Барокко - Baroque

Для использования в других целях см. Барокко (значения).

Барокко
WLA metmuseum Venus and Adonis, Питер Пауль Рубенс.jpg
Экстаз Святой Терезы HDR.jpg
Wieskirche 1.2.jpg
Вершина: Венера и Адонис к Питер Пауль Рубенс (1635–40); Центр: Экстаз Святой Терезы к Бернини (1651); Внизу: Wieskirche в Баварии (1754 г.)
Активные годы17–18 вв.

В Барокко (Великобритания: /бəˈрɒk/, нас: /бəˈрoʊk/; Французский:[baʁɔk]) это стиль из архитектура, Музыка, танцевать, картина, скульптура и другие искусства, процветавшие в Европе с начала 17 века до 1740-х годов. На территориях Испанской и Португальской империй, включая Пиренейский полуостров, он продолжался вместе с новыми стилями до первого десятилетия 1800-х годов. Это последовало Искусство эпохи Возрождения и Маньеризм и предшествовал Рококо (в прошлом его часто называли «поздним барокко») и Неоклассический стили. Это было поощрено католическая церковь как средство противостояния простоте и строгости Протестантский архитектура, искусство и музыка, хотя Лютеранское барокко также были развиты в некоторых частях Европы.[1]

В стиле барокко использовались контраст, движение, яркие детали, глубокий цвет, величие и неожиданность, чтобы вызвать чувство благоговения. Стиль зародился в начале 17 века в Риме, затем быстро распространился во Франции, северной Италии, Испании и Португалии, затем в Австрии, южной Германии и России. К 1730-м годам он превратился в еще более яркий стиль, получивший название рокайль или же Рококо, который появился во Франции и Центральной Европе до середины-конца 18 века.

в декоративное искусство, стиль отличается обильным и сложным орнаментом. Отход от классицизма Возрождения в каждой стране происходит по-своему. Но общая особенность в том, что везде отправной точкой являются элементы орнамента, внесенные эпоха Возрождения. Классический репертуар переполнен, плотен, перекрывается, нагружен, чтобы вызвать шоковые эффекты. Новые мотивы, представленные в стиле барокко: картуш, трофеи и оружие, корзины с фруктами или цветами и прочее, изготовленное в маркетри, лепнина, или резной.[2]

Происхождение слова

Подвеска в виде сирены, сделанная из барочная жемчужина (туловище) с эмалированными золотыми опорами, украшенными рубинами, вероятно, около 1860 г., в Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

Английское слово барокко поступает прямо из Французский (как можно было бы предположить в соответствии с современной стандартной орфографией на английском языке). Некоторые ученые утверждают, что французское слово произошло от португальского термина Barroco («испорченная жемчужина»), указывая на[требуется разъяснение ] латинский Verruca,[3] ("бородавка"), или к слову с суффиксом -ǒccu (распространен в доримской Иберии).[4][5][6] Другие источники предполагают Средневековая латынь термин, используемый в логике, бароко, как наиболее вероятный источник.[7]

В XVI веке средневековое латинское слово бароко вышел за рамки схоластической логики и стал использоваться для характеристики всего, что казалось абсурдно сложным. Французский философ Мишель де Монтень (1533–1592) ассоциировали термин бароко с «Причудливым и бесполезно сложным».[8] Другие ранние источники связывают бароко с магией, сложностью, беспорядком и излишеством.[7]

Слово барокко до XVIII века также ассоциировался с жемчугом неправильной формы. Французский барокко и португальский Barroco были термины, часто связанные с драгоценностями. Пример из 1531 года использует термин для описания жемчуга в инвентаре Карл V Франции с[требуется разъяснение ] сокровища.[9] Позже это слово появляется в издании 1694 г. Le Dictionnaire de l'Académie Française, который описывает барокко как «используется только для жемчуга неправильной круглой формы».[10] В португальском словаре 1728 г. Barroco как относящийся к «грубой и неровной жемчужине».[11]

Альтернативное происхождение слова барокко указывает на имя итальянского художника Федерико Бароччи (1528–1612).[12]

В 18 веке этот термин начали использовать для описания музыки, причем не в очень лестной форме. В анонимной сатирической рецензии на премьеру Жан-Филипп Рамо с Ипполит и Ариси в октябре 1733 г., который был напечатан в Mercure de France В мае 1734 года критик писал, что новинка этой оперы - «дюбарок», жалуясь на то, что в музыке отсутствует связная мелодия, она не жалеет диссонансов, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы.[13]

В 1762 г. Le Dictionnaire de l'Académie Française записали, что этот термин может образно описать что-то «необычное, причудливое или неравное».[14]

Жан-Жак Руссо, который был музыкантом и композитором, а также философом, писал в 1768 году в Энциклопедия: "Музыка барокко - это музыка, в которой гармония смешана и наполнена модуляциями и диссонансами. Пение резкое и неестественное, интонация трудная, а движения ограничены. Похоже, что этот термин происходит от слова" бароко ", используемого логиками. . "[8][15]

В 1788 г. Quatremère de Quincy определил термин в Encyclopédie Méthodique как «архитектурный стиль, который сильно украшен и терзается».[16]

Французские термины стиль барокко и музыка барокко появился в Le Dictionnaire de l'Académie Française в 1835 г..[17] К середине 19 века искусствоведы и историки приняли термин «барокко» как способ высмеять искусство пост-ренессанса. В этом смысле слова в 1855 году использовал ведущий историк искусства. Джейкоб Буркхардт, который писал, что художники барокко «презирали и злоупотребляли деталями», потому что им не хватало «уважения к традициям».[18]

В 1888 г. искусствовед Генрих Вельфлин опубликовал первую серьезную академическую работу по стилю, Ренессанс и Барок, в котором описаны различия между живописью, скульптурой и архитектурой эпохи Возрождения и барокко.[19]

Архитектура: истоки и характеристики

Основная статья: Архитектура барокко
Quadratura или же trompe-l'œil потолок Церковь Джезу из Рима Джованни Баттиста Гаулли, с 1673 по 1678 г.[20]

Стиль архитектуры барокко был результатом доктрин, принятых католическая церковь на Совет Трента в 1545–1563 гг., в ответ на Протестантская реформация. Первый этап Контрреформация навязала строгий академический стиль религиозной архитектуре, который понравился интеллектуалам, но не массе прихожан. Совет Трента вместо этого решил обратиться к более популярной аудитории и объявил, что искусство должно передавать религиозные темы с прямым и эмоциональным участием.[21][22] Искусство лютеранского барокко развивалось как конфессиональный маркер идентичности в ответ на Великий иконоборчество из Кальвинисты.[23]

Церкви в стиле барокко были спроектированы с большим центральным пространством, где прихожане могли быть близко к алтарю, с куполом или куполом высоко над головой, позволяя свету освещать церковь внизу. Купол был одним из центральных символических элементов архитектуры барокко, иллюстрирующих союз между небом и землей. Внутренняя часть купола была щедро украшена картинами ангелов и святых и лепными статуэтками ангелов, производящих впечатление на тех, кто внизу смотреть на небеса.[24]Еще одной особенностью церквей в стиле барокко являются квадратура; trompe-l'œil картины на потолке в лепных рамах, настоящие или раскрашенные, заполненные картинами святых и ангелов и связанные архитектурными деталями с балюстрадами и консолями. Quadratura картины Атланты ниже карнизы, кажется, поддерживают потолок церкви. В отличие от расписных потолков Микеланджело в Сикстинской капелле, которые сочетали в себе разные сцены, каждая со своей собственной перспективой, которые можно было рассматривать по очереди, потолочные росписи в стиле барокко были тщательно созданы, чтобы зритель на полу церкви мог видеть весь потолок в правильной перспективе, как если бы фигуры были настоящими.

Интерьеры церквей в стиле барокко становились все более и более богатыми в стиле высокого барокко и сосредоточивались вокруг алтаря, обычно помещенного под куполом. Самыми известными декоративными произведениями барокко высокого барокко являются Председатель Святого Петра (1647–53) и Балдахино Святого Петра (1623–34), оба автора Джан Лоренцо Бернини, в Базилика Святого Петра в Риме. Балдекин святого Петра - образец баланса противоположностей в искусстве барокко; гигантские пропорции изделия при кажущейся легкости балдахина; и контраст между массивными витыми колоннами, бронзой, золотом и мрамором части с плавными драпировками ангелов на балдахине.[25] В Дрезденская церковь Фрауэнкирхе служит ярким примером искусства лютеранского барокко, которое было завершено в 1743 году по заказу лютеранского городского совета Дрездена и «наблюдатели восемнадцатого века сравнивали с собором Святого Петра в Риме».[1]

Витая колонна в интерьере церквей - одна из отличительных черт барокко. Это дает как ощущение движения, так и новый драматический способ отражения света. картуш было еще одной характерной чертой декора в стиле барокко. Это были большие бляхи, вырезанные из мрамора или камня, обычно овальные и с закругленной поверхностью, на которых были изображения или текст позолоченными буквами, и которые помещались в качестве внутреннего украшения или над дверными проемами зданий, доставляя сообщения тем, кто находился ниже. Они продемонстрировали широкий спектр изобретений и были обнаружены во всех типах зданий, от соборов и дворцов до небольших часовен.[26]

Иногда архитекторы в стиле барокко использовали вынужденная перспектива создавать иллюзии. Для Палаццо Спада в Риме Борромини использовал уменьшающиеся в размерах колонны, сужающийся пол и миниатюрную статую в саду за ним, чтобы создать иллюзию, что проход был длиной тридцать метров, тогда как на самом деле он был всего семь метров. Статуя в конце прохода выглядит в натуральную величину, хотя ее высота всего шестьдесят сантиметров. Борромини создал иллюзию с помощью математика.

Итальянское барокко

Основная статья: Итальянская архитектура барокко
Святой Игнатий из Рим (1626–1650)

Первым зданием в Риме с фасадом в стиле барокко было Церковь Джезу в 1584 г .; он был простым по стандартам более позднего барокко, но ознаменовал собой разрыв с предшествовавшими ему традиционными фасадами эпохи Возрождения. Интерьер этой церкви оставался очень строгим до периода высокого барокко, когда он был богато украшен.

