальконе (1716–1791) был еще одним ведущим французским скульптором того периода. Фальконе был наиболее известен своей статуей Петр Великий верхом на лошади в Санкт-Петербурге, но он также создал серию небольших работ для богатых коллекционеров, которые можно было воспроизвести серией в терракота или отлит из бронзы. Французские скульпторы, Жан-Луи Лемойн, Жан-Батист Лемойн, Луи-Симон Буазо, Мишель Клодион, Ламберт-Сигисберт Адам и Жан-Батист Пигаль все произведенные скульптуры серийно для коллекционеров.[41]

В Италии, Антонио Коррадини входил в число ведущих скульпторов стиля рококо. Венецианец, он путешествовал по Европе, работая на Петр Великий в Санкт-Петербурге, для императорских дворов Австрии и Неаполя. Он предпочитал сентиментальные темы и создал несколько искусных работ женщин с лицами, покрытыми вуалью, одна из которых сейчас находится в Лувр.[42]

Наиболее сложные образцы скульптуры в стиле рококо были найдены в Испании, Австрии и на юге Германии в декоре дворцов и церквей. Скульптура была тесно интегрирована с архитектурой; невозможно было знать, где одна остановилась, а другая началась. в Бельведер Палас в Вене (1721-1722) сводчатый потолок Зала атлантов держится на плечах мускулистых фигур, спроектированных Иоганн Лукас фон Хильдебрандт. Портал Дворец маркиза Дос-Агуаса в Валенсии (1715-1776) был полностью пропитан скульптурой, вырезанной из мрамора, по эскизам Иполито Ровира Брокандел.[43]

В El Transparente алтарь, в главной часовне Толедский собор это возвышающаяся скульптура из полихромного мрамора и позолоченной лепнины в сочетании с картинами, статуями и символами. Это было сделано Нарцисо Томе (1721–32). Его конструкция позволяет свету проходить сквозь него, и при изменении света он кажется движущимся.[44]

Фарфор

Появилась новая форма мелкой скульптуры - фарфор Фигура, или небольшая группа фигур, первоначально заменявшая сахарные скульптуры на больших обеденных столах, но вскоре стала популярной для размещения на каминных полках и мебели. Число европейских фабрик неуклонно росло на протяжении столетия, и некоторые из них производили фарфор, который мог себе позволить растущий средний класс. Количество красочных надглазурное украшение б / у на них тоже увеличилось. Обычно их лепили художники, обученные скульптуре. Общие предметы включали фигуры из комедия дель арте, городские уличные торговцы, влюбленные и фигурки в модной одежде, пары птиц.

Иоганн Иоахим Кендлер был самым важным модельером Мейсенского фарфора, самая ранняя европейская фабрика, которая оставалась самой важной примерно до 1760 года. Немецкий скульптор швейцарского происхождения Франц Антон Бустелли произвел большое разнообразие красочных фигурок для Нимфенбургский фарфоровый завод в Баварии, которые продавались по всей Европе. Французский скульптор Этьен-Морис Фальконе (1716–1791) последовали этому примеру. Параллельно с масштабными работами он стал директором Севрский фарфор мануфактура и производила небольшие произведения, обычно о любви и веселье, для серийного производства.

Музыка

Период рококо существовал в история музыки, хотя он не так известен, как ранние барочные и поздние классические формы. Сам музыкальный стиль рококо развился из музыки барокко во Франции, где новый стиль получил название стиль галант («галантный» или «элегантный» стиль) и в Германии, где его называли empfindsamer Stil («чуткий стиль»). Его можно охарактеризовать как легкую, интимную музыку с чрезвычайно сложными и изысканными формами украшения. Примеры включают Жан Филипп Рамо, Луи-Клод Дакен и Франсуа Куперен во Франции; в Германии основными сторонниками этого стиля были К. П. Э. Бах и Иоганн Кристиан Бах, два сына J.S. Бах.

