Древнегреческое искусство - Ancient Greek art

Геракл и Афина, чернокожий сторона брюшная амфора художника Андокида, c. 520/510 г. до н. Э.
Эллинистический Пергамский алтарь: от l до r Нерей, Дорис, а Гигант, Oceanus
Аид похищение Персефона, Настенная роспись IV века до н.э. в маленькой царской гробнице Македонии в Вергина

Древнегреческое искусство выделяется среди других древних культур своим развитием натуралистических, но идеализированных изображений человеческого тела, в которых главным образом обнаженные мужские фигуры обычно были центром инноваций. Скорость стилистического развития между 750 и 300 гг. До н.э. была замечательной по древним меркам, и в сохранившихся произведениях лучше всего видно скульптура. В живописи произошли важные нововведения, которые необходимо существенно реконструировать из-за отсутствия оригинальных качественных пережитков, за исключением отдельной области расписной керамики.

Греческая архитектура, технически очень простой, установил гармоничный стиль с многочисленными подробными соглашениями, которые в значительной степени были приняты Римская архитектура и все еще соблюдаются в некоторых современных зданиях. Он использовал словарь орнамент это было распространено в керамике, металлоконструкциях и других средствах массовой информации и оказало огромное влияние на Евразийский искусство, особенно после буддизм вынесли его за пределы расширенного греческого мира, созданного Александр Великий. Социальный контекст греческого искусства включал радикальные политические события и значительный рост благосостояния; столь же впечатляющие достижения Греции в философия, литература и другие области хорошо известны.

Самое раннее искусство греков обычно исключается из «древнегреческого искусства» и вместо этого известно как Греческое неолитическое искусство с последующим Эгейское искусство; последний включает Кикладское искусство и искусство Минойский и Микенский культуры из Греческий бронзовый век.[1] Искусство Древней Греции принято стилистически разделить на четыре периода: Геометрический, Архаичный, Классика и Эллинистический. Геометрический возраст обычно датируется примерно 1000 г. до н.э., хотя на самом деле мало что известно об искусстве в Греции за предшествующие 200 лет, традиционно известном как Греческие темные века. VII век до н.э. стал свидетелем медленного развития архаического стиля, примером которого является чернокожий стиль вазовой росписи. Около 500 г. до н.э., незадолго до начала Персидские войны (480 г. до н.э. - 448 г. до н.э.), обычно рассматривается как разделительная линия между архаическим и классическим периодами, а также периодом правления Александр Великий (336 г. до н.э. - 323 г. до н.э.) рассматривается как отделение классического периода от эллинистического. С некоторого момента в 1 веке до нашей эры используется греко-римский или более местный термин для восточно-греческого мира.[2]

На самом деле резкого перехода от одного периода к другому не было. Формы искусства развивались с разной скоростью в разных частях греческого мира, и, как и в любую эпоху, некоторые художники работали в более новаторских стилях, чем другие. Сильные местные традиции и требования местных культы, позволяют историкам определять происхождение даже произведений искусства, найденных далеко от места их происхождения. Широко экспортировалось греческое искусство различных видов. В течение всего периода в целом неуклонный рост благосостояния и торговых связей внутри греческого мира и с соседними культурами.

Уровень выживаемости греческого искусства резко различается в зависимости от СМИ. У нас есть огромное количество глиняной посуды и монет, много каменных скульптур, хотя еще больше римских копий и несколько больших бронзовых скульптур. Почти полностью отсутствуют живопись, тонкие металлические сосуды и все, что связано со скоропортящимися материалами, включая дерево. Каменные оболочки ряда храмов и театров сохранились, но мало от их обширного убранства.[3]

История древнего искусства
Средний Восток
Азия
Европейская предыстория
Классическое искусство

Керамика

Деталь чернокожий ваза, гр. 540. Используются также белый, который не носился, и другой красно-фиолетовый.[4]
Интерьер чердака краснофигурный чашка, около 450
Белая земля, Чердак, гр. 460, г. Циликс Аполлона, кто наливает возлияние, деталь.[5]
Основная статья: Керамика Древней Греции
Дальнейшая информация: Древнегреческая вазовая живопись

По традиции, тонко расписанные сосуды всех форм называются «вазами», и существует более 100 000 полностью завершенных частей, которые сохранились до наших дней.[6] дающие (с надписями, которые многие несут) беспрецедентное понимание многих аспектов греческой жизни. Скульптурная или архитектурная керамика, также очень часто расписанная, называется терракоты, а также выживают в больших количествах. В большей части литературы «керамика» означает только расписные сосуды или «вазы». Керамика была основной формой погребальный инвентарь хранятся в гробницах, часто в виде «погребальных урн», содержащих кремирован золы, и широко экспортировался.

Знаменитый и самобытный стиль греческой вазописи с фигурами, изображенными с сильными очертаниями, с тонкими линиями внутри контуров, достиг своего пика примерно с 600 по 350 год до нашей эры и делится на два основных стиля, почти противоположных друг другу: чернокожий и краснофигурный живопись, другой цвет формирует фон в каждом случае. Другие цвета были очень ограничены, обычно это были небольшие участки белого цвета и большие участки другого пурпурно-красного цвета. В рамках ограничений этих методов и других строгих условностей художники-вазописцы достигли замечательных результатов, сочетая изысканность и мощную экспрессию. Техника белого заземления давал больше свободы в изображении, но плохо изнашивался и в основном предназначался для погребения.[7]

Традиционно считается, что древние греки делали большую часть керамических сосудов для повседневного использования, а не для демонстрации. Исключение составляют большие архаические монументальные вазы, сделанные в качестве надгробных памятников, трофеи, выигранные на играх, таких как Панафинейские амфоры наполненные оливковым маслом, и кусочки, сделанные специально для того, чтобы оставлять их в могилах; У некоторых флаконов для духов есть экономичное дно прямо под горлышком, поэтому небольшое количество делает их полными.[8] В последние десятилетия многие ученые поставили это под сомнение, увидев гораздо больше продукции, чем считалось раньше, чтобы помещать ее в могилы, как более дешевую замену металлическим изделиям как в Греции, так и в Этрурии.[9]

Большинство сохранившихся керамических изделий состоит из сосудов для хранения, подачи или питья жидкостей, таких как амфоры, кратеры (чаши для смешивания вина и воды), Hydria (кувшины для воды), чаши для возлияния, флаконы для масла и духов для унитаза, кувшины и чашки. Гораздо реже встречаются расписные сосуды для сервировки и приема пищи. Расписная керамика была доступна даже обычным людям, а кусок, «прилично украшенный примерно пятью или шестью цифрами, стоил примерно двух или трех рабочих дней».[10] Миниатюры также производились в большом количестве, в основном для использования в качестве подношений в храмах.[11] В эллинистический период производился более широкий ассортимент керамических изделий, но большая их часть не имела большого художественного значения.

В более ранние периоды даже совсем небольшие греческие города производили керамику для своей местности. Они сильно различались по стилю и стандартам. Самобытная керамика, считающаяся искусством, производилась на некоторых Эгейское море острова, в Крит, а в богатых греческих колониях южная Италия и Сицилия.[12] Однако к более позднему архаическому и раннему классическому периоду две великие торговые державы, Коринф и Афины, пришли доминировать. Их керамика экспортировалась по всему греческому миру, вытесняя местные разновидности. Горшки из Коринфа и Афин можно найти даже в Испания и Украина, и так часто встречаются в Италия что они впервые были собраны в 18 веке как «этрусские вазы».[13] Многие из этих горшков являются продуктом массового производства низкого качества. Фактически, к 5 веку до нашей эры гончарное дело превратилось в отрасль, а роспись по керамике перестала быть важным видом искусства.

Цветовая гамма кастрюль была ограничена технологией обжига: чаще всего использовались черный, белый, красный и желтый. В три предыдущих периода горшкам оставался свой естественный светлый цвет, и их украшали накладкой, которая в печи становилась черной.[7]

Греческая керамика часто подписывается, иногда гончаром или мастером гончарного дела, но лишь изредка художником. Однако сотни художников можно узнать по их художественным личностям: там, где их подписи не сохранились, их называют в соответствии с выбранным ими сюжетом, как " Ахиллес Художник "гончаром, на которого они работали, например, поздней архаике"Художник Клеофрад ", или даже по их современному местоположению, например, в поздней архаике"Берлинский художник ".[14]

История

История древнегреческой керамики стилистически делится на пять периодов:

  • то Протогеометрический примерно с 1050 г. до н.э.
  • то Геометрический примерно с 900 г. до н.э.
  • то Поздняя геометрия или же Архаичный примерно с 750 г. до н.э.
  • то Черная фигура с начала 7 века до нашей эры
  • и Красная фигура примерно с 530 г. до н.э.

