Художественный фильм - Википедия - Art film

Карл Теодор Дрейер, на фото в 1965 году, снял фильм 1928 года. Страсть Жанны д'Арк.

An художественный фильм обычно серьезный, независимый фильм, направленный на нишевый рынок а не массовый рынок аудитория.[1] Это «задумано как серьезное художественное произведение, часто экспериментальное и не рассчитанное на массовое обращение»,[2] «сделано в первую очередь из эстетических соображений, а не из коммерческих соображений»,[3] и содержит «нетрадиционный или очень символичный контент».[4]

Кинокритики и киноведение Ученые обычно определяют художественный фильм как обладающий «формальными качествами, отличающими его от обычных голливудских фильмов».[5] Эти качества могут включать (среди других элементов): чувство соцреализм; акцент на авторской выразительности режиссера; и сосредоточение внимания на мыслях, мечтах или мотивах персонажей, в отличие от разворачивания ясной, целенаправленной истории. Киновед Дэвид Бордвелл описывает художественное кино как " жанр фильма, со своими собственными определенными соглашениями ".[6]

Продюсеры художественных фильмов обычно представляют свои фильмы в специальных кинотеатрах (репертуарные кинотеатры или, в США, арт-хаус кинотеатры) и в кинофестивали. Период, термин художественный фильм гораздо более широко используется в Северной Америке, Великобритании и Австралии по сравнению с континентальной Европой, где термины авторские фильмы и национальное кино (например, немецкое национальное кино). Поскольку они нацелены на небольшую, рыночную аудиторию, художественные фильмы редко получают финансовую поддержку, которая позволяла бы иметь большие производственные бюджеты, связанные с широко выпущенный блокбастер фильмы. Художественные кинорежиссеры компенсируют эти ограничения, создавая фильм другого типа, в котором обычно используются менее известные киноактеры (или даже актеры-любители), и скромные декорации для создания фильмов, в которых больше внимания уделяется развитию идей, изучению новых повествовательных техник. , и попытки новых соглашений о создании фильмов.

Такие фильмы резко контрастируют с основными фильмами-блокбастерами, которые больше ориентированы на линейное повествование и развлечение. Кинокритик Роджер Эберт называется Chungking Express, получивший признание критиков художественный фильм 1994 года, «в основном мозговой опыт», который приносит удовольствие «благодаря тому, что вы знаете о кино».[7] Для продвижения художественные фильмы полагаются на рекламу, полученную из обзоров кинокритиков; обсуждение фильма художественными обозревателями, комментаторами и блогерами; и молва членов аудитории. Поскольку художественные фильмы имеют небольшие начальные инвестиционные затраты, они должны понравиться лишь небольшой части Основной поток аудитории, чтобы стать финансово жизнеспособными.

История

Антецеденты: 1910–1920-е гг.

Театральные плакаты для L'Inferno и Нетерпимость, который историки кино часто считают первыми художественными фильмами.

К предшественникам художественных фильмов можно отнести итальянское немое кино. L'Inferno (1911), Д. В. Гриффит с Нетерпимость (1916) и произведения русского кинорежиссера Сергей Эйзенштейн, которые на протяжении десятилетий влияли на развитие европейских кинодвижений.[8][9][10] Фильм Эйзенштейна Линкор Потемкин (1925) был революционным пропагандистским фильмом, который он использовал для проверки своих теорий использования монтажа фильмов для получения сильнейшего эмоционального отклика у аудитории. Международная критическая известность, которую Эйзенштейн получил благодаря этому фильму, позволила ему направить Октябрь в рамках грандиозного празднования 10-летия Октябрьская революция 1917 года. Позже он направил Генеральная линия в 1929 г.