Во второй половине 18 века возникла реакция против стиля рококо, в первую очередь против его предполагаемого чрезмерного использования орнамента и декора. Во главе с Кристоф Уиллибальд Глюк, эта реакция открыла Классическая эпоха. К началу 19 века католическое мнение отвернулось от того, чтобы этот стиль соответствовал церковным контекстам, потому что он «никоим образом не способствовал проявлению религиозных чувств».[45]

Русский композитор эпохи романтизма Петр Ильич Чайковский написал Вариации на тему рококо, Соч. 33, для виолончели с оркестром в 1877 году. Хотя тема не в стиле рококо, она написана в стиле рококо.

Мода

Платье с вырезом на спине и нижняя юбка, 1775-1780 гг., Музей Виктории и Альберта, No. Т.180 и А-1965

В основе моды рококо - экстравагантность, элегантность, изысканность и декоративность. Женская мода семнадцатого века контрастировала с модой восемнадцатого века, богатой и утонченной, истинным стилем рококо.[46] Эта мода распространилась за пределы королевского двора в салоны и кафе восходящей буржуазии.[47] Яркий, игривый, элегантный стиль оформления и дизайна, который мы теперь называем рококо, был тогда известен как le style rocaille, le style moderne, le gout.[48]

Стиль, появившийся в начале восемнадцатого века, был халат воланте,[46] струящееся платье, ставшее популярным к концу правления короля Людовика XIV. Это платье имело черты лифа с крупными складками, спускавшимися по спине до земли над округлой юбкой. Цветовая палитра была насыщенной, темные ткани сопровождались сложными, тяжелыми элементами дизайна. После смерти Людовика XIV стили одежды начали меняться. Мода перешла в более легкий и легкомысленный стиль, переходя от периода барокко к известному стилю рококо.[49] Поздний период был известен своими пастельными тонами, более открытыми платьями и множеством оборок, оборок, бантов и кружев в качестве отделки. Вскоре после появления типичного женского платья в стиле рококо, халат по-французски,[46] платье с обтягивающим лифом, с глубоким вырезом, обычно с большими бантами из лент по центру спереди, широкими корзинами, и было щедро отделано большим количеством кружева, лент и цветов.

В Складки Watteau[46] также стал более популярным, названный в честь художника Жана-Антуана Ватто, который с огромной точностью рисовал детали платьев вплоть до швов кружева и другой отделки. Позже 'корзина' и 'мантуя'вошли в моду примерно в 1718 году, они были широкими обручами под платьем, расширяющими бедра в стороны, и вскоре они стали основным элементом официальной одежды. Это дало эпоху рококо культовое платье с широкими бедрами в сочетании с большим количеством украшений на одежде. Широкие кофры носили для особых случаев и могли достигать до 16 футов (4,8 метра) в диаметре.[50] обручи меньшего размера носили для повседневных нужд. Эти особенности изначально пришли из испанской моды семнадцатого века, известной как Guardainfante, изначально предназначенная для того, чтобы скрыть беременный живот, но позже переосмысленная как корзина.[50] 1745 год стал золотым веком рококо с появлением во Франции более экзотической, восточной культуры под названием а-ля турк.[46] Это стало популярным благодаря любовнице Людовика XV, мадам Помпадур, которая поручила художнику Шарлю Андре Ван Лоо изобразить ее как турецкую султану.

В 1760-х годах появился стиль менее формальных платьев, и одним из них был полонез, вдохновленные Польшей. Оно было короче французского платья, позволяя видеть нижнюю юбку и щиколотки, что облегчало передвижение. Еще одно платье, вошедшее в моду, было халат английский, который включал элементы, вдохновленные мужской модой; короткий жакет, широкие лацканы и длинные рукава.[49] У него также был плотный лиф, пышная юбка без кофров, но все еще немного длинная сзади, чтобы образовывать небольшой шлейф, и часто какой-то кружевной платок носили на шее. Другой предмет - «редингот», на полпути между плащом и пальто.