Вовремя Протогеометрический и Геометрический периодов греческая керамика была украшена абстрактными узорами, в первых, как правило, элегантными и большими, с большим количеством неокрашенного пространства, но в геометрических формах часто плотно покрывали большую часть поверхности, как в больших горшках у Мастер Дипилона, который работал около 750. Он и другие гончары в его время начали вводить очень стилизованные силуэт фигурки людей и животных, особенно лошадей. Они часто представляют собой погребальные шествия или битвы, предположительно представляя сражения умерших.[15]

За геометрической фазой последовала Период ориентализации в конце 8-го века, когда несколько животных, многие из которых были мифическими или не уроженцами Греции (например, сфинкс и лев соответственно) были адаптированы с Ближнего Востока в сопровождении декоративных мотивов, таких как лотос и пальметта. Они были показаны намного больше, чем предыдущие цифры. В Стиль дикой козы региональный вариант, очень часто показывающий козы. На человеческие фигуры не так повлиял Восток, но они стали крупнее и детальнее.[16]

Полностью зрелый чернофигурная техника, с добавленными красными и белыми деталями и насечкой для контуров и деталей, возникла в Коринф в начале 7 века до н.э. и был завезен в Аттику примерно поколением позже; он процветал до конца 6 века до нашей эры.[17] В краснофигурная техника, изобретенный около 530 г. до н.э., изменил эту традицию: горшки были окрашены в черный цвет, а фигуры - в красный. Краснофигурные вазы постепенно вытеснили чернофигурный стиль. Иногда более крупные сосуды были гравированы, а также расписаны. Эротические темы, обе гетеросексуальный и мужчина гомосексуалист, стало обычным явлением.[18]

Примерно к 320 г. до н.э. в Афинах и других греческих центрах прекратилась изящная фигуративная живопись на вазах, а полихроматическая Керченский стиль заключительный штрих; Вероятно, для большинства функций его заменили металлоконструкцией. West Slope Ware, с декоративными мотивами на черный остекленный корпус, продолжавшееся более века спустя.[19] Итальянская краснофигурная живопись закончились примерно к 300 г., а в следующем столетии относительно примитивные Вазы Хадра, наверное, из Крит, Посуда Centuripe из Сицилия, и Панафинейские амфоры, ставшие уже застывшей традицией, были единственными большими расписными вазами, которые до сих пор изготавливались.[20]

Металлоконструкции

В Дервени Кратер, 4 век до н.э., с Дионис и Ариадна видел здесь.[21]

Изящные изделия из металла были важным видом искусства в Древней Греции, но более позднее производство очень плохо представлено пережитками, большинство из которых происходит из краев греческого мира или за его пределами, от Франции или России. Сосуды и украшения производились по высоким стандартам и экспортировались в дальние страны. На предметах из серебра, которые в то время стоили больше золота, чем в наше время, производитель часто делал надписи с указанием их веса, поскольку они рассматривались в основном как средства сбережения и, вероятно, были проданы или переплавлены еще раньше. длинный.[22]

В период геометрической и архаической эпохи производство больших металлических сосудов было важным проявлением греческого творчества и важным этапом в развитии техник обработки бронзы, таких как литье и репутация молоток. Ранние святилища, особенно Олимпия, дали много сотен штатив-чаш или жертвенный штатив судов, в основном в бронза, депонировано как обеты. У них была неглубокая чаша с двумя ручками, высоко поднятыми на трех ножках; в более поздних версиях подставка и чаша были разными частями. В период ориентализации такие треноги часто украшали фигурными протомы, в форме грифоны, сфинксы и другие фантастические существа.[23]

Мечи, Греческий шлем и часто бронежилет, такой как мышечная кираса были сделаны из бронзы, иногда украшены драгоценными металлами, как в III веке Кираса Ксур Эссеф.[24] Доспехи и «полосы щитов» - два контекста для полос архаических барельефов, которые также прикреплялись к различным объектам из дерева; группа на Vix Krater - яркий тому пример.[25] Еще одним распространенным предметом были полированные бронзовые зеркала, первоначально с украшенными спинками и ручками. более поздний тип «складного зеркала» имел навесные накладки, часто украшенные рельефной сценой, как правило, эротической.[26] Монеты описаны ниже.

Начиная с поздней архаики, лучшая обработка металла шла в ногу со стилистическим развитием скульптуры и других искусств, а также Фидий входит в число скульпторов, которые, как известно, практиковали это.[27] Эллинистический вкус поощрял весьма замысловатые проявления технической добродетели, склонные к «сообразительности, прихоти или чрезмерной элегантности».[28] Многие или большинство форм греческой глиняной посуды были взяты из форм, впервые использованных в металле, и в последние десятилетия растет мнение о том, что в большинстве лучших росписей ваз повторно использовались дизайны серебряных мастеров для сосудов с гравировкой и секциями, покрытыми другим металлом, обрабатывающими из нарисованных дизайнов.[29]

Исключительными остатками того, что могло быть относительно распространенным классом крупных бронзовых сосудов, являются две спиральные кратеры, для смешивания вина и воды.[30] Эти Викс Кратер, c. 530 г. до н.э., высота 1,63 м (5 футов 4 дюйма), вес более 200 кг (450 фунтов), вместимость около 1100 литров, найден в захоронении кельтской женщины в современной Франции.[31] и 4 век Дервени Кратер, Высота 90,5 см (35 дюймов).[32] Элиты других соседей греков, такие как Фракийцы и Скифы, были заядлыми потребителями греческих изделий из металла и, вероятно, обслуживались греческими ювелирами, поселившимися на их территориях, которые адаптировали свои изделия к местным вкусам и функциям. Такие гибридные части составляют большую часть пережитков, в том числе Панагюриште Сокровище, Боровский клад, и другие Фракийские сокровища, и несколько скифских захоронений, которые, вероятно, содержали работы греческих художников, живших в греческих поселениях на Черное море.[33] Как и в случае с другими предметами роскоши, королевское кладбище Македонии на Вергина производит предметы высочайшего качества на рубеже классического и эллинистического периодов.[34]

Украшения для греческого рынка часто бывают превосходного качества.[35] одной из необычных форм являются замысловатые и очень нежные золотые венки, имитирующие формы растений, надеваемые на голову. Они, вероятно, редко, если вообще когда-либо, носились при жизни, но давались как обеты и носились после смерти.[36] Многие из Портреты фаюмских мумий носить их. Некоторые предметы, особенно в эллинистический период, достаточно велики, чтобы предлагать место для фигур, как и скифы, предпочитающие относительно крупные золотые изделия.[37]

  • Бронза грифон голова протома из Олимпия, 7 век до н.э.

  • В Викс Кратер, позднеархаический монументальный бронзовый сосуд, экспортированный французскими кельтами.

  • Необычное раннее классическое бронзовое зеркало с изображением человека кариатида ручка, c. 460 г. до н.э.

  • Золотой венок, 370-360, из южной Италии

  • Серебро ритон для фракийского рынка, конец 4 века[38]

  • IV век до н.э. Греческий золотой и бронзовый ритон с головой Диониса, Художественный фонд Тамойкина.

  • Фрагмент золотого венка, гр. 320-300 гг. До н.э., из захоронения в г. Крым

  • Золотое украшение для волос и сетка, III век до н.э.

  • Поздний эллинистический серебряный медальон

Монументальная скульптура

Всадники из Парфенон Фриз, около 440 г. до н.э.
Основная статья: Древнегреческая скульптура

Греки очень рано решили, что человеческая форма является самым важным объектом художественного творчества.[39] Учитывая, что их боги имеют человеческую форму, в искусстве не было большой разницы между священным и светским - человеческое тело было одновременно светским и священным. Мужчина ню из Аполлон или же Геракл имел лишь незначительные отличия в отношении к одному из олимпийских чемпионов по боксу того года. В архаический период важнейшей скульптурной формой был Курос (множественное число Курой), стоящего обнаженного мужчины (см. например Битон и Клеобис ). В Корея (множественное число Кораи), или стоящая одетая женская фигура, также было обычным явлением, но поскольку греческое общество не разрешало публичную демонстрацию женской наготы до 4 века до н.э., коре считается менее важным в развитии скульптуры.[40] К концу периода архитектурная скульптура на храмах стала важной.

Как и в случае с керамикой, греки создавали скульптуру не только для художественной демонстрации. Статуи заказывались либо аристократами, либо государством и использовались для общественных мемориалов, в качестве подношений храмам, оракулы и святилища (как это часто показывают надписи на статуях) или в качестве указателей на могилы. Не все статуи архаического периода были предназначены для изображения конкретных людей. Это были изображения идеала - красоты, благочестия, чести или самопожертвования. Это всегда были изображения молодых людей в возрасте от подросткового до раннего зрелого возраста, даже когда их клали на могилы (предположительно) пожилых граждан. Kouroi все были стилистически похожи. Градации в социальном статусе человека, заказавшего статую, были обозначены размером, а не художественными новшествами.[41]

В отличие от авторов, те, кто занимался изобразительным искусством, в том числе скульптурой, изначально имели низкий социальный статус в Древней Греции, хотя все более ведущие скульпторы могли становиться известными и довольно богатыми и часто подписывали свои работы (к сожалению, часто на постаменте, который обычно становился отделены от самой статуи).[42] Плутарх (Жизнь Перикла, II) сказал: «Мы восхищаемся произведением искусства, но презираем его создателя»; это было распространенным представлением в древнем мире. Древнегреческая скульптура подразделяется на обычные стилистические периоды «архаический», «классический» и «эллинистический», дополненные некоторыми дополнительными периодами, в основном относящимися к скульптуре, такими как ориентализм. Дедальский стиль и Суровый стиль ранней классической скульптуры.[43]

Материалы, формы

Редкий крупный позднеархаичный терракотовая статуя Зевса и Ганимеда, Олимпия.