В Риме в 1605 г. Павел V стал первым из серии папы которые заказывали базилики и церковные здания, призванные вызывать эмоции и трепет за счет множества форм, а также богатства цветов и драматических эффектов.[27] Среди самых влиятельных памятников раннего барокко был фасад Базилика Святого Петра (1606–1619), а также новый неф и лоджия, которые соединяли фасад с куполом Микеланджело в более ранней церкви. Новый дизайн создал резкий контраст между высоким куполом и непропорционально широким фасадом, а также контраст на самом фасаде между дорическими колоннами и огромной массой портика.[28]

В середине-конце 17 века этот стиль достиг своего расцвета, позже названного Высоким барокко. Многие монументальные работы были заказаны папами. Городской VIII и Александр VII. Скульптор и архитектор Джан Лоренцо Бернини спроектировал новую четырехместную колоннаду вокруг площади Святого Петра (1656–1667). Три галереи колонн в форме гигантского эллипса уравновешивают огромный купол и придают церкви и площади единство и ощущение гигантского театра.[29]

Санта-Мария-делла-Салюте в Венеция (1631–1687)

Еще одним крупным новатором итальянского высокого барокко был Франческо Борромини, основной работой которой была Церковь Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане или Святой Карл из четырех фонтанов (1634–46). Ощущение движения придает не украшение, а сами стены, волнообразные, а также вогнутые и выпуклые элементы, в том числе овальная башня и балкон, вставленные в вогнутую траверсу. Интерьер был столь же революционным; основное пространство церкви было овальным, под овальным куполом.[29]

Расписные потолки, заполненные ангелами, святыми и trompe-l'œil архитектурные эффекты были важной чертой итальянского высокого барокко. Включены основные работы Вход святого Игнация в рай к Андреа Поццо (1685–1695) в Церковь Святого Игнатия в Риме и Торжество имени Иисуса к Джованни Баттиста Гаулли в Церковь Джезу в Риме (1669–1683), где фигурировали фигуры, вырывающиеся из рамы, драматическое косое освещение и контрасты света и тьмы.[30]Стиль быстро распространился из Рима в другие регионы Италии: он появился в Венеции в церкви Санта-Мария-делла-Салюте (1631–1687) по Baldassare Longhena, весьма оригинальной восьмиугольной формы, увенчанной огромным куполом. Он появился также в Турине, особенно в Часовня Святой Плащаницы (1668–1694) по Гуарино Гуарини. Этот стиль также начал использоваться во дворцах; Гуарини разработал Палаццо Кариньяно в Турине, а Лонгена проектировал Ca 'Rezzonico на Гранд Канал, (1657), закончил Джорджио Массари с украшенными картинами Джованни Баттиста Тьеполо.[31] Серия сильных землетрясений в Сицилия потребовало перестройки большинства из них, а некоторые были построены в пышном стиле позднего барокко или рококо.

Испанское барокко

Основная статья: Испанская архитектура барокко
Башни собора Сантьяго-де-Компостела к Фернандо де Касас Новоа (1680 г. (центральная башня) и 1738–1750 гг.)

Католическая церковь в Испании, и особенно иезуиты, были движущей силой испанской архитектуры барокко. Первым крупным произведением в этом стиле была часовня Сан-Исидро в Мадрид, начатую в 1643 г. Педро де ла Торре. Он противопоставил чрезвычайное богатство орнамента снаружи и простоту интерьера, разделенного на несколько пространств и использующего световые эффекты, чтобы создать ощущение таинственности.[32] Собор в Сантьяго-де-Компостела был модернизирован серией пристроек в стиле барокко, начиная с конца 17 века, начиная с богато украшенной колокольни (1680 г.), а затем между двумя еще более высокими и богато украшенными башнями, названными Обрадорио, добавлено между 1738 и 1750 гг. Фернандо де Касас Новоа. Еще одна достопримечательность испанского барокко - часовня-башня Дворец Сан-Тельмо в Севилья к Леонардо де Фигероа.[33]

В Дворец Сан-Тельмо из Севилья (1682)

Гранада был освобожден от мавров только в 15 веке и имел свою собственную разновидность барокко. Живописец, скульптор и архитектор Алонсо Кано разработал барочный интерьер Гранадский собор между 1652 г. и его смертью в 1657 г. Он отличается резкими контрастами массивных белых колонн и золотого декора.

Самая декоративная и богато украшенная архитектура испанского барокко называется Churrigueresque стиль, названный в честь братьев Churriguera, который работал преимущественно в Саламанке и Мадриде. Их работы включают здания на главной площади города, Plaza Mayor в Саламанке (1729).[33] Этот очень декоративный стиль барокко оказал большое влияние на многие церкви и соборы, построенные испанцами в Америке.

Другие известные испанские барочные архитекторы позднего барокко включают Педро де Рибера, ученица Чурригера, спроектировавшего Королевский хоспис Сан-Фернандо в Мадриде, и Нарцисо Томе, создавший знаменитый El Transparente запрестольный образ на Толедский собор (1729–32), что при определенном освещении создает иллюзию парения вверх.[33]

Архитекторы испанского барокко оказали влияние далеко за пределами Испании; их работа оказала большое влияние на церкви, построенные в испанских колониях в Латинской Америке и на Филиппинах. Церковь, построенная иезуитами для колледжа в г. Тепоцотлан, с его богато украшенным фасадом и башней в стиле барокко, является хорошим примером.[34]

Центральная Европа и Рококо (1740–1770-е годы)

Основная статья: Рококо
Quadratura; расписной купол Андреа Поццо для Церковь иезуитов, Вена, создавая иллюзию взгляда вверх на небесные фигуры вокруг несуществующего купола (1703 г.)

С 1680 по 1750 год в Центральной Европе, Баварии, Австрии, Богемии и на юго-западе Польши было построено множество богато украшенных соборов, аббатств и паломнических церквей. Некоторые были в Рококо стиль, особый, более яркий и асимметричный стиль, возникший из барокко, затем вытеснивший его в Центральной Европе в первой половине 18 века, пока не был заменен классицизмом.[35]

Князья множества государств в этом регионе также выбрали барокко или рококо для своих дворцов и резиденций и часто использовали для их строительства архитекторов, получивших образование в Италии.[36] Среди известных архитекторов были Иоганн Фишер фон Эрлах, Лукас фон Хильдебрандт и Доминикус Циммерманн в Баварии, Бальтазар Нойман в Брюль, и Маттеус Даниэль Пёппельманн в Дрездене. В Пруссии, Фридрих II Прусский был вдохновлен Большой Трианон из Версальский Дворец, и использовал его как модель для своей дачи, Сан-Суси, в Потсдам, разработанный для него Георг Венцеслаус фон Кнобельсдорф (1745–1747). Еще одно произведение дворцовой архитектуры в стиле барокко - это Цвингер в Дрезден, бывшая оранжерея дворца герцогов Саксония в 18 веке.

Церковь Святого Николая (Мала Страна) из Прага (1704–1755)

Одним из лучших примеров церкви в стиле рококо является Basilika Vierzehnheiligen, или Базилика четырнадцати святых помощников, паломническая церковь, расположенная недалеко от города Бад-Стаффельштейн недалеко от Бамберга, в Бавария, южная Германия. Базилика была спроектирована Бальтазар Нойман и был построен между 1743 и 1772 годами, его план представляет собой серию пересекающихся кругов вокруг центрального овала с алтарем, расположенным точно в центре церкви. Интерьер этой церкви иллюстрирует вершину декора в стиле рококо.[37]Еще один известный пример стиля - Паломническая церковь Виса (Немецкий: Wieskirche). Его разработали братья Дж. Б. и Доминикус Циммерманн. Он расположен в предгорьях Альпы, в муниципалитете Steingaden в Weilheim-Schongau округ, Бавария, Германия. Строительство проходило между 1745 и 1754 годами, а интерьер был украшен фресками и лепниной в традициях древних времен. Школа Вессобруннера. Сейчас это объект Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Другой примечательный пример - Церковь Святого Николая (Мала Страна) в Праге (1704–55), построен Кристоф Динценгофер и его сын Килиан Игнац Динценхофер. Украшение покрывает все стены интерьера церкви. Алтарь расположен в нефе под центральным куполом и окружен часовнями. Свет спускается с купола наверху и из окружающих часовен. Алтарь полностью окружен арками, колоннами, изогнутыми балюстрадами и пилястрами из цветного камня, которые богато украшены скульптурами, что создает преднамеренное смешение между реальной архитектурой и убранством. Архитектура превращается в театр света, цвета и движения.[25]

В Польше вдохновленные итальянцами Польское барокко длилась с начала 17 до середины 18 века и подчеркивала богатство деталей и цвета. Первое здание в стиле барокко на территории современной Польши и, вероятно, одно из самых узнаваемых - это Церковь св. Петра и Павла в Краков, разработано Джованни Баттиста Тревано. Колонна Сигизмунда в Варшава Возведенный в 1644 году, был первым в мире памятником светского барокко, построенным в виде колонны.[38] Примером дворцового стиля резиденции является Вилянувский дворец, построенный между 1677 и 1696 годами.[39] Самый известный архитектор в стиле барокко, действовавший в Польше, был голландец Тильман ван Гамерен и его известные работы включают Варшаву Церковь Святого Казимежа и Дворец Красинских, Церковь Святой Анны в Кракове и Дворец Браницких в Белосток.[40] Однако самое знаменитое произведение польского барокко - это Церковь Фара в Познань, с подробностями по Помпео Феррари.

Французское барокко или Классицизм

Основная статья: Французская архитектура барокко
Фасад Palais Rohan из Страсбург (Франция) с видом на реку

Франция в значительной степени сопротивлялась богато украшенному стилю барокко Италии, Испании, Вены и остальной Европы. Стиль французского барокко (часто называемый Великий классицизм или просто Классицизм во Франции) тесно связана с работами, построенными для Людовик XIV и Людовик XV; в нем больше геометрического порядка и меры, чем в стиле барокко, и менее сложный декор фасадов и интерьеров. Людовик XIV пригласил мастера барокко Бернини представить проект нового крыла Лувра, но отклонил его в пользу более классического дизайна. Клод Перро и Луи Ле Вау.[41]

Версальский Дворец (начат Луи Ле Вау в 1661 г.)