Художественные фильмы также находились под влиянием фильмов испанских авангард создатели, такие как Луис Бунюэль и Сальвадор Дали (тот, кто сделал L'Age d'Or в 1930 г.), французского драматурга и режиссера Жан Кокто, чей авангардный фильм 1930-х Кровь поэта использует онейрический повсюду изображения, в том числе модели головы человека из вращающейся проволоки и вращающиеся двусторонние маски. В 1920-х годах кинематографические общества начали отстаивать идею о том, что фильмы можно разделить на «развлекательное кино, ориентированное на массовую аудиторию, и серьезное художественное кино, ориентированное на интеллектуальную аудиторию». В Англии, Альфред Хичкок и Айвор Монтегю сформировали кинообщество и импортировали фильмы, которые они считали «художественными достижениями», такие как «советские фильмы диалектического монтажа и экспрессионистские фильмы студии Universum Film A.G. (UFA) в Германии».[8]

Cinéma pur Французское авангардное кинематографическое движение 1920-1930-х годов также повлияло на развитие идеи художественного кино. В cinema pur движение фильма включало несколько заметных Дадаизм художники. Дадаисты использовали фильм, чтобы выйти за рамки повествовательных традиций повествования, буржуазных традиций и традиционных аристотелевских представлений о времени и пространстве, создав гибкий монтаж времени и пространства.

Американский фотограф и кинорежиссер Ман Рэй (на фото в 1934 году) был частью Дадаист "cinéma pur" кинодвижение, повлиявшее на развитие художественного кино.

В cinema pur движение находилось под влиянием немецких «абсолютных» кинематографистов, таких как Ганс Рихтер, Вальтер Руттманн и Викинг Эггелинг. Рихтер ошибочно утверждал, что его фильм 1921 года Ритмус 21 был первым абстрактный фильм когда-либо созданный. Фактически, ему предшествовал итальянский Футуристы Бруно Корра и Арнальдо Джинна между 1911 и 1912 годами[11] (как сообщается в Футуристический манифест кино[11]), а также немецким художником Вальтером Руттманном, который продюсировал Lichtspiel Opus 1 в 1920 году. Тем не менее, фильм Рихтера Ритмус 21 считается важным ранним абстрактным фильмом.

Первый британский «арт-кинотеатр» был временно открыт во Дворце Люкс в Лондоне в 1929 году. Элси Коэн. В 1931 году она устроила постоянное место в Academy Cinema на Оксфорд-стрит.[12]

1930–1950 годы

В 1930-х и 1940-х годах голливудские фильмы можно было разделить на художественные устремления и литературные адаптации, такие как Джон Форд с Доносчик (1935) и Юджин О'Нил с Дом в долгом путешествии (1940) и прибыльные «популярные жанровые фильмы», такие как гангстерские триллеры. Уильям Сиска утверждает, что итальянский неореалист фильмы середины-конца 1940-х годов, такие как Открытый город (1945), Пайса (1946), и Велосипедные похитители можно рассматривать как еще одно «сознательное движение в области художественного кино».[8]

В конце 1940-х годов общественное мнение США о том, что итальянские неореалистические фильмы и другие серьезные европейские фильмы отличаются от основных голливудских фильмов, подкрепилось развитием «артхаусных кинотеатров» в крупных городах США и университетских городках. После Второй мировой войны «... растущий сегмент американского кино, выходящего на свет, устал от мейнстрима голливудских фильмов», и они пошли во вновь созданные арт-кинотеатры, чтобы увидеть «альтернативы фильмам, показываемым на главной улице». дворцы кино ».[5] В этих художественных кинотеатрах демонстрировались «британские, иностранные и независимые американские фильмы, а также документальные фильмы и возрождение классики Голливуда». Такие фильмы, как Росселлини Открытый город и Маккендрика Плотный маленький остров (Виски в изобилии!), Велосипедные похитители и Красные туфли были показаны значительной аудитории США.[5]

В конце 1950-х гг. Французские режиссеры начал снимать фильмы, на которые оказали влияние Итальянский неореализм[13] и классическое голливудское кино,[13] стиль, который критики назвали Французская новая волна. Хотя это никогда не было формально организованное движение, создателей фильмов «Новой волны» связывало их застенчивое неприятие классической кинематографической формы и дух юности. иконоборчество, и их фильмы являются примером Европейское художественное кино.[14] Многие также участвовали в своей работе с социальными и политическими потрясениями той эпохи, проводя радикальные эксперименты с редактированием, визуальным стилем и повествовательной частью общего разрыва с консервативной парадигмой. Некоторые из самых выдающихся пионеров группы, в том числе Франсуа Трюффо, Жан-Люк Годар, Эрик Ромер, Клод Шаброль, и Жак Риветт, начинал как критика киножурнала Cahiers du cinéma. Авторская теория гласит, что режиссер является «автором» своих фильмов, и его личная подпись видна от фильма к фильму.