Сохранившиеся древнегреческие скульптуры в основном были сделаны из двух типов материалов. Камень, особенно мрамор или другой высококачественный известняк использовался чаще всего и вырезался вручную металлическими инструментами. Каменные скульптуры могли быть отдельно стоящими, полностью вырезанными по кругу (статуи), или частично вырезанными. рельефы все еще прикреплены к фоновой доске, например, в архитектурных фризы или могила стелаи.[44]

Бронзовые статуи имели более высокий статус, но сохранились в гораздо меньшем количестве из-за возможности повторного использования металлов. Обычно их делали в потерянный воск техника. Хризелефантин статуи из золота и слоновой кости были культовыми изображениями в храмах и считались высшей формой скульптуры, но сохранились лишь некоторые фрагменты. Обычно они были больше натурального размера, построены вокруг деревянного каркаса с тонкими резными плитами слоновая кость представляющий плоть, и листы сусальное золото, вероятно, поверх дерева, изображающего одежду, доспехи, волосы и другие детали.[45]

В некоторых случаях стеклянная паста, стекло и драгоценный и полудрагоценные камни использовались для таких деталей, как глаза, украшения и оружие. Другой большой акролитический статуи использовали камень для частей тела и дерева для всего остального, а мраморные статуи иногда имели лепнина прически. Большинство скульптур было расписано (см. Ниже), и многие из них были украшены настоящими украшениями и имели инкрустированные глаза и другие элементы из различных материалов.[46]

Иногда для больших скульптур использовалась терракота. Несколько примеров этого сохранились, по крайней мере, частично из-за хрупкости таких статуй. Самым известным исключением из этого правила является статуя Зевс несущий Ганимед найдено в Олимпия, казнен около 470 г. до н.э. В этом случае окрашивается терракота. Несомненно, были скульптуры исключительно из дерева, которые, возможно, были очень важны в ранние периоды, но фактически ни одна из них не сохранилась.[47]

Архаичный

Клеобис и Битон, Курой архаического периода, c. 580 г. до н.э., Дельфийский археологический музей

Бронзовый век Кикладское искусство примерно до 1100 г. до н.э., уже демонстрировал необычный акцент на человеческой фигуре, обычно изображаемой в прямом фронтальном положении стоя со скрещенными на животе руками. Среди более мелких деталей были вырезаны только носы, иногда глаза и женская грудь, хотя фигуры, по-видимому, обычно были нарисованы и, возможно, изначально выглядели совсем иначе.

Вдохновленный монументальной каменной скульптурой Египет и Месопотамия, в архаический период греки снова начали вырезать из камня. Отдельно стоящие фигуры обладают солидностью и фронтальной позой, характерными для восточных моделей, но их формы более динамичны, чем у египетской скульптуры, как, например, Леди Осер и Торс Геры (ранний архаический период, ок. 660–580 до н. э., оба в Лувре, Париж). Примерно после 575 г. до н.э. такие фигуры, как мужские, так и женские, носили так называемые архаичная улыбка. Это выражение, не имеющее особого отношения к изображенному человеку или ситуации, могло быть средством придания фигурам отличительной человеческой характеристики.[48]

Преобладали три типа фигур: стоящий обнаженный юноша (курос), стоящая задрапированная девушка (коре) и, реже, сидящая женщина.[49] Все они подчеркивают и обобщают основные черты человеческой фигуры и демонстрируют все более точное понимание анатомии человека. Юноши представляли собой могильные статуи или статуи по обету. Примеры: ранняя работа «Аполлон» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк); то Strangford Apollo из Анафи (Британский музей, Лондон), работа значительно более поздняя; и Анависсос Курос (Национальный археологический музей Афин ). В этой статуе больше мускулатуры и скелета, чем в более ранних работах. Стоящие, задрапированные девушки обладают широким спектром выражения, как в скульптурах в Афинский музей Акрополя. Их драпировка вырезана и расписана с деликатностью и тщательностью, присущими деталям скульптуры этого периода.[50]

Архаические рельефы сохранились во многих гробницах и более крупных зданиях в Foce del Sele (сейчас в музее по адресу Пестум ) в Италии с двумя группами метопа панели, примерно от 550 и 510, и Сифнийское казначейство в Delphi, с фризы и небольшой фронтон. Части, которые сейчас хранятся в местных музеях, сохранились от больших треугольных групп фронтонов из Храм Артемиды, Корфу (ок. 580 г.), где преобладает огромный Горгона, а Старый храм Афины в Афинах (ок. 530-500).[51]

Классический

Дальнейшая информация: Суровый стиль
В Artemision Bronze, либо Посейдон или же Зевс, c. 460 г. до н.э., Национальный археологический музей, Афины. Этот шедевр классической скульптуры нашли рыбаки на берегу моря. Мыс Артемизиум в 1928 году. Более 2 м в высоту.

В классический период в греческой скульптуре произошла революция, обычно связанная с введением демократия и конец аристократической культуры, связанной с Курой. Классический период претерпел изменения в стиле и функциях скульптуры. Позы стали более натуралистичными (см. Возничий Дельф в качестве примера перехода к более натуралистической скульптуре), а техническое мастерство греческих скульпторов в изображении человеческих форм в различных позах значительно возросло. Примерно с 500 г. до н.э. статуи стали изображать реальных людей. Статуи Гармодий и Аристогитон в Афинах, чтобы отметить свержение тирания считались первыми публичными памятниками настоящим людям.[52]

"Первая правда портрет отдельного европейца »:[53] Римская копия утраченного бюста 470 г. до н.э. Фемистокл в "Суровый стиль ".[54]

В то же время скульптура и статуи получили более широкое распространение. Великие храмы классической эпохи, такие как Парфенон в Афинах, а Храм Зевса в Олимпии требовалась рельефная скульптура для декоративного фризы, и скульптура в круге, чтобы заполнить треугольные поля фронтоны. Сложный эстетический и технический вызов во многом стимулировал создание скульптурных новшеств. К сожалению, эти работы сохранились лишь во фрагментах, наиболее известными из которых являются Мрамор Парфенона, половина из которых находится в Британском музее.[55]

Погребальные скульптуры эволюционировали в этот период от жесткого и безличного куроса архаического периода до очень личных семейных групп классического периода. Эти памятники обычно находятся в пригородах Афин, которые в древности были кладбищами на окраинах города. Хотя на некоторых из них изображены «идеальные» типы - скорбящая мать, послушный сын - они все чаще изображали реальных людей, как правило, изображающих усопшего, берущего достойный отпуск из своей семьи. Они являются одними из самых сокровенных и трогательных останков древних греков.[56]

В античный период мы впервые знаем имена отдельных скульпторов. Фидий руководил проектированием и строительством Парфенон. Пракситель впервые в поздний классический период (середина 4-го века) сделал женское обнаженное тело респектабельным: его Афродита Книдская, который сохранился в копиях, сказал Плиний быть величайшей статуей в мире.[57]

Самыми известными произведениями классического периода для современников были колоссальные Статуя Зевса в Олимпии и Статуя Афины Парфенос в Парфеноне. Оба были хризелефантин и выполнены Фидием или под его руководством, и теперь утеряны, хотя их уменьшенные копии (в других материалах) и хорошие описания все еще существуют. Их размер и великолепие побудили императоров захватывать их в византийский период, и оба были удалены в Константинополь, где они позже сгорели.[58]

Эллинистический

Смотрите также: Эллинистическое искусство
В Венера Милосская, обнаруженный на греческом острове Милош, 130-100 гг. До н.э., Лувр

Переход от классического к эллинистическому периоду произошел в 4 веке до нашей эры. После завоеваний Александр Великий (336 г. до н.э. - 323 г. до н.э.), греческая культура распространилась до Индия, как показали раскопки Ай-Ханум на востоке Афганистан, и цивилизация Греко-бактрийцы и Индо-греки. Греко-буддийское искусство представлял собой синкретизм между греческим искусством и визуальным выражением буддизма. Таким образом, греческое искусство стало более разнообразным и находилось под большим влиянием культур народов, вовлеченных в греческую орбиту.[59]

По мнению некоторых искусствоведов, он также снизился по качеству и оригинальности. Однако это мнение, которое художники и ценители искусства того времени не разделяли. Действительно, многие скульптуры, которые раньше считались классическими шедеврами, теперь признаны эллинистическими. Технические возможности эллинистических скульпторов ярко проявляются в таких крупных произведениях, как Крылатая Победа Самофракии, а Пергамский алтарь. Новые центры греческой культуры, особенно в скульптуре, развивались в Александрия, Антиохия, Пергам, и другие города, где новые монархии были щедрыми покровителями.[60] Ко 2 веку рост могущества Рим также вобрала в себя большую часть греческих традиций, а также увеличивающуюся долю ее продуктов.[61]

В этот период скульптура стала более натуралистичной, а также выразительной; интерес к изображению крайностей эмоций иногда доводится до крайностей. Жанровые сюжеты простых людей, женщин, детей, животных и домашних сцен стали приемлемыми предметами для скульптуры, которую богатые семьи заказывали для украшения своих домов и садов; то Мальчик с шипом это пример. Создавались реалистичные портреты мужчин и женщин всех возрастов, и скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать людей как идеалы красоты или физического совершенства.[62]

Мир Дионис, пасторальная идиллия, населенная сатиры, менады, нимфы и Силени, часто изображался на более ранних вазах и статуэтках, но редко в скульптуре в натуральную величину. Сейчас такие работы сделаны, сохранились в копиях, в том числе Барберини Фавн, то Бельведер Торс, а Отдыхающий сатир; то Фуриетти Кентавры и Спящий Гермафродит отражать связанные темы.[63] В то же время повсюду возникают новые эллинистические города. Египет, Сирия, и Анатолия требовались статуи с изображением богов и героев Греции для их храмов и общественных мест. Это сделало скульптуру, как и керамику, индустрией, что привело к стандартизации и некоторому снижению качества. По этим причинам сохранилось гораздо больше эллинистических статуй, чем в классический период.

Некоторые из самых известных эллинистических скульптур - Крылатая Победа Самофракии (2 или 1 век до н.э.),[64] статуя Афродита с острова Мелос известный как Венера Милосская (середина II в. до н.э.), Умирающая Галлия (около 230 г. до н.э.) и монументальная группа Лаокоон и его сыновья (конец I века до нашей эры). Все эти статуи изображают классические темы, но их обработка гораздо более чувственная и эмоциональная, чем позволял строгий вкус классического периода или допускались его технические навыки.