Основными архитекторами стиля были Франсуа Мансар (Chateau de Balleroy, 1626–1636), Пьер Ле Муэ (Церковь Валь-де-Грас, 1645–1665), Луи Ле Вау (Во-ле-Виконт, 1657–1661) и особенно Жюль Ардуэн Мансар и Роберт де Котт, чья работа включала Galerie des Glaces и Большой Трианон в Версале (1687–1688). Мансарт был также ответственен за барочный классицизм Place Vendôme (1686–1699).[42]

Главным королевским проектом того периода было расширение Версальский Дворец, начатую в 1661 году Ле Вау с декором художника Шарль Лебрен. Сады были спроектированы Андре Ленотр специально для того, чтобы дополнить и усилить архитектуру. Galerie des Glaces (Зеркальный зал), центральное место в замке с картинами Ле Бруна, была построена между 1678 и 1686 годами. Мансар завершил Большой Трианон в 1687 году. Часовня, спроектированная де Коттом, была завершена в 1710 году. После смерти Людовика XIV Людовик XV добавил более интимный Petit Trianon и очень богато украшенный театр. Фонтаны в садах были спроектированы так, чтобы их было видно изнутри, и они добавляли драматического эффекта. Дворцом восхищались и копировали другие монархи Европы, особенно Петр Великий России, который посетил Версаль в начале правления Людовика XV, и построил свою собственную версию в Петергофский дворец под Санкт-Петербургом, между 1705 и 1725 годами.[43]

Португальское барокко

Слава Нептуна, Дворец Келуш, 1747

Архитектура барокко в Португалии просуществовала около двух столетий (конец семнадцатого века и восемнадцатый век). Царствование Джон V и Иосиф I увеличил импорт золота и алмазов в период, называемый королевским абсолютизмом, который позволил португальскому барокко процветать.

Архитектура барокко в Португалии занимает особое положение и отличается от остальной Европы.

Это обусловлено несколькими политическими, художественными и экономическими факторами, которые порождают несколько фаз, и различными видами внешних влияний, в результате чего получается уникальное сочетание:[44] часто неправильно понимаемые теми, кто ищет итальянское искусство, вместо этого находят конкретные формы и характер, которые придают ему уникальное португальское разнообразие. Еще одним ключевым фактором является существование иезуитской архитектуры, также называемой «простым стилем» (Estilo Chão или Estilo Plano)[45] которое, как и вызывает название, проще и кажется несколько суровым.

Интерьер Монастырь Сан-Мартинью-де-Тибайнш, Брага, 1757

Здания представляют собой однокомнатные базилики, глубокую главную часовню, боковые часовни (с небольшими дверями для сообщения), без внутренней и внешней отделки, очень простые портал и окна. Это очень практичное здание, позволяющее строить его по всей империи с небольшими изменениями и готовить для украшения позже или при появлении экономических ресурсов.

Фактически, первое португальское барокко не лишено недостатков в строительстве, потому что «простой стиль» легко трансформировать с помощью декора (роспись, облицовка плиткой и т. Д.), Превратив пустые пространства в помпезные, сложные сценарии барокко. То же самое можно сказать и об экстерьере. Впоследствии легко адаптировать здание к вкусу времени и места и добавить новые функции и детали. Практичный и экономичный.

С большим количеством жителей и лучшими экономическими ресурсами север, особенно районы Порту и Брага,[46][47][48] стал свидетелем архитектурного обновления, заметного в большом списке церквей, монастырей и дворцов, построенных аристократией.

Порту город в стиле барокко в Португалии. Его исторический центр является частью ЮНЕСКО Список всемирного наследия.[49]

Многие работы в стиле барокко в исторической части города и за его пределами принадлежат Николау Насони итальянский архитектор, живущий в Португалии, рисовал оригинальные здания со сценографической вставкой, такие как церковь и башня Клеригуш,[50] Лоджия Порту собор, церковь Мизерикордия, Дворец Сан-Жуан-Нову,[51] то Дворец Фрейшу,[52] то Епископальный дворец (португальский: Paço Episcopal do Porto)[53] наряду со многими другими.

Русское барокко

Основные статьи: Нарышкинское барокко, Петровское барокко, Елизаветинское барокко, и Сибирское барокко
Западный фасад Екатерининский дворец (1752–1756) по Бартоломео Растрелли

Дебют русского барокко, или Петровское барокко, после долгого визита Петр Великий в западную Европу в 1697–98, где он посетил замки Фонтенбло и Версаль, а также другие архитектурные памятники. По возвращении в Россию он решил построить подобные памятники в Санкт-Петербург, который стал новой столицей России в 1712 году. Ранние основные памятники петровского барокко включают Петропавловский собор и Меншиковский дворец.

Во время правления Императрица анна и Елизавета Петровна, В русской архитектуре доминировал роскошный стиль барокко итальянского происхождения. Бартоломео Растрелли, который превратился в Елизаветинское барокко. Фирменные здания Растрелли включают Зимний дворец, то Екатерининский дворец и Смольный собор. Другими отличительными памятниками елизаветинского барокко являются колокольня Троице-Сергиева Лавра и Красные ворота.[54]

В Москва, Нарышкинское барокко получила широкое распространение, особенно в архитектуре Восточно-православный церкви в конце 17 века. Это было сочетание западноевропейского барокко с традиционным русский народные стили.

Барокко в испанской и португальской колониальной Америке

Основные статьи: Мексиканское искусство § мексиканское барокко, Барокко в Бразилии, Андское барокко, Churrigueresque, и Испанские миссии в Америке
Фасад Церковь иезуитов из Арекипа (Перу ), 1698–1699. Возвышение фасада контролировалось испанским архитектором Диего де Адрианом, но, как и почти все андские памятники гибридного барокко, орнамент был вырезан индейскими скульпторами и каменщиками, которые действовали с удивительной свободой в выборе изображений.[55]

В связи с колонизацией Америки европейскими странами, барокко естественным образом переместилось в Новый мир, находя особенно благоприятные позиции в регионах, где доминировали Испания и Португалия, причем обе страны были централизованными и несводимыми католическими монархиями, в целом подчиненными Риму и сторонникам барокко Контрреформист наиболее типичный. Европейские художники мигрировали в Америку и сделали школу, и вместе с повсеместным проникновением Католические миссионеры, многие из которых были искусными художниками, создали разнообразное барокко, часто находящееся под влиянием народных вкусов. В Criollo и Indidenous мастера сделали многое, чтобы придать этому барокко неповторимые черты. Основными центрами культивирования американского барокко, которые сохранились до сих пор, являются (в этом порядке) Мексика, Бразилия, Перу, Эквадор, Куба, Колумбия, Боливия, Гватемала и Пуэрто-Рико.

Особо следует отметить так называемое «миссионерское барокко», развившееся в рамках сокращения испанцами территорий, простирающихся от Мексики и юго-западных частей нынешних Соединенных Штатов до самых южных районов, вплоть до Аргентины и Чили, поселений коренных народов, организованных испанскими католиками. миссионеров, чтобы обратить их в христианскую веру и приобщить их к западной жизни, образуя гибридный барокко под влиянием местной культуры, где процветал Criollos и многие индийские ремесленники и музыканты, даже грамотные, некоторые с большими способностями и собственными талантами. В рассказах миссионеров часто повторяется, что западное искусство, особенно музыка, оказало гипнотическое воздействие на лесников, а образы святых считались обладающими огромной силой. Многие индейцы обратились в христианство, и была создана новая форма страстного поклонения, наполненная мистикой, суевериями и театральностью, которая восхищалась праздничными мессами, священными концертами и мистериями.[56][57]

Архитектура колониального барокко в Испанской Америке отличается обильным декором (портал Церковь Ла Професа, Мехико; фасады покрыты В стиле Пуэбла азулежу, как в Церковь Сан-Франциско Acatepec в Сан-Андрес-Чолула и Монастырская церковь Сан-Франциско из Пуэбла ), что усугубится в так называемом Churrigueresque стиль (Фасад Скинии Кафедральный собор Мехико, к Лоренцо Родригес; Церковь Сан-Франциско Хавьер, Тепоцотлан; Церковь Санта-Приска из Таско ). В Перу, строительство в основном развито в городах Лима, Куско, Арекипа и Трухильо с 1650 года проявляют оригинальные черты, которые достигли даже европейского барокко, например, в использовании мягкие стены и соломоновы колонны (Церковь Ла Компанья де Хесус, Куско; Базилика и монастырь Сан-Франциско, Лима ).[58] Другие страны включают: Столичный собор Сукре в Боливия; Соборная базилика Эскипулас в Гватемала; Тегусигальпа собор в Гондурас; Леонский собор в Никарагуа; то Церковь Ла Компанья де Хесус в Кито, Эквадор; то Церковь Сан-Игнасио в Богота, Колумбия; то Каракасский собор в Венесуэла; то Кабильдо Буэнос-Айреса в Аргентина; то Церковь Санто-Доминго в Сантьяго, Чили; и Гаванский собор в Куба. Также стоит помнить о качестве церквей Испанские иезуитские миссии в Боливии, Испанские миссии иезуитов в Парагвае, то Испанские миссии в Мексике и Испанские францисканские миссии в Калифорнии.[59]

В Бразилия, как в мегаполисе, Португалия, в архитектуре есть определенная Итальянское влияние, обычно Борроминский типа, как видно на Собор Ресифи (1784) и Церковь Носа-Сеньора-да-Глория-ду-Отейру в Рио де Жанейро (1739). В районе Минас-Жерайс, подчеркнула работу Aleijadinho, автор группы церквей, отличающихся криволинейным контуром, фасадами с вогнуто-выпуклыми динамическими эффектами и пластической обработкой всех архитектурных элементов (Церковь Сан-Франциско-де-Ассис в Ouro Preto, 1765–1788).

Барокко в испанской и португальской колониальной Азии

Смотрите также: Барокко землетрясения

В португальских колониях Индия (Гоа, Даман и Диу ) процветал архитектурный стиль форм барокко, смешанный с индуистскими элементами, такими как Собор Гоа и Базилика Милосердного Иисуса Гоа, где находится гробница Святой Франциск Ксавьер. Набор церкви и монастыри Гоа был объявлен Объект всемирного наследия в 1986 г.