1960–1970 годы

Актриса Лена Найман из шведского фильма Мне любопытно (желтый)

Французское движение «Новая волна» продолжалось до 1960-х годов. В 1960-е годы термин «художественный фильм» стал гораздо более широко использоваться в США, чем в Европе. В США этот термин часто определяется очень широко и включает иностранный язык (не английский язык) "автор" фильмы независимые фильмы, экспериментальные фильмы, документальные и короткометражные фильмы. В 1960-е годы «художественный фильм» стал эвфемизм в США для колоритного итальянского и французского B-фильмы. К 1970-м годам этот термин использовался для описания откровенно сексуальный Европейские фильмы с художественной структурой, такие как шведский фильм Мне любопытно (желтый). В США термин «художественный фильм» может относиться к фильмам современных американских художников, в том числе Энди Уорхол с его фильмом 1969 года Синий фильм,[15][16][17] но иногда используется очень свободно для обозначения широкого диапазона фильмов, показываемых в репертуарных театрах или «кинотеатрах арт-хауса». При таком подходе широкий спектр фильмов, например фильмы 1960-х гг. Hitchcock фильм, экспериментальный андеграундный фильм 1970-х, европейский авторский фильм, американский «независимый» фильм и даже основной фильм на иностранном языке (с субтитрами) - все это может подпадать под рубрику «артхаусные фильмы».

1980–2000-е гг.

К 1980-м и 1990-м годам термин «художественный фильм» в США стал объединяться с «независимым фильмом», который имеет многие из тех же стилистических черт. Такие компании как Miramax Films распределен независимые фильмы которые были сочтены коммерчески выгодными. Когда крупные киностудии отметили нишевую привлекательность независимых фильмов, они создали специальные подразделения, специализирующиеся на неосновных фильмах, таких как Фотографии Fox Searchlight отдел Twentieth Century Fox, то Особенности фокуса отдел Универсальный, то Sony Pictures Classics отдел Sony Pictures Entertainment, а Paramount Vantage отдел Paramount. Кинокритики спорят, можно ли считать фильмы этих подразделений «независимыми фильмами», учитывая, что они имеют финансовую поддержку со стороны крупных студий.

В 2007 г. профессор Камилла Палья утверждала в своей статье «Художественные фильмы: R.I.P.» что "[a] сторона от Фрэнсис Форд Коппола с Крестный отец сериал, с его ловкими ретроспективными кадрами и жестким социальным реализмом, ... [нет] ... ни одного фильма, снятого за последние 35 лет, который, возможно, имеет равный философский вес или виртуозность исполнения с Бергман с Седьмая печать или же Персона Палья заявляет, что молодые люди 2000-х годов «не имеют терпения для долгого и медленного взятия, на которое когда-то специализировались глубоко мыслящие европейские режиссеры», подхода, который давал «роскошный взгляд на мельчайшие выражения лица или холодный взмах лица. стерильная комната или унылый пейзаж ».[18]

По словам директора, продюсера и дистрибьютора Роджер Корман «1950-е и 1960-е годы были временем наибольшего влияния художественного кино. После этого влияние ослабло. Голливуд усвоил уроки европейских фильмов и включил эти уроки в свои фильмы». Корман утверждает, что «зрители могли увидеть что-то из сущности европейского художественного кино в голливудских фильмах семидесятых ... [и поэтому] художественное кино, которое никогда не было только делом европейского кино, все больше и больше становилось настоящим мировым кинематографом. - хотя и изо всех сил пыталась получить широкое признание ». Корман отмечает, что «Голливуд радикально расширил свой эстетический диапазон ... потому что круг рассматриваемых предметов расширился, включив в себя сами условия создания изображений, производства фильмов, нового призматического опыта, опосредованного медиа. современности. В видеомагазине появилась новая аудитория, которая узнала об арт-фильмах ". Корман утверждает, что «в настоящее время существует возможность возрождения» американского художественного кино.[19]