Многофигурная группа статуй была эллинистическим нововведением, вероятно, III века, когда на стенах были сняты эпические битвы с более ранними рельефами храмовых фронтонов, и они были помещены в группы статуй в натуральную величину. Их стиль часто называют "барокко ", с экстравагантно искаженными позами тела и интенсивным выражением лиц. Рельефы на Пергамский алтарь являются ближайшими сохранившимися оригиналами, но несколько хорошо известных работ считаются римскими копиями эллинистических оригиналов. К ним относятся Умирающая Галлия и Людовизи Галлия, а также менее известный Коленопреклоненная Галлия и другие, которые, как полагают, копируют комиссии Пергамена Атталус I отметить его победа около 241 над Галлы из Галатия, вероятно, состоящий из двух групп.[65]

В Группа Лаокоон, то Фарнезский бык, Менелай поддерживает тело Патрокла («Группа Паскуино»), Арротино, а Скульптуры Сперлонги, другие примеры.[66] Со II века Нео-Чердак или неоклассический стиль рассматривается разными учеными либо как реакция на эксцессы барокко, возвращение к версии классического стиля, либо как продолжение традиционного стиля культовых статуй.[67] Мастерские этого стиля стали в основном производителями копий для римского рынка, которые предпочитали копии классических, а не эллинистических произведений.[68]

Открытия, сделанные с конца 19 века в окрестностях (ныне затопленной) древнеегипетский город Гераклеум включают необычайно чувственное, подробное и феминистическое (в отличие от обожествленного) изображение четвертого века до нашей эры. Исида, отмечая сочетание египетских и эллинистических форм, начиная примерно со времен завоевания Египта Александр Великий. Однако это было нетипично для Птолемеев придворная скульптура, которая обычно избегала смешения египетских стилей с довольно традиционным эллинистическим стилем,[69] в то время как храмы в остальной части страны продолжали использовать поздние версии традиционных египетских формул.[70] Ученые предложили «александрийский стиль» в эллинистической скульптуре, но на самом деле мало что связывает его с Александрией.[71]

Эллинистическая скульптура также была отмечена увеличением масштаба, что привело к Колосс Родосский (конец III века), который был такого же размера, как и Статуя Свободы. Комбинированное воздействие землетрясений и грабежей разрушило это, а также другие очень крупные сооружения того периода.

Фигурки

Фигурки из терракоты

Основная статья: Греческие терракотовые фигурки
Керамический сосуд в форме Афродита внутри оболочки; из Аттика, Классическая Греция, обнаруженный в Фанагория кладбище, Таманский полуостров (Боспорское царство, юг россии ), 1-я четверть IV в. До н.э., Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Глина - материал, который часто используется для изготовления статуэток или идолов по обету, даже до минойской цивилизации и вплоть до римского периода. В 8 веке до нашей эры гробницы в Беотия часто содержат «колоколов-идолов», женские статуэтки с подвижными ногами: голова, малая по сравнению с остальным телом, расположена на конце длинной шеи, а тело очень полное, в форме колокольчика.[72] Архаичный героин Гробницы местных героев могут содержать большое количество фигурок грубой формы с элементарной фигурой, обычно представляющих персонажей с поднятыми руками.

К эллинистическому периоду большинство терракотовых фигурок утратили религиозный характер и представляют персонажей повседневной жизни. Фигурки танагры на одном из нескольких производственных центров, производятся серийно с использованием форм, а затем окрашиваются после обжига. Куклы, фигурки модно одетых дам и актеров, некоторые из них, вероятно, портреты, были среди новых предметов, изображенных в изысканном стиле. Они были дешевыми и изначально выставлялись дома, как современные декоративные фигурки, но довольно часто их хоронили вместе с их владельцами. В то же время города любят Александрия, Смирна или же Тарс произвел множество гротескных фигурок, изображающих людей с деформированными членами, выпученными и искривленными глазами. Такие фигурки также делали из бронзы.[73]

О росписи архитектурных терракотов см. Архитектура ниже.

Фигурки из металла

Статуэтки из металла, в первую очередь из бронзы, очень часто встречаются в ранних греческих святилищах, таких как Олимпия, где обнаружены тысячи таких предметов, в основном с изображением животных. Обычно они производятся в потерянный воск техники и может считаться начальным этапом в развитии греческой бронзовой скульптуры. Наиболее распространенными мотивами в геометрический период были лошади и олени, но также изображены собаки, крупный рогатый скот и другие животные. Изредка встречаются человеческие фигуры. Изготовление небольших металлических обетов продолжалось на протяжении всей греческой древности. В классические и эллинистические периоды более сложные бронзовые статуэтки, тесно связанные с монументальная скульптура, тоже стало обычным явлением. Высококачественные образцы были тщательно собраны богатыми греками, а затем и римлянами, но сохранилось сравнительно немного.[74]

Архитектура

Основная статья: Архитектура Древней Греции
Two early Archaic Дорический орден Greek temples at Пестум, Italy, with much wider capitals than later.
Temple of Hephaistos, Афины, well-preserved mature Doric, late 5th century BC

Architecture (meaning buildings executed to an aesthetically considered design) ceased in Greece from the end of the Микенский period (about 1200 BC) until the 7th century, when urban life and prosperity recovered to a point where public building could be undertaken. Since most Greek buildings in the Archaic and Early Classical periods were made of wood or mud-brick, nothing remains of them except a few ground-plans, and there are almost no written sources on early architecture or descriptions of buildings. Most of our knowledge of Greek architecture comes from the surviving buildings of the Late Archaic, Classical, Hellenistic and Roman periods (since древнеримская архитектура heavily used Greek styles), and from late written sources such as Витрувий (I век до нашей эры). This means that there is a strong bias towards храмы, the most common major buildings to survive. Here the squared blocks of stone used for walls were useful for later buildings, and so often all that survives are parts of columns and метопы that were harder to recycle.[75]

For most of the period a strict stone столб и перемычка system of construction was used, held in place only by gravity. Корбеллинг was known in Mycenean Greece, and the арка was known from the 5th century at the latest, but hardly any use was made of these techniques until the Roman period.[76] Wood was only used for ceilings and roof timbers in prestigious stone buildings. The use of large terracotta roof плитка, only held in place by grooving, meant that roofs needed to have a low pitch.[77]

Until Hellenistic times only public buildings were built using the formal stone style; these included above all храмы, and the smaller treasury buildings which often accompanied them, and were built at Delphi by many cities. Other building types, often not roofed, were the central Агора, often with one or more colonnaded стоа around it, театры, то гимназия и Палестра or wrestling-school, the экклезиастерион или же булейтерион for assemblies, and the пропилеи or monumental gateways.[78] Round buildings for various functions were called a tholos,[79] and the largest stone structures were often defensive city walls.

Tombs were for most of the period only made as elaborate mausolea around the edges of the Greek world, especially in Anatolia.[80] Private houses were built around a courtyard where funds allowed, and showed blank walls to the street. They sometimes had a second story, but very rarely basements. They were usually built of rubble at best, and relatively little is known about them; at least for males, much of life was spent outside them.[81] A few palaces from the Hellenistic period have been excavated.[82]

Temples and some other buildings such as the treasuries at Delphi were planned as either a cube or, more often, a rectangle made from известняк, of which Greece has an abundance, and which was cut into large blocks and dressed. This was supplemented by columns, at least on the entrance front, and often on all sides.[83] Other buildings were more flexible in plan, and even the wealthiest houses seem to have lacked much external ornament. Marble was an expensive building material in Greece: high quality marble came only from Mt Pentelus in Аттика and from a few islands such as Парос, and its transportation in large blocks was difficult. It was used mainly for sculptural decoration, not structurally, except in the very grandest buildings of the Classical period such as the Парфенон в Афинах.[84]

There were two main классические заказы of Greek architecture, the дорический и Ионный, с Коринфский орден only appearing in the Classical period, and not becoming dominant until the Roman period. The most obvious features of the three orders are the capitals of the columns, but there are significant differences in other points of design and decoration between the orders.[85] These names were used by the Greeks themselves, and reflected their belief that the styles descended from the Dorian and Ionian Greeks of the Dark Ages, but this is unlikely to be true. The Doric was the earliest, probably first appearing in stone in the earlier 7th century, having developed (though perhaps not very directly) from predecessors in wood.[86] It was used in mainland Greece and the Greek colonies in Италия. The Ionic style was first used in the cities of Ionia (now the west coast of индюк ) and some of the Aegean islands, probably beginning in the 6th century.[87] The Doric style was more formal and austere, the Ionic more relaxed and decorative. The more ornate Коринфский орден was a later development of the Ionic, initially apparently only used inside buildings, and using Ionic forms for everything except the capitals. The famous and well-preserved Хорагический памятник Лисикрата near the Athens Акрополь (335/334) is the first known use of the Коринфский орден on the exterior of a building.[88]

Most of the best known surviving Greek buildings, such as the Parthenon and the Храм Гефеста in Athens, are Doric. В Erechtheum, next to the Parthenon, however, is Ionic. The Ionic order became dominant in the Hellenistic period, since its more decorative style suited the aesthetic of the period better than the more restrained Doric. Some of the best surviving Hellenistic buildings, such as the Библиотека Цельса, can be seen in индюк, at cities such as Эфес и Пергам.[89] But in the greatest of Hellenistic cities, Александрия в Египет, almost nothing survives.

Coin design

Основная статья: Древнегреческие монеты
Афинский tetradrachm с главой Афина и сова, after 449 BC. The most acceptable coin in the Mediterranean world.
Gold 20-статер из Эвкратиды из Бактрия circa 150 BC, the largest gold coin of antiquity. 169.2 grams, diameter 58 mm.