в Филиппины, долгое время входившая в состав Испанской империи, сохранилось большое количество построек в стиле барокко, в том числе Барочные церкви Филиппин что четыре из них, а также барочный и неоклассический город Виган, оба ЮНЕСКО Объекты всемирного наследия. Также было очень примечательным Город-крепость Манила (Интрамурос). Другой город с хорошо сохранившимся барокко испанской эпохи - Таябас.

Картина

Основная статья: Барочная живопись
Погребение Христа; к Караваджо; около 1602–1604 гг .; масло на холсте; 3 × 2 м; Пинакотека Ватикана (Ватикан )

Художники в стиле барокко работали сознательно, чтобы отделить себя от художников эпохи Возрождения и периода маньеризма после него. В своей палитре они использовали насыщенные и теплые тона, в частности, использовали основные цвета красный, синий и желтый, часто помещая все три в непосредственной близости.[66] Они избегали равномерного освещения живописи эпохи Возрождения и использовали сильные контрасты света и тьмы на определенных частях картины, чтобы привлечь внимание к центральным действиям или фигурам. В своей композиции они избегали умиротворяющих сцен картин эпохи Возрождения и выбирали моменты величайшего движения и драмы. В отличие от безмятежных лиц на картинах эпохи Возрождения, лица на картинах в стиле барокко ясно выражали свои эмоции. Они часто использовали асимметрию, когда действие происходило далеко от центра изображения, и создавали оси, которые не были ни вертикальными, ни горизонтальными, а наклонены влево или вправо, создавая ощущение нестабильности и движения. Они усиливали это впечатление движения, создавая костюмы персонажей, развеваемых ветром или перемещая их собственными жестами. Общие впечатления были движением, эмоциями и драматизмом.[67] Еще одним важным элементом живописи барокко была аллегория; каждая картина рассказывала историю и содержала сообщение, часто зашифрованное символами и аллегорическими знаками, которое образованный зритель должен был знать и читать.[68]

Las Meninas; к Диего Веласкес; 1656–1657; масло на холсте; 318 см × 276 см; Museo del Prado (Мадрид, Испания)

Ранние свидетельства идей итальянского барокко в живописи произошли в Болонье, где Аннибале Карраччи, Агостино Карраччи и Людовико Карраччи стремился вернуть изобразительное искусство к упорядоченному классицизму Возрождения. Однако их искусство также включало идеи, лежащие в основе Контрреформации; Сюда входили сильные эмоции и религиозные образы, которые больше касались сердца, чем интеллекта.[69]

Еще одним влиятельным художником эпохи барокко был Микеланджело Меризи да Караваджо. Его реалистический подход к человеческой фигуре, нарисованной прямо с натуры и эффектно освещенной на темном фоне, шокировал современников и открыл новую главу в истории живописи. К другим крупным художникам, тесно связанным со стилем барокко, относятся: Артемизия Джентилески, Гвидо Рени, Доменикино, Андреа Поццо, и Паоло де Маттеис в Италии; Франсиско де Сурбаран и Диего Веласкес в Испании; Адам Эльшаймер в Германии; и Николя Пуссен и Жорж де ла Тур во Франции (хотя Пуссен большую часть своей трудовой жизни провел в Италии). Пуссен и Ла Тур приняли «классический» стиль барокко с меньшим вниманием к эмоциям и большим вниманием к линиям фигур на картине, чем к цвету.

Туалет Венеры; к Франсуа Буше; 1751; масло на холсте; 108 × 85 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

Питер Пауль Рубенс был самым важным художником Фламандское барокко стиль. Напряженные композиции Рубенса отсылают к эрудированным аспектам классической и христианской истории. Его уникальный и чрезвычайно популярный стиль барокко подчеркивал движение, цвет и чувственность, что следовало за непосредственным драматическим художественным стилем, продвигаемым в Контрреформация. Рубенс специализировался на изготовлении алтарей, портретов, пейзажей и исторические картины мифологических и аллегорических сюжетов.

Одним из важных направлений живописи барокко было Quadratura, или картины в trompe-l'oeil, который буквально «обманул глаз». Обычно они наносились на лепнину потолков или верхних стен и балюстрад и производили впечатление на тех, кто смотрел на землю, как будто они видели небеса, населенные толпами ангелов, святых и других небесных фигур на фоне раскрашенных небес и воображаемая архитектура.[35]

В Италии художники часто сотрудничали с архитекторами в оформлении интерьеров; Пьетро да Кортона был одним из художников 17 века, использовавших этот иллюзионистский способ живописи. Среди его самых важных заказов были фрески, которые он написал для Дворец семьи Барберини (1633–39), чтобы прославить правление Папа Урбан VIII. Композиции Пьетро да Кортона были крупнейшими декоративными фресками, выполненными в Риме со времен работы Микеланджело в Сикстинская капелла.[70]

Франсуа Буше был важной фигурой в более тонком французском стиле рококо, возникшем в период позднего барокко. Он проектировал гобелены, ковры и театральные декорации, а также живопись. Его работы были чрезвычайно популярны среди Мадам Помпадур, хозяйка короля Людовик XV. В его картинах представлены мифологические романтические и умеренно эротические темы.[71]

Испанская Америка

Пример боливийской живописи (из Cusco School, дневная ): an Аркебузье Ангел; к Мастер Каламарки; 17-го века

В испанской Америке первое влияние оказали Севильян Тенебризм, в основном из Сурбаран - некоторые работы до сих пор сохранились в Мексика и Перу - как видно по работам мексиканцев Хосе Хуарес и Себастьян Лопес де Артеага, и боливийский Мельчор Перес де Ольгин. В Школа живописи Куско возник после приезда итальянского живописца Бернардо Битти в 1583 г., который ввел Маньеризм в Америке. Он подчеркнул работу Луис де Рианьо, ученик итальянского Анджелино Медоро, автор росписи Церковь Сан-Педро из Andahuaylillas. Также был выделен индийский (кечуа ) художники Диего Киспе Тито и Базилио Санта-Крус-Пумакальяо, а также Маркос Сапата, автор пятидесяти больших полотен, покрывающих высокие своды Собор Куско. В Эквадор, то Кито Школа сформирована, в основном представлена метис Мигель де Сантьяго и криолло Николас Хавьер де Горибар.

В 18 веке скульптурные запрестольные образы стали заменяться картинами, что в первую очередь привело к развитию живописи в стиле барокко в Америке. Точно так же вырос спрос на строительные работы, в основном портреты аристократических классов и церковной иерархии. Основное влияние оказали Мурильский, а в некоторых случаях - как в криолло Кристобаль де Вильяльпандо - то из Вальдес Леаль. Живопись этой эпохи имеет более сентиментальный тон, нежные и мягкие формы. Это выделить Грегорио Васкес де Арсе в Колумбия, и Хуан Родригес Хуарес и Мигель Кабрера в Мексика.

Скульптура

Основная статья: Барочная скульптура
В Бюст Людовика XIV; к Джан Лоренцо Бернини; 1665; мрамор; 105 × 99 × 46 см; Версальский Дворец

Доминирующей фигурой в скульптуре барокко был Джан Лоренцо Бернини. Под патронатом Папа Урбан VIII, он создал замечательную серию монументальных статуй святых и фигур, лица и жесты которых ярко выражали их эмоции, а также портретные бюсты исключительного реализма и высокодекоративные произведения для Ватикана, в том числе внушительные Кафедра Святого Петра под куполом в Базилика Святого Петра. Кроме того, он спроектировал фонтаны с монументальными скульптурными группами, чтобы украсить основные площади Рима.[74]

Скульптура в стиле барокко была вдохновлена ​​древнеримскими скульптурами, особенно знаменитой статуей Лаокоон из первого века нашей эры, которая экспонировалась в галерее Ватикана. Когда он посетил Париж в 1665 году, Бернини обратился к студентам Академии живописи и скульптуры. Он посоветовал студентам работать с классическими моделями, а не с натуры. Он сказал студентам: «Когда у меня возникли проблемы с моей первой статуей, я посоветовался с Антиной как оракул ".[75]

Включены известные скульпторы позднего французского барокко Этьен Морис Фальконе и Жан Батист Пигаль. Пигаль был заказан Фридрих Великий сделать статуи для версии Версаля Фридриха в Сан-Суси в Потсдам, Германия. Фальконе также получил важный иностранный заказ на создание знаменитой статуи Петр Великий верхом на лошади найден в Санкт-Петербург.

В Испании скульптор Франсиско Сальзилло работал исключительно на религиозную тематику с использованием полихромного дерева. Некоторые из лучших скульптурных мастеров в стиле барокко были найдены в золоченых лепных алтарях церквей испанских колоний Нового Света, выполненных местными мастерами; Примеры включают Часовню Розария церкви Санто-Доминго в Оахака (Мексика), 1724–1731.