Отклонения от обычных норм кино

Киновед Дэвид Бордвелл изложил академическое определение «художественного фильма» в статье 1979 года, озаглавленной «Художественное кино как способ кинопрактики», в которой художественные фильмы противопоставляются мейнстриму классического голливудского кино. В основных фильмах в голливудском стиле используется четкая форма повествования, чтобы организовать фильм в серию «причинно-связанных событий, происходящих в пространстве и времени», где каждая сцена движется к цели. Сюжет основных фильмов ведется четко определенным главным героем, конкретизирован четкими персонажами и усилен «логикой вопросов и ответов, процедурами решения проблем и [и] структурой сюжета в установленные сроки». Затем фильм связывается с быстрым темпом, музыкальным саундтреком, чтобы вызвать соответствующие эмоции аудитории, и плотным, бесшовным монтажом.[20]

Напротив, Бордвелл утверждает, что «художественное кино мотивирует свое повествование двумя принципами: реализм и авторская выразительность ». Художественные фильмы отклоняются от основных« классических »норм кинопроизводства в том смысле, что они обычно имеют дело с более эпизодическими повествовательными структурами с« ослаблением причинно-следственной цепи ».[20]

Мейнстримные фильмы также имеют дело с моральными дилеммами или кризисами идентичности, но эти проблемы обычно решаются к концу фильма. В художественных фильмах дилеммы исследуются и исследуются задумчиво, но обычно без четкого разрешения в конце фильма.[21]

История в художественном фильме часто играет второстепенную роль по сравнению с развитием персонажа и исследованием идей посредством длительных последовательностей диалогов. Если в художественном фильме есть история, обычно это дрейфующая последовательность нечетко определенных или неоднозначных эпизодов. В фильме могут быть необъяснимые пробелы, намеренно нечеткие эпизоды или посторонние эпизоды, не связанные с предыдущими сценами, которые заставляют зрителя субъективно интерпретировать послание фильма. Художественные фильмы часто «несут на себе отпечатки отличительного визуального стиля» и авторский подход директора.[22] Художественный фильм часто отказывается предоставить «заключение, на которое можно легко ответить», вместо этого ставя перед зрителем задачу подумать о том, «как рассказывается история? Зачем рассказывать историю таким образом?»[23]

Бордвелл утверждает, что «художественное кино само по себе является [кино] жанром со своими собственными определенными условностями».[6] Теоретик кино Роберт Стам также утверждает, что «художественный фильм» - это жанр кино. Он утверждает, что фильм считается художественным фильмом на основе его художественного статуса, точно так же, как жанры фильмов могут быть основаны на таких аспектах фильмов, как их бюджеты (блокбастер фильмы или B-фильмы ) или их звездных исполнителей (Адам Сэндлер фильмы).[24]

Художественный фильм и кинокритика

Есть ученые, которые отмечают, что фильмы массового рынка, такие как снятые в Голливуде, нравятся менее взыскательной аудитории.[25] Затем эта группа обращается к кинокритикам как к культурной элите, которая может помочь им направить их к созданию более продуманных и более качественных фильмов. Чтобы преодолеть разрыв между популярным вкусом и высокой культурой, эти кинокритики должны объяснять незнакомые концепции и делать их привлекательными для воспитания более разборчивой публики, любящей кино. Например, кинокритик может помочь зрителям - своими рецензиями - серьезно задуматься о фильмах, предоставив условия анализа этих художественных фильмов.[26] Применяя художественные рамки анализа и рецензирования фильмов, эти кинокритики предоставляют зрителям новый способ оценить то, что они смотрят. Поэтому, когда исследуются спорные темы, публика не будет немедленно отклонять или нападать на фильм, когда критики информируют их о ценности фильма, например о том, как он отображает реализм. Здесь художественные театры или дома искусств, в которых демонстрируются художественные фильмы, рассматриваются как «места культурного просвещения», привлекающие как критиков, так и интеллектуальную аудиторию. Он служит местом, где эти критики могут познакомиться с культурой и художественной атмосферой, где они могут найти идеи и материалы.