Coins were (probably) invented in Лидия in the 7th century BC, but they were first extensively used by the Greeks,[91] and the Greeks set the canon of coin design which has been followed ever since. Coin design today still recognisably follows patterns descended from ancient Greece. The Greeks did not see coin design as a major art form, although some were expensively designed by leading goldsmiths, especially outside Greece itself, among the Central Asian kingdoms and in Sicilian cities keen to promote themselves. Nevertheless, the durability and abundance of coins have made them one of the most important sources of knowledge about Greek aesthetics.[92] Greek coins are the only art form from the ancient Greek world which can still be bought and owned by private collectors of modest means.

The most widespread coins, used far beyond their native territories and copied and forged by others, were the Athenian tetradrachm, issued from c. 510 to c. 38 BC, and in the Hellenistic age the македонский tetradrachm, both silver.[93] These both kept the same familiar design for long periods.[94] Greek designers began the practice of putting a profile portrait on the лицевой монет. This was initially a symbolic portrait of the patron god or goddess of the city issuing the coin: Афина за Афины, Аполлон at Corinth, Деметра в Фивы и так далее. Later, heads of heroes of Greek mythology were used, such as Геракл on the coins of Александр Великий.

The first human portraits on coins were those of Империя Ахеменидов Satraps в Малая Азия, starting with the exiled Athenian general Фемистокл who became a Satrap of Магнезия circa 450 BC, and continuing especially with the dynasts of Lycia towards the end of the 5th century.[95] Greek cities in Italy such as Сиракузы began to put the heads of real people on coins in the 4th century BC, as did the Hellenistic successors of Alexander the Great in Египет, Сирия и в другом месте.[96] On the reverse of their coins the Greek cities often put a symbol of the city: an owl for Athens, a dolphin for Syracuse and so on. The placing of inscriptions on coins also began in Greek times. All these customs were later continued by the Romans.[92]

The most artistically ambitious coins, designed by goldsmiths or gem-engravers, were often from the edges of the Greek world, from new colonies in the early period and new kingdoms later, as a form of marketing their "brands" in modern terms.[97] Of the larger cities, Коринф и Сиракузы also issued consistently attractive coins. Несколько из Греко-бактрийский coins are considered the finest examples of Greek coins with large portraits with "a nice blend of realism and idealization", including the largest coins to be minted in the Hellenistic world: the largest gold coin was minted by Эвкратиды (reigned 171–145 BC), the largest silver coin by the Indo-Greek king Аминтас Никатор (reigned c. 95–90 BC). The portraits "show a degree of individuality never matched by the often bland depictions of their royal contemporaries further West".[98]

Картина

Macedonian tomb фреска из Агиос Афанасиос, Салоники, Greece, 4th century BC.

The Greeks seem to have valued painting above even sculpture, and by the Hellenistic period the informed appreciation and even the practice of painting were components in a gentlemanly education. В экфрасис was a literary form consisting of a description of a work of art, and we have a considerable body of literature on Greek painting and painters, with further additions in Latin, though none of the treatises by artists that are mentioned have survived.[99] Unfortunately we have hardly any of the most prestigious sort of paintings, on wood panel or in фреска, that this literature was concerned with.

The contrast with vase-painting is total. There are no mentions of that in literature at all, but over 100,000 surviving examples, giving many individual painters a respectable surviving oeuvre.[100] Our idea of what the best Greek painting was like must be drawn from a careful consideration of parallels in vase-painting, late Greco-Roman copies в мозаика and fresco, some very late examples of actual painting in the Greek tradition, and the ancient literature.[101]

There were several interconnected traditions of painting in ancient Greece. Due to their technical differences, they underwent somewhat differentiated developments. Early painting seems to have developed along similar lines to vase-painting, heavily reliant on outline and flat areas of colour, but then flowered and developed at the time that vase-painting went into decline. By the end of the Hellenistic period, technical developments included modelling to indicate contours in forms, shadows, foreshortening, some probably imprecise form of perspective, interior and landscape backgrounds, and the use of changing colours to suggest distance in landscapes, so that "Greek artists had all the technical devices needed for fully illusionistic painting".[102]

Panel and wall painting

The most common and respected form of art, according to authors like Плиний или же Павсаний, мы панно, individual, portable paintings on wood boards. The techniques used were энкаустика (wax) painting and темпера. Such paintings normally depicted figural scenes, including портреты и натюрморты; we have descriptions of many compositions. They were collected and often displayed in public spaces. Павсаний describes such exhibitions at Athens and Delphi. We know the names of many famous painters, mainly of the Classical and Hellenistic periods, from literature (see expandable list to the right). The most famous of all ancient Greek painters was Apelles of Kos, кому Плиний Старший lauded as having "surpassed all the other painters who either preceded or succeeded him."[103][104]

Unfortunately, due to the perishable nature of the materials used and the major upheavals at the end of antiquity, not one of the famous works of Greek panel painting has survived, nor even any of the copies that doubtlessly existed, and which give us most of our knowledge of Greek sculpture. We have slightly more significant survivals of mural compositions. The most important surviving Greek examples from before the Roman period are the fairly low-quality Панно Pitsa с. 530 BC,[105] то Могила ныряльщика из Пестум, and various paintings from the royal tombs at Вергина. More numerous paintings in Этрусский и Кампанский tombs are based on Greek styles. In the Roman period, there are a number of wall paintings in Помпеи and the surrounding area, as well as in Rome itself, some of which are thought to be copies of specific earlier masterpieces.[106]

In particular copies of specific wall-paintings have been confidently identified in the Alexander Mosaic и Вилла Боскореале.[107] There is a large group of much later Greco-Roman archaeological survivals from the dry conditions of Egypt, the Fayum mummy portraits, together with the similar Severan Tondo, and a small group of painted портретные миниатюры в золотое стекло.[108] византийский иконки are also derived from the encaustic panel painting tradition, and Byzantine иллюминированные рукописи sometimes continued a Greek illusionistic style for centuries.

Симпозиум сцена в Могила ныряльщика в Пестум, c. 480 BC

The tradition of wall painting in Greece goes back at least to the Минойский и Микенский Бронзовый век, with the lavish fresco decoration of sites like Кносс, Тиринф и Микены. It is not clear, whether there is any continuity between these antecedents and later Greek wall paintings.

Wall paintings are frequently described in Pausanias, and many appear to have been produced in the Classical and Hellenistic periods. Due to the lack of architecture surviving intact, not many are preserved. The most notable examples are a monumental Archaic 7th-century BC scene of гоплит combat from inside a temple at Kalapodi (near Фивы ), and the elaborate frescoes from the 4th-century "Grave of Phillipp" and the "Tomb of Persephone" at Вергина в Македония, or the tomb at Агиос Афанасиос, Салоники, sometimes suggested to be closely linked to the high-quality panel paintings mentioned above.

Greek wall painting tradition is also reflected in contemporary grave decorations in the Греческие колонии в Италия, например the famous Могила ныряльщика в Пестум. Some scholars suggest that the celebrated Roman frescoes at sites like Помпеи are the direct descendants of Greek tradition, and that some of them copy famous panel paintings.

Эллинистический греческий терракота funerary настенные рисунки, 3rd century BC
Reconstructed colour scheme of the антаблемент на Дорический храм

Polychromy: painting on statuary and architecture

Traces of paint depicting embroidered patterns on the пеплос of an Archaic Корея, Музей Акрополя

Much of the figural or architectural sculpture of ancient Greece was painted colourfully. This aspect of Greek stonework is described as полихромия (из Греческий πολυχρωμία, πολύ = many and χρώμα = colour). Due to intensive weathering, polychromy on sculpture and architecture has substantially or totally faded in most cases.

Хотя слово полихромия is created from the combining of two Greek words, it was not used in ancient Greece. The term was coined in the early nineteenth century by Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy.[111]

Архитектура

Painting was also used to enhance the visual aspects of architecture. Certain parts of the superstructure of Greek temples were habitually painted since the Archaic period. Such architectural polychromy could take the form of bright colours directly applied to the stone (evidenced e.g. on the Парфенон, or of elaborate patterns, frequently architectural members made of terracotta (Archaic examples at Олимпия и Delphi ). Sometimes, the terracottas also depicted figural scenes, as do the 7th-century BC terracotta метопы из Термон.[112]

Reconstructed colour scheme on a Trojan archer from the Храм Афайи, Эгина.