Аксессуары также были важны для всех женщин в то время, поскольку они добавляли роскоши и украшению тела, которое соответствовало их платьям. На любой официальной церемонии женщины должны были прикрывать руки перчатками, если их одежда была без рукавов.[49]

Галерея

Архитектура

Гравюры

  • Неизвестный артист. Аллегории астрономии и географии. Франция (?), Ок. 1750-е годы

  • А. Авелин по мотивам «Монона ле Филс». Момент Лёре. 1736 г.

  • А. Авелин по мотивам «Монона ле Филс». Китайский Бог. Гравюра из рисунка «Quatrieme livre des formes, orneė des rocailles, carteles, figure oyseaux et dragon» 1736 г.

Картина

Живопись эпохи рококо

Смотрите также

Примечания и цитаты

  1. ^ Оуэнс 2014, п. 92.
  2. ^ Дучер 1988, п. 136.
  3. ^ "Что такое рококо?". Музей Виктории и Альберта. Получено 20 октября 2018.
  4. ^ «Стиль рококо (дизайн) - Британская онлайн-энциклопедия». Britannica.com. Получено 24 апреля 2012.
  5. ^ Говен Александр Бейли, Духовное рококо: декор и божественность от салонов Парижа до миссий Патагонии (Фарнхэм: Ашгейт, 2014).
  6. ^ Словарь Merriam-Webster On-Line
  7. ^ Моник Вагнер, От Галлии до де Голля: очерк французской цивилизации. Питер Лэнг, 2005, стр. 139. ISBN  0-8204-2277-0
  8. ^ Онлайн-словарь ларусса
  9. ^ Мэрилин Стокстад, изд. История искусства. 4-е изд. Нью-Джерси: Прентис Холл, 2005. Печать.
  10. ^ Де Моран, Генри, Histoire des Arts décoratifs, п. 355
  11. ^ Рено и Лазе, Les Styles de l'architecture et du mobilier(2006) стр. 66
  12. ^ «Этимология рококо» (На французском). Ортолонг: сайт Национального центра текстовых и лексических ресурсов. Получено 12 января 2019.
  13. ^ Старый режим рококо В архиве 11 апреля 2018 г. Wayback Machine. Bc.edu. Проверено 29 мая 2011.
  14. ^ Рококо - Искусство рококо. Huntfor.com. Проверено 29 мая 2011.
  15. ^ Хопкинс 2014, п. 92.
  16. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 193 и 194.
  17. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 194.
  18. ^ а б Дучер 1988, п. 144.
  19. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 160 и 163.
  20. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 192.
  21. ^ Ловреглио, Аурелия и Энн, Dictionnaire des Mobiliers et des Objets d'art, Ле Робер, Париж, 2006, стр. 369
  22. ^ Хопкинс 2014 С. 92-93.
  23. ^ Де Моран 1970, п. 382.
  24. ^ Кляйнер, Фред (2010). Искусство Гарднера сквозь века: западная перспектива. Cengage Learning. С. 583–584. ISBN  978-0-495-57355-5. Получено 21 февраля 2011.
  25. ^ а б c де Моран 1970, п. 383.
  26. ^ Де Моран, Генри, Histoire des Arts décoratifs (1977), стр. 354–355
  27. ^ Дучер 1988 С. 150-153.
  28. ^ Дучер, Caractéristique des Styles (1988), стр. 150
  29. ^ а б c Прина и Демартини (2006), стр. 222–223.
  30. ^ https://www.bavaria.by/experiences/city-country-culture/castles-palaces/wuerzburg-residence; https://www.bavaria.by/experiences/city-country-culture/castles-palaces/wuerzburg-residence; Б.М. Поле Величайшая архитектура в мире: прошлое и настоящее, Regency House Publishing Ltd, 2001.
  31. ^ Дучер 1988, п. 152.
  32. ^ Cabanne 1988 С. 89–94.
  33. ^ "Влияние рококо в британском искусстве - манекены". манекены. Получено 23 июн 2017.
  34. ^ де Моран 1970, п. 382.
  35. ^ Cabanne 1988, п. 106.
  36. ^ «Архивная копия». Архивировано из оригинал 17 марта 2020 г.. Получено 8 апреля 2013.CS1 maint: заархивированная копия как заголовок (связь)
  37. ^ Cabanne 1988, п. 102.
  38. ^ а б c Кабанн 1988, п. 98.
  39. ^ а б Cabanne 1988, п. 104.
  40. ^ Дуби, Жорж и Даваль, Жан-Люк, Скульптура антиквариата в XX веке, (2013) стр. 789-791
  41. ^ Дуби, Жорж и Даваль, Жан-Люк, Скульптура антиквариата в XX веке, (2013) стр. 819
  42. ^ Дуби, Жорж и Даваль, Жан-Люк, Скульптура антиквариата в XX веке, (2013) стр. 781-832
  43. ^ Дуби, Жорж и Даваль, Жан-Люк, Скульптура антиквариата в XX веке, (2013) стр. 782-783
  44. ^ Дуби, Жорж и Даваль, Жан-Люк, Скульптура антиквариата в XX веке, (2013) стр. 802-803
  45. ^ Стиль рококо - католическая энциклопедия. Newadvent.org (1912-02-01). Проверено 11 февраля 2014.
  46. ^ а б c d е Фукуи А. и Суох Т. (2012). Мода: история с 18 по 20 век.CS1 maint: несколько имен: список авторов (связь)
  47. ^ «Барокко / рококо 1650-1800». История костюма.
  48. ^ Гроб, С. (2008). Рококо: продолжающаяся кривая, 1730-2008 гг.. Нью-Йорк.
  49. ^ а б c "Революция стиля Марии-Антуанетты". Национальная география. Ноябрь 2016. Получено 22 апреля 2018.
  50. ^ а б Гласскок, Дж. «Силуэт и поддержка восемнадцатого века». Метрополитен-музей. Получено 22 апреля 2018.