Хронология известных фильмов

Следующий список представляет собой небольшой частичный образец фильмов с характеристиками «художественного фильма», составленный для того, чтобы дать общее представление о том, какие режиссеры и фильмы считаются имеющими характеристики «художественного фильма». Фильмы в этом списке демонстрируют одну или несколько характеристик художественных фильмов: серьезный, некоммерческий или снятый самостоятельно, не рассчитанный на массовую аудиторию. Некоторые из фильмов в этом списке также считаются авторскими фильмами, независимыми фильмами или экспериментальные фильмы. В некоторых случаях критики расходятся во мнениях относительно того, является ли фильм мейнстримом или нет. Например, в то время как некоторые критики называли Гас Ван Сант с Мой личный штат Айдахо (1991) "упражнение в экспериментировании с кино" "высокого художественного качества",[27] Вашингтон Пост назвал его амбициозным мейнстримным фильмом.[28] Некоторые фильмы в этом списке обладают большинством этих характеристик; другие фильмы - это коммерческие фильмы, снятые на основных студиях, которые, тем не менее, имеют отличительные черты режиссерского «авторского» стиля или имеют экспериментальный характер. Фильмы в этом списке примечательны либо тем, что они получили главные награды или похвалы критиков от влиятельных кинокритиков, либо потому, что они представили новаторскую технику повествования или создания фильмов.

1920–1940 годы

В 1920-1930-е годы создатели фильмов не ставили перед собой задачу снимать «художественные фильмы», а кинокритики не использовали термин «художественный фильм». Однако были фильмы, преследовавшие сложные эстетические цели, такие как Карл Теодор Дрейер с Страсть Жанны д'Арк (1928) и Вампир (1932), сюрреалистические фильмы, такие как Луис Бунюэль Un chien andalou (1929) и L'Âge d'Or (1930), или даже фильмы, имеющие отношение к политике и актуальным событиям, такие как Сергей Эйзенштейн знаменитый и влиятельный шедевр Линкор Потемкин. Американский фильм Восход солнца: Песнь двух людей (1927) автор Немецкий экспрессионист директор Ф. В. Мурнау использует искаженный художественный дизайн и новаторская кинематография, чтобы создать преувеличенный, похожий на сказку мир, богатый символикой и образами. Жан Ренуар фильм Правила игры (1939) - это комедия нравов который выходит за рамки условностей своего жанра, создавая едкую и трагическую сатиру французского высшего общества в годы перед Второй мировой войной; опрос критиков из Зрение и звук оценил его как четвертый величайший фильм в истории, поставив его позади Головокружение, Гражданин Кейн и Токийская история.[29]

Плакат Дрейера Страсть Жанны д'Арк

Некоторые из этих ранних художественно ориентированных фильмов финансировались богатыми людьми, а не кинокомпаниями, особенно в тех случаях, когда содержание фильма было спорным или вряд ли могло привлечь аудиторию. В конце 1940-х годов британский режиссер Майкл Пауэлл и Эмерик Прессбургер сделали Красные туфли (1948), фильм о балете, который отличался от мейнстрим-жанровых фильмов той эпохи. В 1945 г. Дэвид Лин направленный Краткая встреча, адаптация Ноэль Кауард игра Натюрморт, в котором рассказывается о страстной любви между мужчиной из высшего класса и женщиной из среднего класса на фоне социальных и экономических проблем, с которыми Британия столкнулась в то время.

1950-е годы

В 1950-х годах некоторые из хорошо известных художественных фильмов включают Ла Страда (1954), фильм о молодой женщине, которая вынуждена пойти работать на жестокого и бесчеловечного артиста цирка, чтобы поддержать свою семью, и в конце концов смирилась со своим положением; Карл Теодор Дрейер Ordet (1955), сосредоточившись на семье с неверием, но с сыном, который считает, что он Иисус Христос и убежденный, что он способен творить чудеса; Федерико Феллини с Ночи Кабирии (1957), в котором рассматриваются неудачные попытки проститутки найти любовь, ее страдания и отвержение; Земляника (1957) Ингмара Бергмана, повествование которого касается пожилого врача, который также является профессором, чьи кошмары заставляют его переоценить свою жизнь; и 400 ударов (1959) Франсуа Трюффо, главный герой которого - молодой человек, пытающийся достичь совершеннолетия, несмотря на жестокое обращение со стороны его родителей, школьных учителей и общества. В Польше Хрущевская оттепель разрешили некоторое ослабление культурной политики режима и постановки, такие как Поколение, Канал, Пепел и бриллианты, Lotna (1954–1959), все режиссеры Анджей Вайда, показал Польская киношкола стиль.