Скульптура

Most Greek sculptures were painted in strong and bright colors; this is called "полихромия ". The paint was frequently limited to parts depicting clothing, hair, and so on, with the skin left in the natural color of the stone or bronze, but it could also cover sculptures in their totality; female skin in marble tended to be uncoloured, while male skin might be a light brown. The painting of Greek sculpture should not merely be seen as an enhancement of their sculpted form, but has the characteristics of a distinct style of art.[113]

For example, the pedimental sculptures from the Храм Афайи на Эгина have recently been demonstrated to have been painted with bold and elaborate patterns, depicting, amongst other details, patterned clothing. The polychromy of stone statues was paralleled by the use of different materials to distinguish skin, clothing and other details in chryselephantine sculptures, and by the use of different metals to depict lips, fingernails, etc. on high-quality bronzes like the Риаче бронзы.[113]

Vase painting

The most copious evidence of ancient Greek painting survives in the form of ваза картины. These are described in the "керамика " section above. They give at least some sense of the эстетика of Greek painting. The techniques involved, however, were very different from those used in large-format painting. The same probably applies to the subject matter depicted. Vase painters appear to have usually been specialists within a pottery workshop, neither painters in other media nor potters. It should also be kept in mind that vase painting, albeit by far the most conspicuous surviving source on ancient Greek painting, was not held in the highest regard in antiquity, and is never mentioned in Classical literature.[114]

Мозаика

В Мозаика охоты на оленя, late 4th century BC, from Пелла; the figure on the right is possibly Александр Великий due to the date of the mosaic along with the depicted upsweep of his centrally-parted hair (anastole); the figure on the left wielding a double-edged axe (associated with Гефест ) is perhaps Гефестион, one of Alexander's loyal companions.[115]
Unswept Floor, Roman copy of the mosaic by Sosus of Pergamon
A domestic floor мозаика изображающий Афина, из the "Jewellery Quarter" из Делос, Greece, late 2nd or early 1st century BC

Мозаика were initially made with rounded pebbles, and later glass with тессеры which gave more colour and a flat surface. They were popular in the Hellenistic period, at first as decoration for the floors of palaces, but eventually for private homes.[116] Often a central emblema picture in a central panel was completed in much finer work than the surrounding decoration.[117] Xenia motifs, where a house showed examples of the variety of foods guests might expect to enjoy, provide most of the surviving specimens of Greek натюрморт. In general mosaic must be considered as a secondary medium copying painting, often very directly, as in the Alexander Mosaic.[118]

В Unswept Floor к Sosus of Pergamon (c. 200 BC) was an original and famous trompe-l'œil piece, known from many Greco-Roman copies. В соответствии с Джон Бордман, Sosus is the only mosaic artist whose name has survived; его Голуби are also mentioned in literature and copied.[119] Тем не мение, Кэтрин М. Д. Дунбабин asserts that two different mosaic artists left their signatures on мозаики Делоса.[120] The artist of the 4th-century BC Мозаика охоты на оленя perhaps also left his signature as Гнозис, although this word may be a reference to the abstract concept of knowledge.[121]

Mosaics are a significant element of surviving македонский art, with a large number of examples preserved in the ruins of Пелла, древний Macedonian capital, в сегодняшней Центральная Македония.[122] Mosaics such as the "Stag Hunt Mosaic and Lion Hunt" mosaic demonstrate illusionist and three dimensional qualities generally found in Hellenistic paintings, although the rustic Macedonian pursuit of hunting is markedly more pronounced than other themes.[123] The 2nd-century-BC mosaics of Делос, Greece were judged by Франсуа Шаму as representing the pinnacle of Hellenistic mosaic art, with similar styles that continued throughout the Римский период and perhaps laid the foundations for the widespread use of mosaics in the западный мир через Средний возраст.[116]

Гравированные драгоценные камни

Apollonios of Athens, gold ring with portrait in гранат, c. 220 г. до н.э.

В гравированный драгоценный камень was a luxury art with high prestige; Помпей и Юлий Цезарь were among later collectors.[126] The technique has an ancient tradition in the Ближний Восток, и цилиндровые уплотнения, whose design only appears when rolled over damp clay, from which the flat ring type developed, spread to the Minoan world, including parts of Греция и Кипр. The Greek tradition emerged under Minoan influence on mainland Элладский culture, and reached an apogee of subtlety and refinement in the Hellenistic period.[127]

Round or oval Greek gems (along with similar objects in bone and ivory) are found from the 8th and 7th centuries BC, usually with animals in energetic geometric poses, often with a border marked by dots or a rim.[128] Early examples are mostly in softer stones. Gems of the 6th century are more often oval,[129] с скарабей back (in the past this type was called a "scarabaeus"), and human or divine figures as well as animals; the scarab form was apparently adopted from Финикии.[130]

The forms are sophisticated for the period, despite the usually small size of the gems.[94] In the 5th century gems became somewhat larger, but still only 2–3 centimetres tall. Despite this, very fine detail is shown, including the eyelashes on one male head, perhaps a portrait. Four gems signed by Dexamenos of Хиос are the finest of the period, two showing цапли.[131]

Relief carving became common in 5th century BC Greece, and gradually most of the spectacular carved gems were in relief. Generally a relief image is more impressive than an intaglio one; in the earlier form the recipient of a document saw this in the impressed sealing wax, while in the later reliefs it was the owner of the seal who kept it for himself, probably marking the emergence of gems meant to be collected or worn as украшения подвески in necklaces and the like, rather than used as seals – later ones are sometimes rather large to use to seal letters. However inscriptions are usually still in reverse ("mirror-writing") so they only read correctly on impressions (or by viewing from behind with transparent stones). This aspect also partly explains the collecting of impressions in plaster or wax from gems, which may be easier to appreciate than the original.

Больше резьба по камню и камеи, which are rare in intaglio form, seem to have reached Greece around the 3rd century; то Фарнезе Тазза is the only major surviving Hellenistic example (depending on the dates assigned to the Камея Гонзага и Чаша Птолемеев ), but other glass-paste imitations with portraits suggest that gem-type cameos were made in this period.[132] The conquests of Alexander had opened up new trade routes to the Greek world and increased the range of gemstones available.[133]

Орнамент

A typical variety of ornamental motifs on an Attic vase of c. 530.

The synthesis in the Archaic period of the native repertoire of simple geometric motifs with imported, mostly plant-based, motifs from further east created a sizeable vocabulary of ornament, which artists and craftsmen used with confidence and fluency.[134] Today this vocabulary is seen above all in the large corpus of painted pottery, as well as in architectural remains, but it would have originally been used in a wide range of media, as a later version of it is used in European Неоклассицизм.

Elements in this vocabulary include the geometrical меандр or "Greek key", яйцо и дротик, bead and reel, Vitruvian scroll, гильоше, and from the plant world the stylized листья аканта, спираль, пальметта and half-palmette, plant scrolls of various kinds, розетка, цветок лотоса, и papyrus flower. Originally used prominently on Archaic vases, as figurative painting developed these were usually relegated to serve as borders demarcating edges of the vase or different zones of decoration.[135] Greek architecture was notable for developing sophisticated conventions for using молдинги and other architectural ornamental elements, which used these motifs in a harmoniously integrated whole.

Even before the Classical period, this vocabulary had influenced Celtic art, and the expansion of the Greek world after Alexander, and the export of Greek objects still further afield, exposed much of Евразия to it, including the regions in the north of the Indian subcontinent where Buddhism was expanding, and creating Греко-буддийское искусство. As Buddhism spread across Центральная Азия to China and the rest of Восточная Азия, in a form that made great use of religious art, versions of this vocabulary were taken with it and used to surround images of buddhas and other religious images, often with a size and emphasis that would have seemed excessive to the ancient Greeks. The vocabulary was absorbed into the ornament of India, China, Persia and other Asian countries, as well as developing further in Византийское искусство.[136] The Romans took over the vocabulary more or less in its entirety, and although much altered, it can be traced throughout European средневековое искусство, especially in plant-based ornament.

Исламское искусство, where ornament largely replaces figuration, developed the Byzantine plant scroll into the full, endless arabesque, и особенно от Mongol conquests of the 14th century received new influences from China, including the descendants of the Greek vocabulary.[137] From the Renaissance onwards, several of these Asian styles were represented on textiles, фарфор and other goods imported into Europe, and influenced ornament there, a process that still continues.

Другое искусство

Left: A Эллинистическое стекло амфора excavated from Ольвия, Сардиния, dated to the 2nd century BC
Правильно: Эллинистический сатир who wears a rustic перизома (набедренная повязка) and carries a pedum (shepherd's crook). Ivory appliqué, probably for furniture.

Although glass was made in Cyprus by the 9th century BC, and was considerably developed by the end of the period, there are only a few survivals of glasswork from before the Greco-Roman period that show the artistic quality of the best work.[138] Most survivals are small perfume bottles, in fancy coloured "feathered" styles similar to other Mediterranean glass.[139] Эллинистическое стекло became cheaper and accessible to a wider population.

No Greek furniture has survived, but there are many images of it on vases and memorial reliefs, for example that to Hegeso. It was evidently often very elegant, as were the styles derived from it from the 18th century onwards. Some pieces of carved ivory that were used as inlays have survived, as at Vergina, and a few ivory carvings; this was a luxury art that could be of very fine quality.[140]

It is clear from vase paintings that the Greeks often wore elaborately patterned clothes, and skill at weaving was the mark of the respectable woman. Two luxurious pieces of cloth survive, from the tomb of Филипп Македонский.[141] There are numerous references to decorative hangings for both homes and temples, but none of these have survived.

Diffusion and legacy

Греко-буддийский frieze of Гандхара with devotees, holding подорожник leaves, in Hellenistic style, inside Коринфские колонны, 1st–2nd century AD, Buner, Swat, Пакистан, Музей Виктории и Альберта

Ancient Greek art has exercised considerable influence on the culture of many countries all over the world, above all in its treatment of the human figure. In the West Greek architecture was also hugely influential, and in both East and West the influence of Greek decoration can be traced to the modern day. Этрусский и Римское искусство were largely and directly derived from Greek models,[142] and Greek objects and influence reached into Кельтское искусство north of the Alps,[143] as well as all around the Mediterranean world and into Persia.[144]

In the East, Александр Великий 's conquests initiated several centuries of exchange between Greek, Central Asian and Indian cultures, which was greatly aided by the spread of буддизм, which early on picked up many Greek traits and motifs in Греко-буддийское искусство, which were then transmitted as part of a cultural package to Восточная Азия, даже насколько Япония, among artists who were no doubt completely unaware of the origin of the motifs and styles they used.[145]

После эпоха Возрождения в Европе гуманист aesthetic and the high technical standards of Greek art inspired generations of European artists, with a major revival in the movement of Неоклассицизм which began in the mid-18th century, coinciding with easier access from Western Europe to Greece itself, and a renewed importation of Greek originals, most notoriously the Elgin Marbles from the Parthenon. Well into the 19th century, the классическая традиция derived from Greece dominated the art of the western world.[146]

Историография

Гипнос и Танатос carrying the body of Сарпедон из the battlefield из Трой; detail from an Attic white-ground лекитос, c. 440 BC.