Мебель

Основная статья: Мебель Людовика XIV
Красивый позолоченный стол в стиле барокко с каменной столешницей (скорее всего, мраморной) из Cinquantenaire Museum (Брюссель, Бельгия )

Основные используемые мотивы: рога изобилия, фестивали, маленькие ангелы, львиные головы с металлическим кольцом во рту, самка лица в окружении гирлянд, овал картуши, листья аканта, классический колонны кариатиды, фронтоны и другие элементы Классическая архитектура лепить на некоторых частях предметов мебели,[76] корзины с фруктами или цветами, ракушки, доспехи и трофеи, головы Аполлон или же Вакх, и С-образный завитки.[77]

В течение первого периода правления Людовика XIV мебель следовала предыдущему стилю Людовика XIII, была массивной и обильно украшена скульптурой и позолотой. После 1680 года во многом благодаря дизайнеру мебели Андре Шарль Буль появился более оригинальный и нежный стиль, иногда известный как Буль работа. Он был основан на инкрустации черное дерево и других редких пород дерева - техника, впервые использованная во Флоренции в 15 веке, которая была усовершенствована и развита Буллем и другими работниками Людовика XIV. Мебель была инкрустирована пластинами из черного, медного и экзотического дерева разных цветов.[78]

Появились новые и часто прочные виды мебели; то комод с двумя-четырьмя ящиками заменили старые казна, или грудь. В канапе, или диван, возник в виде комбинации двух или трех кресел. Появились новые виды кресел, в том числе fauteuil en confessionale или «Кресло исповеди», у которого были мягкие подушки с ионами по обе стороны спинки стула. Консольный стол также впервые появился; он был разработан для размещения у стены. Еще одним новым видом мебели стала стол à gibier, стол для посуды с мраморной столешницей. Появились ранние разновидности письменного стола; то Письменный стол Mazarin центральная секция располагалась между двумя колоннами ящиков, с четырьмя ножками на каждой колонне.[79]

  • Шкаф со сценами из жизни Христа; 1620–1640; шпон, древесина дуба и ореха, груша и черное дерево, стали и латунь; Национальный музей в Варшаве (Польша )

  • Шкаф со сценами охоты; 1620–1640; шпон, древесина дуба и ореха, береза, розовое дерево, и многие другие породы дерева и стали; 174 × 148 × 63 см; Национальный музей в Варшаве

  • Голландский гардероб; 1625–1650; дуб со шпоном эбенового дерева и розового дерева; габаритные: 244,5 х 224,3 х 85,2 см; Кливлендский художественный музей (Кливленд, Огайо, НАС)

  • Небольшой письменный стол с откидной столешницей (бюро brisé); около 1685 г .; дуб, сосна, орех, шпонированные черным деревом, палисандр, маркетри из панциря черепахи и гравированной латуни, позолоченной бронзы и стали; 77 х 106 х 59,4 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Стол для французского пирса; 1685–1690; резной, левкас, и позолоченное дерево, с мраморной столешницей; 83,6 × 128,6 × 71,6 см; Художественный институт Чикаго (НАС)[80]

  • Консольный столик с изображением Хронос, или время отца; 1695; крашенное и позолоченное дерево с мрамором наверху; габаритные: 95,3 х 107,3 ​​х 62,9 см; Кливлендский художественный музей

  • Комод; к Андре Шарль Буль; около 1710–1720 гг .; оправы из черного дерева, позолоченной бронзы и др. материалы; 87,6 × 128,3 × 62,9 см; Метрополитен-музей

  • Немецкая косо-стойка; к Генрих Людвиг Роде или же Фердинанд Плитцнер; около 1715–1725 гг .; маркетри из клена, амаранта, красного дерева и ореха на ели и дубе; 90 × 84 × 44,5 см; из Майнц (Германия); Художественный институт Чикаго[81]

Музыка и балет

Основные статьи: Барочная музыка и Барочный танец
Антонио Вивальди, (1678–1741)

Период, термин Барокко также используется для обозначения стиля музыки, написанной в период, который пересекается со стилем искусства барокко. Первым употреблением термина «барокко» для обозначения музыки была критика. В анонимной сатирической рецензии на премьеру романа Рамо в октябре 1733 г. Ипполит и Ариси, напечатано в Mercure de France в мае 1734 года критик намекал, что новинка этой оперы - «дюбарок», жалуясь на то, что в музыке отсутствует связная мелодия, она наполнена непрекращающимися диссонансами, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы.[82] Жан-Жак Руссо, который был музыкантом, композитором и философом, сделал очень похожее наблюдение в 1768 году в знаменитом Энциклопедия из Дени Дидро: "Музыка барокко - это музыка, в которой гармония смешана, наполнена модуляциями и диссонансами.Пение резкое и неестественное, интонация сложная, движения ограничены. Судя по всему, этот термин происходит от слова «бароко», используемого логиками ».[15]

Широкое использование этого термина для музыки того периода началось только в 1919 году. Курт Сакс,[83] и только в 1940 году он был впервые использован на английском языке в статье, опубликованной Манфред Букофзер.[82]

Людовик XIV в костюме Аполлона для Балет Роял де ла Нюи (1653)

Барокко было периодом музыкальных экспериментов и нововведений. Были изобретены новые формы, в том числе концерт и симфония. Опера родился в Италии в конце 16 века (с Якопо Пери в основном потеряно Дафне, произведенный в Флоренция в 1598 г.) и вскоре распространился по остальной Европе: Людовик XIV создал первую Королевскую музыкальную академию. В 1669 г. поэт Пьер Перрен открыл академию оперы в Париже, первый оперный театр во Франции, открытый для публики, и провел премьеру Помоне, первая большая опера на французском языке на музыку Роберт Камберт с пятью действиями, сложной сценической техникой и балетом.[84] Генрих Шютц в Германии, Жан-Батист Люлли во Франции и Генри Перселл в Англии все помогли установить свои национальные традиции в 17 веке.

Классический балет также зародился в эпоху барокко. Стиль придворного танца во Францию ​​привез Мари де Медичи, а вначале танцорами были сами члены двора. Людовик XIV Сам выступал на публике в нескольких балетах. В марте 1662 г. Académie Royale de Danse, был основан королем. Это была первая профессиональная танцевальная школа и труппа, установившая стандарты и словарный запас для балета во всей Европе того периода.[84]

Несколько новых инструментов, в том числе пианино, были введены в этот период. Изобретение пианино приписывают Бартоломео Кристофори (1655–1731) из Падуя, Италия, который был нанят Фердинандо Медичи, великий принц Тосканы, как хранитель инструментов.[85][86] Кристофори назвал инструмент un cimbalo di cipresso di piano e forte ("клавиатура кипарис с тихим и громким "), сокращенно со временем фортепиано, фортепиано, а позже просто фортепиано.[87]

Композиторы и примеры

Театр

Дизайн декораций для Андромеде к Пьер Корнель, (1650)
Дизайн театральной декорации создан Джакомо Торелли для балета Les Noces de Thétis, из Декорации и машины aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal

Период барокко был золотым веком театра во Франции и Испании; драматурги включены Корнель, Расин и Мольер во Франции; и Лопе де Вега и Педро Кальдерон де ла Барка Испания.

В период барокко искусство и стиль театра быстро развивались, наряду с развитием оперы и балета. Дизайн все новых и больших театров, изобретение использования более сложной техники, более широкое использование авансцена арка, который обрамлял сцену и скрывал от зрителей оборудование, поощрял более сценические эффекты и зрелищность.[88]

Барокко имело католический и консервативный характер в Испании, следуя итальянской литературной модели эпохи Возрождения.[89] Театр латиноамериканского барокко был нацелен на общественное содержание с идеальной реальностью, которая проявляла три основных чувства: католическую религию, монархическую и национальную гордость и честь, происходящие из рыцарского, рыцарского мира.[90]

В испанском театре в стиле барокко известны два периода, разделение которых произошло в 1630 году. Первый период представлен в основном Лопе де Вега, но и Тирсо де Молина, Гаспар Агилар, Гильен де Кастро, Антонио Мира де Амескуа, Луис Велес де Гевара, Хуан Руис де Аларкон, Диего Хименес де Энсисо, Луис Бельмонте Бермудес, Фелипе Годинес, Луис Киньонес де Бенавенте или же Хуан Перес де Монтальбан. Второй период представлен Педро Кальдерон де ла Барка и коллеги-драматурги Антонио Уртадо де Мендоса, Альваро Кубильо де Арагон, Херонимо де Кансер, Франсиско де Рохас Соррилья, Хуан де Матос Фрагозо, Антонио Коэльо-и-Очоа, Агустин Морето, и Франсиско Бансес Кандамо.[91] Эти классификации нечеткие, потому что у каждого автора был свой путь и иногда он мог придерживаться формулы, установленной Лопе. Возможно даже, что «манера» Лопе была более либеральной и структурированной, чем у Кальдерона.[92]

Лопе де Вега представил Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) новая комедия. Он установил новую драматическую формулу, которая сломала три Аристотель единства итальянской школы поэзии (действие, время и место) и четвертое единство Аристотеля, которое касается стиля, смешения трагических и комических элементов, показывающих различные типы стихов и строф на том, что изображено.[93] Хотя Лопе обладает большими познаниями в области пластических искусств, большую часть своей карьеры он не использовал их ни в театре, ни в сценографии. В комедии Лопе визуальным аспектам театрального представления отведена вторая роль.[94]

Тирсо де Молина, Лопе де Вега и Кальдерон были самыми важными авторами пьес в Золотой Эре Испании. Их произведения, известные своим тонким интеллектом и глубоким пониманием человечности, можно считать мостом между примитивной комедией Лопе и более сложной комедией Кальдерона. Тирсо де Молина наиболее известен двумя работами: Осужденные подозрения и Севильский обманщик, одна из первых версий Дон Жуан миф.[95]

По прибытии в Мадрид Козимо Лотти представил испанскому двору самые передовые театральные техники Европы. Его методы и знания в области механики применялись на дворцовых выставках под названием «Фиесты» и на роскошных выставках рек или искусственных фонтанов под названием «Наумакиас». Он отвечал за оформление Сада Buen Retiro, из Сарсуэла и из Аранхуэс и строительство театрального здания Колизео дель Буэн Ретиро.[96] Формулы Лопе начинаются со стиха о том, что это не соответствует основанию дворцового театра и рождению новых концепций, положивших начало карьере некоторых авторов пьес, таких как Кальдерон де ла Барка. Отмечая основные нововведения Новой Лопезианской комедии, стиль Кальдерона отмечал множество различий, с большой конструктивной заботой и вниманием к его внутренней структуре. Работы Кальдерона выполнены в формальном совершенстве и имеют очень лиричный и символический язык. Свобода, жизнерадостность и открытость Лопе дали толчок интеллектуальной рефлексии и формальной точности Кальдерона. В его комедии он отразил его идеологические и доктринные намерения выше страсти и действия, работы Сакраментальные автомобили достиг высоких рангов.[97] Жанр комедии политический, мультихудожественный и в некотором смысле гибридный. Поэтический текст, переплетенный с медиа и ресурсами, происходящими из архитектуры, музыки и живописи, освобождая обман, который есть в комедии Лопеса, был составлен из-за отсутствия декораций и вовлечения диалога действий.[98]

Самый известный немецкий драматург был Андреас Грифиус, кто использовал Иезуит модель нидерландский язык Йост ван ден Вондел и Пьер Корнель. Было также Йоханнес Фельтен объединившие традиции английских комиков и комедия дель арте с классическим театром Корнеля и Мольер. Его гастрольная компания была, пожалуй, самой значительной и важной в 17 веке.