Азия

В Индия, в Бенгальский кино известный как "Параллельное кино "или" Индийская новая волна ". Это была альтернатива массовому коммерческому кино, известному своим серьезным содержанием, реализм и натурализм с пристальным вниманием к общественно-политическому климату того времени. Это движение отличается от основного направления. Болливуд кино и началось примерно в то же время, что и Французский и Японская новая волна. Наиболее влиятельными режиссерами, участвовавшими в этом движении, были Сатьяджит Рэй, Мринал Сен и Ритвик Гхатак. Некоторые из самых всемирно известных фильмов того периода были Трилогия Апу (1955–1959), трио фильмов, рассказывающих историю превращения бедного деревенского мальчика во взрослую жизнь, и Сатьяджит Рэй с Далекий гром (1973), в котором рассказывается история фермера во время голод в Бенгалии.[30][31] Другие известные Бенгальский режиссеры, участвующие в этом движении, включают Ритупарно Гош, Апарна Сен и Гоутам Гхош.

Японские режиссеры произвел ряд фильмов, которые нарушили условности. Акира Куросава с Расомон (1950), первый японский фильм, который будет широко показан на Западе, изображает противоречивые рассказы четырех свидетелей об изнасиловании и убийстве. В 1952 году Куросава поставил Икиру, фильм о токийском бюрократе, который пытается найти смысл своей жизни. Токийская история (1953), автор Ясудзиро Одзу, исследует социальные изменения эпохи, рассказывая историю пожилой пары, которая едет в Токио, чтобы навестить своих взрослых детей, но обнаруживает, что дети слишком эгоцентричны, чтобы проводить с ними много времени. Семь самураев (1954) Куросава рассказывает историю фермерской деревни, которая наняла семь самураев без хозяина для борьбы с бандитами. Пожары на равнине (1959), автор Кон Итикава, исследует опыт Японии во Второй мировой войне, изображая больного японского солдата, изо всех сил пытающегося остаться в живых. Угетсу (1953), автор Кендзи Мидзогути, это история о привидениях, действие которой происходит в конце 16 века, она рассказывает о крестьянах, чья деревня находится на пути наступающей армии. Год спустя Мидзогути поставил Саншо Судебный исполнитель (1954), в котором рассказывается история двух аристократических детей, проданных в рабство; Помимо серьезных тем, таких как потеря свободы, в фильме есть красивые изображения и длинные сложные кадры.

1960-е

1960-е годы были важным периодом в художественном кино, когда был выпущен ряд революционных фильмов, положивших начало европейскому художественному кино. Жан-Люка Годара À бой суфле (Бездыханный) (1960) использовали новаторские методы визуализации и редактирования, такие как прыжки и портативная камера работай. Годар, ведущая фигура французской новой волны, продолжал снимать новаторские фильмы в течение всего десятилетия, предлагая совершенно новый стиль создания фильмов. После успеха БездыханныйГоддард снял еще два очень влиятельных фильма, Презрение и Пьеро ле Фу, в 1963 и 1965 годах соответственно. Жюль и Джим Франсуа Трюффо деконструировал сложные отношения трех людей с помощью новаторских методов написания сценария, монтажа и съемки. Итальянский режиссер Микеланджело Антониони помог произвести революцию в кинопроизводстве с такими фильмами, как La Notte (1961), комплексное исследование неудавшегося брака, которое касалось таких вопросов, как аномия и бесплодие; Затмение (1962) о молодой женщине, которая не может установить прочные отношения со своим парнем из-за его материалистической натуры; Красная пустыня (1964), его первый цветной фильм, в котором говорится о необходимости адаптироваться к современному миру; и Взрывать (1966), его первый англоязычный фильм, в котором исследуются проблемы восприятия и реальности, поскольку он следует за попыткой молодого фотографа выяснить, не снимал ли он убийство.