The Hellenized Roman upper classes of the Late Republic and Early Empire generally accepted Greek superiority in the arts without many quibbles, though the praise of Плиний for the sculpture and painting of pre-Hellenistic artists may be based on earlier Greek writings rather than much personal knowledge. Pliny and other classical authors were known in the Renaissance, and this assumption of Greek superiority was again generally accepted. However critics in the Renaissance and much later were unclear which works were actually Greek.[147]

В составе Османская империя, Greece itself could only be reached by a very few western Europeans until the mid-18th century. Not only the Greek vases found in the Etruscan cemeteries, but also (more controversially) the Greek temples of Paestum were taken to be Etruscan, or otherwise Italic, until the late 18th century and beyond, a misconception prolonged by Italian nationalist sentiment.[147]

Сочинения Иоганн Иоахим Винкельманн, especially his books Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture (1750) and Geschichte der Kunst des Alterthums ("History of Ancient Art", 1764) were the first to distinguish sharply between ancient Greek, Etruscan, and Roman art, and define periods within Greek art, tracing a trajectory from growth to maturity and then imitation or decadence that continues to have influence to the present day.[148]

The full disentangling of Greek statues from their later Roman copies, and a better understanding of the balance between Greekness and Roman-ness in Greco-Roman art was to take much longer, and perhaps still continues.[149] Greek art, especially sculpture, continued to enjoy an enormous reputation, and studying and copying it was a large part of the training of artists, until the downfall of Академическое искусство в конце 19 века. During this period, the actual known corpus of Greek art, and to a lesser extent architecture, has greatly expanded. В study of vases developed an enormous literature in the late 19th and 20th centuries, much based on the identification of the hands of individual artists, with Sir Джон Бизли the leading figure. This literature generally assumed that vase-painting represented the development of an independent medium, only in general terms drawing from stylistic development in other artistic media. Это предположение все чаще подвергалось сомнению в последние десятилетия, и некоторые ученые теперь рассматривают его как вторичный носитель, в основном представляющий дешевые копии утраченных металлических изделий, и большая часть их сделана не для обычного использования, а для хранения в захоронениях.[150]

Смотрите также

Часть серия на
История греческого искусства
Николаос Гизис - Historia.png
Греческий бронзовый век
Древняя Греция
Средневековая Греция
Поствизантийская Греция
Современная Греция
История древнего искусства
Средний Восток
Азия
Европейская предыстория
Классическое искусство

Примечания

  1. ^ Бордман, 3–4; Повар, 1–2
  2. ^ Повара, 12
  3. ^ Повар, 14–18 лет
  4. ^ Афина в эгиде, фрагмент сцены, изображающей Геракла и Иолая в сопровождении Афины, Аполлона и Гермеса. Живот Чердак чернофигурная гидрия, Кабинет медалей, Париж, инв. 254.
  5. ^ Аполлон в лавровом или миртовом венке, белом пеплосе и красном гиматии и сандалиях, восседающий на дифросе с львиными лапами; в левой руке он держит кифару, а правой делает возлияние. Перед ним черная птица, идентифицированная как голубь, галка, ворона (что может намекать на его роман с Коронисом) или ворон (птица-мантик). Тондо чердакского киликса с белым грунтом, приписываемого Художнику Пистоксеносу (или Берлинскому Художнику, или Онисиму). Диам. 18 см (7 дюймов)
  6. ^ Домашняя страница из Corpus vasorum antiquorum, по состоянию на 16 мая 2016 г.
  7. ^ а б Повар, 24–26 лет
  8. ^ Повар, 27–28; Бордман, 26, 32, 108–109; Вудфорд, 12
  9. ^ Предисловие к Древнегреческая керамика (Эшмоловские справочники) Майкла Виккерса (1991)
  10. ^ Бордман, 86 лет, цитируется
  11. ^ Повар, 24–29 лет
  12. ^ Повар, 30, 36, 48–51
  13. ^ Повар, 37–40, 30, 36, 42–48
  14. ^ Повар, 29; Вудворд, 170
  15. ^ Бордман, 27; Повар, 34–38; Уильямс, 36, 40, 44; Вудфорд, 3–6
  16. ^ Повар, 38–42; Уильямс, 56
  17. ^ Вудфорд, 8–12; Повар, 42–51
  18. ^ Вудфорд, 57–74; Повар, 52–57
  19. ^ Бордман, 145–147; Повар, 56-57
  20. ^ Trendall, Артур Д. (апрель 1989 г.). Красные фигурные вазы Южной Италии: Справочник. Темза и Гудзон. п. 17. ISBN  978-0500202258.
  21. ^ Бордман, 185–187
  22. ^ Бордман, 150; Повар, 159; Уильямс, 178
  23. ^ Повар, 160
  24. ^ Повар, 161–163
  25. ^ Бордман, 64–67; Карузоу, 102
  26. ^ Карузо, 114–118; Повар, 162–163; Бордман, 131–132
  27. ^ Повара, 159
  28. ^ Кук, 159, цитируется
  29. ^ Расмуссен, xiii. Однако, поскольку металлические сосуды не сохранились, «такое отношение далеко не уведет».
  30. ^ Соудер, Эми. «Древнегреческие бронзовые сосуды» в хронике истории искусств Хайльбруна. Нью-Йорк: Музей Метрополитен, 2000–. онлайн (Апрель 2008 г.)
  31. ^ Повар, 162; Бордман, 65–66
  32. ^ Бордман, 185–187; Повара, 163
  33. ^ Бордман, 131–132, 150, 355–356
  34. ^ Бордман, 149–150
  35. ^ Бордман, 131, 187; Уильямс, 38–39, 134–135, 154–155, 180–181, 172–173
  36. ^ Бордман, 148; Уильямс, 164–165
  37. ^ Бордман, 131–132; Уильямс, 188–189, в качестве примера, сделанного для иберийского кельтского рынка.
  38. ^ Ритон. Верхняя часть роскошного сосуда, используемого для питья вин, изготовлена ​​из серебряной пластины с позолоченным краем с рельефной веткой плюща. Нижняя часть идет в литом коне Протома. Работа греческого мастера, вероятно, для фракийского аристократа. Возможно, Фракия, конец 4 века до нашей эры. NG Prague, Kinský Palace, NM-HM10 1407.
  39. ^ Повар, 19
  40. ^ Вудфорд, 39–56
  41. ^ Повар, 82–85
  42. ^ Смит, 11
  43. ^ Повар, 86–91, 110–111.
  44. ^ Повар, 74–82
  45. ^ Кеннет Д. С. Лапатин. Скульптура хризелефантина в древнем средиземноморском мире. Издательство Оксфордского университета, 2001. ISBN  0-19-815311-2
  46. ^ Повар, 74–76
  47. ^ Бордман, 33–34
  48. ^ Повар, 99; Вудфорд, 44, 75
  49. ^ Повар, 93
  50. ^ Бордман, 47–52; Повар, 104–108; Вудфорд, 38–56
  51. ^ Бордман, 47–52; Повар, 104–108; Вудфорд, 27–37
  52. ^ Бордман, 92–103; Повар, 119–131; Вудфорд, 91–103, 110–133
  53. ^ Таннер, Джереми (2006). Изобретение истории искусства в Древней Греции: религия, общество и художественная рационализация. Издательство Кембриджского университета. п. 97. ISBN  9780521846141.
  54. ^ CAHN, HERBERT A .; ГЕРИН, ДОМИНИК (1988). «Фемистокл в Магнезии». Нумизматическая хроника (1966-). 148: 19. JSTOR  42668124.
  55. ^ Бордман, 111–120; Повар, 128; Вудфорд, 91–103, 110–127
  56. ^ Бордман, 135, 141; Повар, 128–129, 140; Вудфорд, 133
  57. ^ Вудфорд, 128–134; Бордман, 136–139; Повар, 123–126
  58. ^ Бордман, 119; Вудфорд, 128–130
  59. ^ Смит, 7, 9
  60. ^ Смит, 11, 19–24, 99
  61. ^ Смит, 14–15, 255–261, 272
  62. ^ Смит, 33–40, 136–140
  63. ^ Смит, 127–154
  64. ^ Смит, 77–79
  65. ^ Смит, 99–104; Фото На коленях юный галл, Лувр
  66. ^ Смит, 104–126
  67. ^ Смит, 240–241
  68. ^ Смит, 258–261
  69. ^ Смит, 206, 208-209
  70. ^ Смит, 210
  71. ^ Смит, 205
  72. ^ "Колокол идол", Лувр
  73. ^ Уильямс, 182, 198–201; Бордман, 63–64; Смит, 86
  74. ^ Уильямс, 42, 46, 69, 198
  75. ^ Повар, 173–174
  76. ^ Повар, 178, 183–184.
  77. ^ Повар, 178–179
  78. ^ Повар, 184–191; Бордман, 166–169
  79. ^ Повара, 186
  80. ^ Повар, 190–191 гг.
  81. ^ Повар, 241–244
  82. ^ Бордман, 169–171
  83. ^ Повар, 185–186
  84. ^ Повар, 179–180, 186
  85. ^ Кук, 193–238 дает исчерпывающее резюме.
  86. ^ Повар, 191–193
  87. ^ Повар, 211–214
  88. ^ Повара, 218
  89. ^ Бордман, 159–160, 164–167
  90. ^ другая реконструкция
  91. ^ Хоуджего, 1–2
  92. ^ а б Повар, 171–172
  93. ^ Хоуджего, 44–46, 48–51
  94. ^ а б Бордман, 68–69
  95. ^ «Редкая серебряная фракция, недавно идентифицированная как монета Фемистокла из Магнезии, даже имеет бородатый портрет великого человека, что делает ее самой ранней датируемой портретной монетой. Другие ранние портреты можно увидеть на монетах ликийских династий». Каррадиче, Ян; Цена, Мартин (1988). Чеканка в греческом мире. Сиби. п. 84. ISBN  9780900652820.
  96. ^ Хоуджего, 63–67
  97. ^ Уильямс, 112
  98. ^ Роджер Линг, «Греция и эллинистический мир»
  99. ^ Повар, 22, 66
  100. ^ 24-летний Кук говорит, что более 1000 художников по вазам определили свой стиль
  101. ^ Повар, 59–70 лет
  102. ^ Кук, 59–69, цитируется 66
  103. ^ Босток, Джон. "Естественная история". Персей. Университет Тафтса. Получено 23 марта 2017.
  104. ^ Леонард Уибли, Компаньон греческих исследований 3-е изд. 1916, стр. 329.
  105. ^ Повар, 61 год;
  106. ^ Бордман, 177–180
  107. ^ Бордман, 174–177
  108. ^ Бордман, 338–340; Уильямс, 333
  109. ^ Коэн, 28 лет
  110. ^ Христопулос, Лукас (август 2012 г.). Майр, Виктор Х. (ред.). «Эллины и римляне в Древнем Китае (240 г. до н.э. - 1398 г. н.э.)» (PDF). Синоплатонические статьи. Университет Пенсильвании, факультет языков и цивилизаций Восточной Азии (230): 15–16. ISSN  2157-9687.
  111. ^ Сабатини, Паоло. «Антуан Хризостом Кватремер де Куинси (1755-1849) и новое открытие полихромии в греческой архитектуре: цветовые методы и археологические исследования на страницах« Зевса Олимпийского »."" (PDF).
  112. ^ Повар, 182–183
  113. ^ а б Вудфорд, 173–174; Повар, 75–76, 88, 93–94, 99
  114. ^ Повар, 59–63
  115. ^ См .: Chugg, Andrew (2006). Любовники Александра. Роли, Северная Каролина: Лулу. ISBN  978-1-4116-9960-1, стр 78-79.
  116. ^ а б Шаму, 375
  117. ^ Бордмана, 154
  118. ^ Бордман, 174–175, 181–185
  119. ^ Бордман, 183–184
  120. ^ Дунбабина, 33
  121. ^ Коэн, 32 года
  122. ^ Хардиман, 517
  123. ^ Хардиман, 518
  124. ^ Палагия, Ольга (2000). «Костер Гефестиона и королевская охота Александра». В Босворте, A.B .; Бэйнхэм, Э.Дж. (ред.). Александр Македонский в фактах и ​​вымысле. Издательство Оксфордского университета. п. 185. ISBN  9780198152873.
  125. ^ Флетчер, Джоанн (2008). Клеопатра Великая: женщина, стоящая за легендой. Нью-Йорк: Харпер. ISBN  978-0-06-058558-7, электронные изображения и подписи между стр. 246–247.
  126. ^ для Цезаря: De Vita Caesarum, Divus Iulius, (Жития Цезарей, Обожествленный Юлий), Фордхэм онлайн текст; для Помпея: главы 4–6 книги 37 Естественная история из Плиний Старший дать краткое изложение истории искусства греческой и римской традиции и римского коллекционирования
  127. ^ Бордман, 39, 67–68, 187, 350
  128. ^ Бордман, 39 Подробнее см. Бизли.
  129. ^ «Линзовидные» или «чечевицеобразные» драгоценные камни имеют форму линза.
  130. ^ Бизли, Поздние архаические греческие драгоценные камни: введение.
  131. ^ Бордман, 129–130
  132. ^ Бордман, 187–188
  133. ^ Бизли, "Эллинистические жемчужины: введение"
  134. ^ Повар, 39–40 лет
  135. ^ Роусон, 209–222; Повар, 39
  136. ^ Rawson, везде, но для быстрой справки: 23, 27, 32, 39–57, 75–77.
  137. ^ Роусон, 146–163, 173–193
  138. ^ Уильямс, 190
  139. ^ Уильямс, 214
  140. ^ Бордман, 34, 127, 150
  141. ^ Бордмана, 150
  142. ^ Бордман, 349–353; Повар, 155–156; Уильямс, 236–248
  143. ^ Бордман, 353–354
  144. ^ Бордман, 354–369
  145. ^ Бордман, 370–377
  146. ^ Повар, 157–158
  147. ^ а б Чезерани, Джованна (2012). Затерянная Греция в Италии: Великая Греция и становление современной археологии. Издательство Оксфордского университета. С. 49–66. ISBN  978-0-19-987679-2.
  148. ^ Честь, 57–62
  149. ^ Видеть Классическое искусство от Греции до Рима Джона Хендерсона и Мэри Бирд, 2001), ISBN  0-19-284237-4; Честь, 45–46
  150. ^ См. Расмуссен, «Принятие подхода» Мартина Робертсона и Мэри Бирд, а также предисловие к Древнегреческая керамика (Эшмоловские справочники) Майкла Виккерса (1991)