Испанская колониальная Америка

Следуя эволюции, отмеченной в Испании, в конце 16-го века компании комиков, в основном отгоняющих животных, начали становиться профессиональными. С профессионализацией пришло регулирование и цензура: как и в Европе, театр колебался между терпимостью и даже государственной защитой и неприятием (за исключениями) или преследованием со стороны церкви. Театр был полезен властям как инструмент распространения желаемого поведения и моделей, уважения к общественному порядку и монархии, школы религиозных догм.[99]

В Corrales управлялись в пользу больниц, которые разделяли преимущества представительств. Кочующие компании (или "из лига "), которые возили театр на импровизированных сценах под открытым небом по регионам, в которых не было постоянных жителей, требовалась лицензия вице-короля для работы, цена которой или пинсьон был предназначен для милостыни и благочестивых дел.[99] Для компаний, стабильно работавших в столицах и крупных городах, одним из основных источников дохода было участие в празднества Corpus Christi, что обеспечивало им не только экономические выгоды, но также признание и социальный престиж. Представления во дворце вице-королевства и особняках аристократии, где они представляли комедии своего репертуара и специальные постановки с великолепными световыми эффектами, декорациями и сценой, также были важным источником хорошо оплачиваемой и престижной работы.[99]

Родился в вице-королевстве Новая Испания[100] но позже поселился в Испании, Хуан Руис де Аларкон является наиболее заметной фигурой театра в стиле барокко Новой Испании. Несмотря на его приспособление к Лопе де Вега Была отмечена новая комедия, его «заметный секуляризм», его рассудительность и сдержанность, а также острая способность к «психологическому проникновению» как отличительные черты Аларкона по сравнению с его испанскими современниками. Примечателен среди его работ La Verdad Sospechosa, комедия персонажей, отражающая его постоянное морализаторское стремление.[99] Драматическая постановка Сор Хуана Инес де ла Крус помещает ее как вторую фигуру испано-американского барочного театра. Среди ее работ стоит отметить автосакраментальный Эль Дивино Нарцисо и комедия Los empeños de una casa.

Сады

Основная статья: Барочный сад
Партер оранжереи из Версальский Дворец (1684)

В Барочный сад, также известный как Jardin à la Française или же Французский формальный сад, впервые появились в Риме в 16 веке, а затем наиболее известны во Франции в 17 веке в садах Vaux le Vicomte и Версальский Дворец. Сады в стиле барокко строили короли и князья Германии, Нидерландов, Австрии, Испании, Польши, Италии и России до середины 18 века, когда их начали переделывать в более естественные Английский ландшафтный сад.

Назначение сада в стиле барокко состояло в том, чтобы проиллюстрировать власть человека над природой и славу его строителя. Сады в стиле барокко были выложены геометрическими узорами, как комнаты в доме. Обычно их лучше всего было видно снаружи и смотреть вниз, то ли из замка, то ли с террасы. Элементы сада в стиле барокко включены партеры клумбы или низкие живые изгороди, отделанные богато украшенным орнаментом в стиле барокко, и прямые аллеи и аллеи из гравия, которые разделяли и пересекали сад. Террасы, пандусы, лестницы и каскады были размещены там, где была разница высот, и предусмотрены точки обзора. Круглые или прямоугольные пруды или бассейны с водой служили декорациями для фонтанов и статуй. Боскеты или тщательно подстриженные рощи, или ряды одинаковых деревьев, которые создавали вид зеленых стен и служили фоном для статуй. По краям садов обычно располагались беседки, оранжереи и другие сооружения, где посетители могли укрыться от солнца или дождя.[101]

Сады в стиле барокко требовали огромного количества садоводов, постоянной стрижки и обильного полива. В более поздней части периода барокко формальные элементы начали заменяться более естественными элементами, включая извилистые тропинки, рощи разнообразных деревьев, оставленные расти необрезанными; деревенская архитектура и живописные сооружения, такие как римские храмы или китайские пагоды, а также «секретные сады» по краям главного сада, наполненные зеленью, где посетители могли читать или вести тихие беседы. К середине 18 века большинство садов в стиле барокко были частично или полностью преобразованы в вариации Английский ландшафтный сад.[101]

Помимо Версаля и Во-ле-Виконта, знаменитые сады в стиле барокко, все еще сохраняющие большую часть своего первоначального вида, включают Королевский дворец в Казерте недалеко от Неаполя; Дворец Нимфенбург и Дворцы Августусбург и Фалькенлуст, Брюль в Германии; Дворец Хет Лоо в Нидерландах; то Бельведер Палас в Вена; то Королевский дворец Ла-Гранха-де-Сан-Ильдефонсо в Испании; и Петергофский дворец в Санкт-Петербурге, Россия.[101]

Отличия рококо от барокко

Ниже приведены характеристики, которые есть у рококо, а у барокко нет:[требуется разъяснение ]

  • Частичный отказ от симметрии, все состоит из изящных линий и кривых, похожих на Искусство модерн те
  • Огромное количество асимметричных изгибов и С-образных завитки
  • Очень широкое использование цветов в орнаменте, например, фестивали из цветов
  • Китайские и японские мотивы
  • Теплые пастельные тона[102] (беловато-желтый, кремовый, жемчужно-серый, очень светлый синий)[103]

Конец стиля, осуждение и научное открытие

Мадам де Помпадур, любовница Людовика XV, способствовала упадку стиля барокко и рококо. В 1750 году она послала своего племянника, Абель-Франсуа Пуассон де Вандиер с двухлетней миссией по изучению художественных и археологических открытий в Италии. Его сопровождали несколько художников, в том числе гравер. Николас Кочин и архитектор Суфло. Они вернулись в Париж со страстью к классическому искусству. Вандиер стал маркизом Мариньи и был назначен королевским директором зданий в 1754 году. Он обратил официальную французскую архитектуру в сторону неоклассицизма. Кочин стал важным искусствоведом; он осудил маленький стиль Буше и призвал к созданию грандиозного стиля с новым акцентом на древность и благородство в академиях живописи архитектуры.[104]

Первый немецкий историк искусства и археолог. Иоганн Иоахим Винкельманн также осуждал стиль барокко и хвалил высшие ценности классического искусства и архитектуры. К XIX веку барокко было объектом насмешек и критики. Неоклассический критик Франческо Милициа писал: «Борроминини в архитектуре, Бернини в скульптуре, Пьетро да Кортона в живописи ... - это чума хорошего вкуса, заразившая большое количество художников».[105] В 19 веке критика пошла еще дальше; британский критик Джон Раскин заявил, что барочная скульптура не только плохая, но и морально испорченная.[105]

Швейцарский историк искусства Генрих Вёльфлин (1864–1945) начал восстановление слова барокко в своей книге «Ренессанс и барок» (1888); Вёльфлин определил барокко как «движение, импортированное в массу», искусство, противоположное искусству эпохи Возрождения. Он не проводил различий между маньеризмом и барокко, как современные писатели, и игнорировал более позднюю фазу, академическое барокко, которое длилось до 18 века. Искусство и архитектура барокко вошли в моду в период между двумя мировыми войнами и в значительной степени остались в критической позиции. Термин «барокко» все еще может использоваться, обычно уничижительно, для описания произведений искусства, ремесел или дизайна, которые, как считается, имеют чрезмерный орнамент или сложность линий.

Искусство Возрождения барокко

Основные статьи: Архитектура эпохи возрождения барокко и Наполеон III стиль
Пример очень красивых деталей городских домов эпохи Возрождения в стиле барокко. Бухарест (Румыния), слева направо и сверху вниз: окно с женщиной маскарон между двумя фестивали; а картуш над окном; картуш-окошко с мужским маскароном; балкон; лепнина в доме; окно с картушем наверху с монограммой внутри

Конец 19 века был золотым веком для возрождение стили, включая возрождение барокко или необарокко.

Помимо своей практической (защитной) функции, лицо также имеет эстетическое и архитектурное назначение. Он отражает преобладающие стили определенной эпохи. Орнаменты - самые распространенные «украшения» построек.[106] Орнаменты, использованные в архитектуре 17-18 веков, повторно используются в зданиях эпохи Возрождения барокко, в том числе: рога изобилия, фестивали, маленькие ангелы, женский или мужской маскароны, овал картуши, листья аканта, классический колонны кариатиды, фронтоны и другие элементы Греко-римская архитектура. Большинство зданий эпохи возрождения барокко имеют мансардные крыши, обычно синий или иногда черный, с овал или же слуховое окно окна. Некоторые дома этого стиля имеют картушевидную форму. окулус окна, обычно с маскароном сверху или снизу. Во Франции и Румынии многие входы имеют навесы (Французский: Маркиза; румынский: марчиза), изготовленные из стекла и металла, обычно в морская ракушка -форма. В этих двух странах, особенно в Румынии, необарокко иногда сочеталось с Искусство модерн. Beaux-Arts Здания конца 1890-х - начала 1900-х годов - прекрасные образцы архитектуры эпохи Возрождения барокко. Самыми известными зданиями в стиле необарокко в Париже являются: Павильон де Флор (часть Дворец Лувра ), Дворец Гарнье, то Petit Palais, а Гранд Пале. Важные архитекторы этого стиля включают Шарль Гарнье (1825–1898), Фердинанд Феллнер (1847–1917), Герман Хельмер (1849–1919) и Ион Д. Бериндей (1871–1928).