Библиография

  • Де Моран, Генри (1970). Histoire des Arts décoratifs. Librarie Hacahette.
  • Дроге, Энн (2004). Les Styles Transition и Людовик XVI. Les Editions de l'Amateur. ISBN  2-85917-406-0.
  • Кабан, Перре (1988), Классическое искусство и барокко, Париж: Ларусс, ISBN  978-2-03-583324-2
  • Дуби, Жорж и Даваль, Жан-Люк, Скульптура антиквариата в XX веке, (Французский перевод с немецкого), Taschen, (2013), (ISBN  978-3-8365-4483-2)
  • Дучер, Роберт (1988), Caractéristique des Styles, Париж: Фламмарион, ISBN  2-08-011539-1
  • Фиерро, Альфред (1996). Histoire et dictionnaire de Paris. Роберт Лаффонт. ISBN  2-221--07862-4.
  • Прина, Франческа; Демартини, Елена (2006). Маленькая энциклопедия архитектуры. Париж: Солнечный. ISBN  2-263-04096-X.
  • Хопкинс, Оуэн (2014). Стили в архитектуре. Данод. ISBN  978-2-10-070689-1.
  • Рено, Кристоф (2006), Les Styles de l'architecture et du mobilier, Париж: Жиссеро, ISBN  978-2-877-4746-58
  • Тексье, Саймон (2012), Париж - Panorama de l'architecture de l'Antiquité à nos jours, Париж: Париграмма, ISBN  978-2-84096-667-8
  • Dictionnaire Historique de Paris. Le Livre de Poche. 2013. ISBN  978-2-253-13140-3.
  • Вила, Мари Кристин (2006). Парижская музыка - Huit Siècles d'histoire. Париж: Париграмма. ISBN  978-2-84096-419-3.
  • Мэрилин Стокстад, изд. История искусства. 3-е изд. Нью-Джерси: Прентис Холл, 2005. Печать.
  • Бейли, Говен Александр (2014). Духовное рококо: декор и божественность от салонов Парижа до миссий Патагонии. Фарнем: Ашгейт.Духовное рококо: декор и божественность от салонов Парижа до миссий Патагонии

дальнейшее чтение

внешняя ссылка