Рекомендации

  • "Бизли" Центр исследований классического искусства Оксфордского университета. Бизли Архив - Обширный сайт о классических драгоценных камнях; заголовки страниц, используемые как ссылки
  • Бордман, Джон изд., Оксфордская история классического искусства, Oxford University Press, 1993, ISBN  0198143869
  • Бернетт, Эндрю, Монеты; Интерпретация прошлого, Калифорнийский университет / Британский музей, 1991 г., ISBN  0520076281
  • Шаму, Франсиос, Эллинистическая цивилизация, переведено Мишелем Русселем, Oxford: Blackwell Publishing, 2002 [1981], ISBN  0631222421.
  • Коэн, Ада, Искусство эпохи Александра Македонского: парадигмы мужественности и их культурные традиции, Нью-Йорк: Издательство Кембриджского университета, 2010 г. ISBN  9780521769044
  • Кук, Р., Греческое искусство, Пингвин, 1986 (перепечатка 1972 г.), ISBN  0140218661
  • Дунбабин, Катерина, М., Мозаики греческого и римского мира, Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 1999, ISBN  0521002303
  • Хардиман, Крейг И. (2010). «Классическое искусство до 221 года до нашей эры», Ин Ройсман, Джозеф; Уортингтон, Ян, Спутник Древней Македонии, Оксфорд: Wiley-Blackwell, 2010 г., ISBN  9781405179362.
  • Честь, Хью, Неоклассицизм. Стиль и цивилизация 1968 (переиздано 1977), Penguin
  • Хаугего, Кристофер, Древняя история из монет, Рутледж, 1995, ISBN  041508993X
  • Карузо, Семни, Национальный музей: иллюстрированный путеводитель по музею (Нью-Мексико, Афины), 1980, Ekdotike Athenon S.A., ISBN  9789602130049 (более поздняя редакция)
  • Расмуссен, Том, Спайви, Найджел, ред., Глядя на греческие вазы, 1991, Издательство Кембриджского университета, ISBN  9780521376792, книги Google
  • Роусон, Джессика, Китайский орнамент: лотос и дракон, 1984, Публикации Британского музея, ISBN  0714114316
  • Смит, Р. Р. Р., Эллинистическая скульптура, справочник, Темза и Гудзон, 1991 г., ISBN  0500202494
  • Уильямс, Дайфри. Шедевры классического искусства, 2009, Издательство Британского музея, ISBN  9780714122540
  • Вудфорд, Сьюзен, Введение в греческое искусство, 1986, Дакворт, ISBN  9780801419942
  • Греция: от Микен до Парфенона, Анри Стирлен, ТАШЕН, 2004

дальнейшее чтение

  • Шанкс, Майкл (1999). Искусство и греческий город-государство. Кембридж: Издательство Кембриджского университета. ISBN  0 521 56117 5.
  • Бетанкур, Филип П. Введение в эгейское искусство. Филадельфия: INSTAP Academic Press, 2007.
  • Гори, Лусилла. Эллинистическое искусство: от Александра Македонского до Августа. Лос-Анджелес: Музей Дж. Пола Гетти, 2004.
  • Колдстрим, Дж. Н. Геометрическая Греция: 900-700 гг. До н.э.. 2-е изд. Лондон: Рутледж, 2003.
  • Дженкинс, Йен, Селеста Фардж и Виктория Тернер. Определение красоты: тело в древнегреческом искусстве. Лондон: Британский музей, 2015.
  • Лэнгдон, Сьюзен Хелен. Искусство и самобытность в Греции темных веков, 1100--700 гг. До н. Э. Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 2008.
  • Линг, Роджер. Создание классического искусства: процесс и практика. Страуд, Глостершир: Темпус, 2000.
  • Мун, Уоррен Г. Древнегреческое искусство и иконография. Мэдисон: Висконсинский университет Press, 1983.
  • Педли, Джон Гриффитс. Греческое искусство и археология. 5-е изд. Верхняя Сэдл Ривер, Нью-Джерси: Prentice Hall, 2012.
  • Планцос, Димитрис. Эллинистические гравированные драгоценные камни. Оксфорд: Clarendon Press, 1999.
  • Поллитт, Дж. Дж. Искусство в эпоху эллинизма. Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 1986.
  • --. Искусство и опыт классической Греции. Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 1972.
  • Смит, Тайлер Джо и Димитрис Планцос. Соратник греческого искусства. Сомерсет: Уайли, 2012.
  • Стюарт, Эндрю Ф. Классическая Греция и зарождение западного искусства. Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 2008.
  • Ятроманолакис, Димитриос. Эпиграфия искусства: древнегреческие вазы-надписи и вазы-картины. Оксфорд: Археопресс, 2016.

внешняя ссылка

Библиотечные ресурсы о
Древнегреческое искусство