В декоративном искусстве возрождение барокко обычно называют Наполеон III стиль или стиль Второй ампир. Предметы в этом стиле очень ценились в Румынии в конце 1890-х - начале 1900-х годов, многие из них привозили из Франции или Австрии. Одно из главных влияний было Стиль Людовика XVI, или же Французский неоклассицизм, которую предпочли Императрица Евгения. Ее комнаты во дворце Тюильри и других местах были оформлены в этом стиле. Другие влияния включают французский ренессанс и Генрих II стиль, которые были популярным влиянием на сундуки и шкафы, буфеты и верительные грамоты, которые были массивными и построены как небольшие соборы, украшенные колоннами, фронтоны, картуши, маскароны, и резных ангелов и химер. Обычно их делали из ореха или дуба, а иногда и из более порных пятен, чтобы напоминать черное дерево.[107]

Смотрите также

Примечания

  1. ^ а б Исцелите, Бриджит (1 декабря 2011 г.). "'Лучше папист, чем кальвинист »: искусство и идентичность в поздней лютеранской Германии». Немецкая история. Немецкое историческое общество. 29 (4): 584–609. Дои:10.1093 / gerhis / ghr066.
  2. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 153, 154 и 156.
  3. ^ "Origem da palavra BARROCO - Etimologia". Dicionário Etimológico.
  4. ^ "BAROQUE: Etymologie de BAROQUE". www.cnrtl.fr. empr. au port. Barroco «Rocher granitique» и «perle irrégulière», аттестат деп. le xiiie s. су-ла-форм Barroca (Инквизиции, п. 99, Portugaliae Monumenta Historica, 1856 кв. данс Mach.), d'orig. обск., проб. préromane en raison du suff. -ccu très répandu sur le Territoire ibérique
  5. ^ "Барокко". Британская энциклопедия. 3 (11-е изд.). 1911 г.
  6. ^ Викисловарь. «Барокко - этимология». Получено 17 июн 2019.
  7. ^ а б Роберт Хадсон Винсент, "Бароко: логика английской барочной поэтики". Modern Language Quarterly, Том 80, выпуск 3 (сентябрь 2019)
  8. ^ а б "BAROQUE: Etymologie de BAROQUE". www.cnrtl.fr. Получено 4 января 2019.
  9. ^ Майкл Мир, Французская драма эпохи Возрождения и барокко: текст, перформанс, теория, Роуман и Литтлфилд, 2015, ISBN  1611495490
  10. ^ "se dit seulement des perles qui sont d'une rondeur fort imparfaite". Le Dictionnaire de l'Académie Française (1694)
  11. ^ Блюто, Рафаэль (1728). Vocabulario Portuguez & Latino. 2. п. 58.
  12. ^ "Барокко". Интернет-этимологический словарь. Получено 31 декабря 2018.: «Но Кляйн предполагает, что имя может быть от итальянского художника Федерико Бароччи (1528–1612), чьи работы повлияли на стиль».
  13. ^ Клод В. Палиска, «Барокко». Словарь музыки и музыкантов New Grove, второе издание, под ред. Стэнли Сэди и Джон Тиррелл (Лондон: Macmillan Publishers, 2001).
  14. ^ "se dit aussi au figuré, pour irrégulier, bizarre, inégale". Le Dictionnaire de l'Académie Française (1762)
  15. ^ а б Энциклопедия; Lettre sur la Musique Française под руководством Дени Дидро
  16. ^ Катремер де Куинси, Encyclopédie Méthodique, Архитектура, том 1, цитируется Б. Мильорини, Маньеризмо, барокко, рококо, Рим, 1962, стр. 46
  17. ^ "dictionnaires d'autrefois общедоступная коллекция". artflsrv03.uchicago.edu. Получено 2 января 2019.
  18. ^ Буркхардт, Якоб (1855). Der Cicerone: eine Anleitung zum Genuss der Kunstwerke Italiens. Schweighauser. п.356. OCLC  315796790.
  19. ^ Хопкинс, Оуэн, Les Styles en Architecture (2014), стр. 70.
  20. ^ Денизо, Жерар (2018). Zapping Prin Istoria Artelor (на румынском языке). рао. п. 117. ISBN  978-606-006-149-6.
  21. ^ Хьюз, Дж. Квентин (1953). Влияние итальянского маньеризма на мальтийскую архитектуру В архиве 14 марта 2017 в Wayback Machine. Мелитенсиават. Проверено 8 июля 2016 г. С. 104–110.
  22. ^ Хелен Гарднер, Фред С. Кляйнер и Кристин Дж. Мамия, Искусство Гарднера сквозь века (Бельмонт, Калифорния: Томсон / Уодсворт, 2005), стр. 516.
  23. ^ Исцелите, Бриджит (20 февраля 2018 г.). «Реформация и лютеранское барокко». Oxford University Press. Получено 1 мая 2018. Однако работы богословов могут идти лишь до объяснения эволюции конфессионального сознания и формирования религиозной идентичности. Привязанность лютеран к религиозным изображениям была результатом не только осторожного одобрения Лютера их использования, но и особого религиозного и политического контекста, в котором разворачивалась его Реформация. После смерти реформатора в 1546 году вопрос об имидже снова стал предметом ожесточенных споров. Но по мере распространения кальвинизма с его иконоборческими тенденциями лютеране Германии в ответ подтвердили свою приверженность правильному использованию религиозных образов. В 1615 году лютеранские граждане Берлина даже взбунтовались, когда их кальвинистские правители удалили изображения из городского собора.
  24. ^ Дучер, стр. 102
  25. ^ а б Дучер (1988) стр. 106-107
  26. ^ Дучер (1988), стр. 102
  27. ^ Кабанн (1988) стр.
  28. ^ Дучер (1988)
  29. ^ а б Дучер (1988) стр. 104.
  30. ^ Кабанн (1988) стр.15
  31. ^ Cabanne (1988), страницы 18–19.
  32. ^ Кабанн (1988), стр. 48-49
  33. ^ а б c Кабанн (1988) стр. 48–51
  34. ^ Кабанн (1988) стр. 63
  35. ^ а б Дучер (2014), п. 92.
  36. ^ Кабан (1988), стр. 89–94.
  37. ^ Дучер (1988), стр. 104–105.
  38. ^ "Kolumna Zygmunta III Wazy w Warszawie". Culture.pl. Получено 24 июн 2019.
  39. ^ "ВИЛАНОВСКИЙ ДВОРЕЦ". www.anothertravelguide.com. Получено 24 июн 2019.
  40. ^ "Tylman z Gameren - Architekt Warszawy: Polak z wyboru, Holender z pochodzenia -". CODART. Получено 24 июн 2019.
  41. ^ Кабанн (1988), страницы 25–32.
  42. ^ Кабанн (1988), стр. 25–28.
  43. ^ Кабанн (1988), стр. 28–33.
  44. ^ «Эпоха барокко в Португалии». www.nga.gov.
  45. ^ http://www.resumos.net/files/caracterizacaodaarquiteturacha.doc
  46. ^ Бери, Дж. Б. (1956). «Позднее барокко и рококо в Северной Португалии». Журнал Общества историков архитектуры. 15 (3): 7–15. Дои:10.2307/987760. JSTOR  987760.
  47. ^ "Ум Ротейро пело Барроко бракаренс". Вкус браги. 30 августа 2017.
  48. ^ "Notícias - Direção Regional de Cultura do Norte". culturanorte.gov.pt.
  49. ^ Центр Всемирного наследия ЮНЕСКО. «Исторический центр Порту, мост Луиса I и монастырь Серра-ду-Пилар». Центр всемирного наследия ЮНЕСКО.
  50. ^ «Архитектура и барокко». www.torredosclerigos.pt.
  51. ^ "Церковь Сан-Жуан-Нову". www.upt.pt.
  52. ^ "DGPC | Pesquisa Geral". www.patrimoniocultural.gov.pt.
  53. ^ "DGPC | Pesquisa Geral". www.patrimoniocultural.gov.pt.
  54. ^ Уильям Крафт Брамфилд (1993). «Глава восьмая: Основы барокко в Санкт-Петербурге». История русской архитектуры. Кембридж: Издательство Кембриджского университета. ISBN  978-0-521-40333-7.
  55. ^ Бейли, Говен Александр (2012). Барокко и рококо. Phaidon. п. 366 и 367. ISBN  978-0-7148-5742-8.
  56. ^ Томас да Коста Кауфманн (1999). «12 / Восток и Запад: иезуитское искусство и художники в Центральной Европе и центральноевропейское искусство в Америке». В Джоне В. О'Мэлли; Говен Александр Бейли; Стивен Дж. Харрис; Т. Фрэнк Кеннеди (ред.). Иезуиты: культура, наука и искусство, 1540–1773 гг., Том 1. Университет Торонто Пресс. С. 274–304. ISBN  9780802042873.
  57. ^ Говен Александр Бейли (1999). Искусство иезуитских миссий в Азии и Латинской Америке, 1542–1773 гг.. Университет Торонто Пресс. С. 4–10. ISBN  9780802085078.
  58. ^ Хосе Мария Аскарате Ристори; Альфонсо Эмилио Перес Санчес; Хуан Антонио Рамирес Домингес (1983). "Historia Del Arte".
  59. ^ Ларусс (1990). DICCIONARIO ENCICLOPEDICO LAROUSSE. 12 ТОМОСОВ. Барселона: Редакция Planeta.
  60. ^ "CATEDRAL, TESTIGO DE LA HISTORIA. LA CONSTRUCCIN DE LA NUEVA PARROQUIA, HOY CATEDRAL". catedraldechihuahua.blogspot.com.
  61. ^ "Historia y arquitectura". lahabana.com.
  62. ^ Cláudia Damasceno Fonseca. "Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Pretos". Património deluência portuguesa. Фонд Галуста Гюльбенкяна.
  63. ^ Хорхе Сальвадор Лара (2009). Historia de Quito, Luz de América. Bicentenario del 10 de agosto de 1809 г.. Кито: Fonsal. С. 124, 125. ISBN  9789978366189.
  64. ^ Asociación de Funcionarios del Servicio Diplomático del Perú. "UNA VISITA AL PALACIO DE TORRE TAGLE, CASA DE LA DIPLOMACIA PERUANA" (на испанском).
  65. ^ "Иглесия-де-Санто-Доминго". Сайт Министерства туризма Чили (на испанском).
  66. ^ Пратер и Бауэр, La Peinture du baroque (1997), стр. 11
  67. ^ Пратер и Бауэр, La Peinture du baroque (1997), стр. 3–15
  68. ^ Пратер и Бауэр, La Peinture du baroque (1997), стр. 12
  69. ^ «Элементы стиля барокко». В Искусство и гуманитарные науки сквозь векапод редакцией Эдварда И. Блейберга, Джеймса Аллана Эванса, Кристен Мосслер Фигг, Филиппа М. Соргеля и Джона Блока Фридмана, 466–470. Vol. 5, Эпоха барокко и Просвещения 1600–1800 гг. Детройт, Мичиган: Гейл, 2005.
  70. ^ Ducher (1988), страницы 108–109.
  71. ^ Cabanne (1988) стр. 102–104
  72. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 246. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  73. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 259. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  74. ^ Буше (1998), п. 146.
  75. ^ Буше (1998), п. 16.
  76. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 168.
  77. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 176 и 177.
  78. ^ Рено и Лазе, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), стр. 59
  79. ^ Рено и Лазе, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), стр. 59
  80. ^ "Стол для пирса". Художественный институт Чикаго.
  81. ^ «Наклонная стойка регистрации». Художественный институт Чикаго.
  82. ^ а б Палиска 2001.
  83. ^ Сакс, Курт (1919). Barockmusik [Барочная музыка]. Jahrbuch der Musikbibliothek Peters (на немецком языке). 26. Лейпциг: издание Петерс. С. 7–15.
  84. ^ а б Белы (2005) С. 152–54.
  85. ^ Эрлих, Кирилл (1990). Фортепиано: История. Oxford University Press, СОЕДИНЕННЫЕ ШТАТЫ АМЕРИКИ; Исправленное издание. ISBN  0-19-816171-9.
  86. ^ Пауэрс, Венди (октябрь 2003 г.). "Фортепиано: Фортепиано Бартоломео Кристофори (1655–1731)". Хейльбрунн Хронология истории искусств. Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен.. Получено 27 января 2014.
  87. ^ Исакофф (2012), п. 23.
  88. ^ «Барочные театры и постановки». Британская энциклопедия. Получено 14 ноября 2019.
  89. ^ Гонсалес Мас (1980), стр. 1–2.
  90. ^ Гонсалес Мас (1980), п. 8.
  91. ^ Гонсалес Мас (1980), п. 13.
  92. ^ Гонсалес Мас (1980), п. 91.
  93. ^ Лопе де Вега, 2010, Комедии: El Remedio en la Desdicha. Эль Мейджор Алькальде Эль Рей, стр. 446–447.
  94. ^ Амадей-Пулис (1990), п. 6.
  95. ^ Уилсон, Эдвард М .; Мойр, Дункан (1992). Historia de la literatura española: Siglo De Oro: Teatro (1492–1700). От редакции Ариэль, стр. 155–158.
  96. ^ Амадей-Пулис (1990) С. 26–27.
  97. ^ Молина Хименес, Мария Белен (2008). Музыкальный театр Кальдерон-де-ла-Барка: текстовый анализ. РЕДАКЦИЯ, стр. 56
  98. ^ Амадей-Пулис (1990), стр. 6–9.
  99. ^ а б c d Майя Рамос Смит; Консепсьон Реверте Берналь; Мерседес де лос Рейес Пенья (1996). Америка и испанский театр Сигло де Оро. II Congreso Iberoamericano del Teatro - Tercera ponencia: Actores y compañías de América durante la época virreinal. Кадис: Служба публикаций Кадисского университета. С. 79–80, 85–86, 133–134, 141. ISBN  84-7786-536-1.
  100. ^ Согласно собственным утверждениям драматурга, он родился в Мехико в 1580 или 1581 году. Однако в Таско было найдено свидетельство о крещении от 30 декабря 1572 года, принадлежащее мальчику по имени Хуан, сыну Педро Руис де Аларкон и Леонор де Мендоса, родители поэта. Несмотря на заявления Аларкона, большинство критиков считают Таско его местом рождения. См. Лолу Джоса, Хуан Руис де Аларкон и su nuevo arte de entender la comedia, Мадрид, Международная ассоциация латиноамериканцев, 2008 г., стр. 7–14.
  101. ^ а б c Клюкерт, Эренфрид (2015). "Les Jardins Baroques". L'Art Baroque - Архитектура - Скульптура - Peinture. Кельн: H.F. Ulmann. С. 152–160. ISBN  978-3-8480-0856-8. (Французский перевод с немецкого)
  102. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Бухарест: Cerces. п. 160 и 163.
  103. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Бухарест: Cerces. п. 192.
  104. ^ Кабанн (1988), п. 106.
  105. ^ а б Буше (1998), п. 9.
  106. ^ Попеску, Александру (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (на румынском языке). Издатель Cetatea de Scaun. п. 250. ISBN  978-606-537-382-2.
  107. ^ Дучер 1988 С. 194–195.
  108. ^ Попеску, Александру (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (на румынском языке). Издатель Cetatea de Scaun. п. 113. ISBN  978-606-537-382-2.

Источники

  • Амадей-Пуличе, Мария Алисия (1990). Кальдерон-и-эль-Барроко: exaltación y engaño de los sentidos. Монографии Университета Пердью на романских языках (на итальянском). 31. Амстердам; Филадельфия: Издательская компания Джона Бенджамина. ISBN  978-9-02-721747-9.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Бели, Люсьен (2005). Людовик XIV - Le Plus Grand Roi du Monde (На французском). Издания Жан-Поль Жиссеро. ISBN  978-2-87-747772-7.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Баучер, Брюс (1998). Скульптура итальянского барокко. Мир искусства. Темза и Гудзон. ISBN  0-50-020307-5.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Кабанн, Пьер (1988). Классическое искусство и барокко (На французском). Париж: Ларусс. ISBN  978-2-03-583324-2.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Кауза, Рафаэлло, L'Art au XVIII siècle du rococo à Goya (1963), (на французском языке) Hachcette, Париж ISBN  2-86535-036-3
  • Дучер, Роберт (1988). Caractéristique des Styles. Париж: Фламмарион. ISBN  2-08-011539-1.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Дучер, Роберт (2014). La Caractéristique des Styles.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Гарднер, Хелен, Фред С. Кляйнер и Кристин Дж. Мамия. 2005 г. Искусство Гарднера сквозь века, 12-е изд. Бельмонт, Калифорния: Томсон / Уодсворт. ISBN  978-0-15-505090-7 (Твердая обложка)
  • Гонсалес Мас, Эсекьель (1980). Historia de la literatura española: (Siglo XVII). Barroco, Том 3. La Редакционное, UPR.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Исакофф, Стюарт (2012). Естественная история фортепиано: инструмент, музыка, музыканты - от Моцарта до современного джаза и всего, что между ними. Knopf Doubleday Publishing.CS1 maint: ref = harv (связь)
  • Пратер, Андреас, и Бауэр, Герман, La Peinture du baroque (1997), (на французском языке), Ташен, Париж ISBN  3-8228-8365-4
  • Тазартес, Мауриция, Fontaines de Rome, (2004), (на французском языке) Цитадели, Париж ISBN  2-85088-200-3

дальнейшее чтение

  • Андерсен, Лизелотта. 1969 г. Искусство барокко и рококо, Нью-Йорк: Х. Н. Абрамс. ISBN  978-0-8109-8027-3
  • Бейли, Говен Александр. 2012. Барокко и рококо, Лондон: Phaidon Press. ISBN  978-0-7148-5742-8
  • Базен, Жермен, 1964. Барокко и рококо. Praeger World of Art Series. Нью-Йорк: Прегер. (Первоначально опубликовано на французском языке, как Классика, барокко и рококо. Париж: Ларусс. Английское издание перепечатано как Искусство барокко и рококо, Нью-Йорк: Praeger, 1974).
  • Бучи-Глюксманн, Кристина. 1994. Причина барокко: эстетика современности. Мудрец.
  • Даунс, Керри, "Барокко"[постоянная мертвая ссылка ], Grove Art Online, Oxford Art Online, Oxford University Press, Интернет. 23 октября 2017 г.[требуется проверка ] (требуется подписка)
  • Холмы, Хелен (ред.). 2011 г. Переосмысление барокко. Фарнем, Суррей; Берлингтон, VT: Ashgate. ISBN  978-0-7546-6685-1.
  • Ортола, Поликарп, 2013, Эстетика гемотафономии: стилистические параллели между наукой и литературой и изобразительным искусством. Сан-Висент-дель-Распейг: ECU. ISBN  978-84-9948-991-9.
  • Китсон, Майкл. 1966. Эпоха барокко. Достопримечательности мирового искусства. Лондон: Хэмлин; Нью-Йорк: Макгроу-Хилл.
  • Ламберт, Грегг, 2004. Возвращение барокко в современную культуру. Континуум. ISBN  978-0-8264-6648-8.
  • Мартин, Джон Руперт. 1977. Барокко. Icon Editions. Нью-Йорк: Харпер и Роу. ISBN  0-06-435332-X (ткань); ISBN  0-06-430077-3 (pbk.)
  • Палиска, Клод В. (1991) [1961]. Барочная музыка. История музыки Prentice Hall (3 - е изд.). Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Prentice Hall. ISBN  0-13-058496-7. OCLC  318382784.
  • Ригль, Алоис (2010). Хопкинс, Эндрю (ред.). Истоки искусства барокко в Риме (тексты и документы). Исследовательский институт Гетти. ISBN  978-1-6060-6041-4.
  • Вельфлин, Генрих (1964) [Первоначально опубликовано на немецком языке, 1888]. Ренессанс и барокко. Перевод Саймона, Катрин. ISBN  0-0021-7349-2.
  • Вюймен, Жан-Клод, 2013. Эпистема барокко: le mot et la selected. Германн. ISBN  978-2-7056-8448-8.
  • Уэйкфилд, Стив. 2004 г. Художественная литература Карпентье: взгляд Медузы, возвращающейся. Colección Támesis. Серия A, Монографии 208. Рочестер, штат Нью-Йорк: Тамесис. ISBN  1-85566-107-1.
  • Массимо Колелла, Il Barocco sabaudo tra mecenatismo e retorica. Мария Джованна Баттиста ди Савойя Немур и Реале Леттерария Академии в Турине, Фонд 1563 per l'Arte e la Cultura della Compagnia di San Paolo, Torino (Alti Studi sull'Età e la Cultura del Barocco, IV-1), 2019. С. 180.
  • Массимо Колелла, Раздельное и общение. Sondaggi intertestuali attorno a Ciro di Pers, в «Xenia. Trimestrale di Letteratura e Cultura »(Генуя), IV, 1, 2019, стр. 11–37.

внешняя ссылка