Шведский режиссер Ингмар Бергман начал 1960-е с камерных пьес, таких как Зимний свет (1963) и Тишина (1963), в которых рассматриваются такие темы, как эмоциональная изоляция и отсутствие общения. Его фильмы второй половины десятилетия, такие как Персона (1966), Стыд (1968), и Страсть (1969) рассматривают идею фильма как вымысла. Интеллектуальные и визуально выразительные фильмы Тадеуш Конвицкий, Такие как День мертвых (Задушки, 1961) и Сальто (1962), вдохновили дискуссии о войне и подняли экзистенциальные вопросы от имени своих обычных героев.

Итальянский режиссер Федерико Феллини

Федерико Феллини сладкая жизнь (1960) изображает череду ночей и рассветов в Риме, свидетелем которых является циничный журналист. В 1963 году Феллини сделал 8½, исследование творческих, семейных и духовных трудностей, снятое в черно-белом режиме кинематографистом. Джанни ди Венанцо. Фильм 1961 года В прошлом году в Мариенбаде режиссером Ален Рене исследует восприятие и реальность, используя грандиозные снимки слежения, которые стали широко влиятельными. Роберт Брессон с Au Hasard Balthazar (1966) и Мушетт (1967) отличаются натуралистическим эллиптическим стилем. Испанский режиссер Луис Бунюэль также внес большой вклад в искусство кино, создав шокирующие сюрреалистические сатиры, такие как Виридиана (1961) и Ангел-истребитель (1962).

Российский режиссер Андрей Тарковский фильм Андрей Рублев (1966) - портрет средневекового русского иконописец с таким же названием. Фильм также о свободе творчества и возможности и необходимости творить искусство для репрессивной власти и перед ее лицом. Обрезанная версия фильма была показана на 1969 Каннский кинофестиваль, где он выиграл ФИПРЕССИ приз.[32] В конце десятилетия Стэнли Кубрик с 2001: Космическая одиссея (1968) поразил публику своим научным реализмом, новаторским использованием спецэффектов и необычными визуальными образами. В 1969 году Энди Уорхол выпустил Синий фильм, первый художественный фильм для взрослых, изображающий откровенный секс, получивший широкий прокат в США.[15][16][17] По словам Уорхола, Синий фильм оказал большое влияние на создание Последнее танго в Париже, вызывающий споры во всем мире эротический художественный фильм режиссера Бернардо Бертолуччи и выпущен через несколько лет после Синий фильм сделан.[17] В советской Грузия, Сергей Параджанов с Цвет граната, в котором Грузинский актриса Софико Чиаурели играет пять разных персонажей, был запрещен советскими властями, долгое время недоступен на Западе и получил высокую оценку критиков. Михаил Вартанов как «революционер»;[33] а в начале 1980-х гг. Les Cahiers du Cinéma поместил фильм в свою десятку лучших.[34] В 1967 г. Советская Грузия, влиятельный грузинский кинорежиссер Тенгиз Абуладзе направленный Ведреба (Мольба), который был основан на мотивах Важа-Пшавела Литературные произведения, в которых история рассказана в стиле поэтического повествования, наполненного символическими сценами с философским смыслом. В Иране Дариуш Мехрджуй с Корова (1969) о человеке, который становится безумным после смерти любимой коровы, вызвал новую волну Иранское кино.

1970-е годы

В начале 1970-х режиссеры шокировали публику жестокими фильмами, такими как Заводной апельсин (1971), жестокое исследование Стэнли Кубрика футуристических молодежных банд и Последнее танго в Париже (1972), Бернардо Бертолуччи нарушающий табу, откровенно сексуальный и неоднозначный фильм. В то же время другие режиссеры снимали больше интроспективных фильмов, таких как Андрей Тарковский медитативный научно-фантастический фильм Солярис (1972), предположительно задуманный как ответный удар СССР 2001. В 1975 и 1979 годах соответственно Тарковский снял два других фильма, получивших признание критиков за рубежом: Зеркало и Сталкер. Терренс Малик, кто направил Бесплодные земли (1973) и Дни Небес (1978) разделяет многие черты Тарковского, такие как его длинные, затяжные кадры естественной красоты, вызывающие воспоминания образы и поэтический стиль повествования.

Другой особенностью художественных фильмов 1970-х годов было возвращение на первый план причудливых персонажей и образов, которыми изобилует измученный, одержимый главный герой в Немецкая новая волна директор Вернер Херцог с Агирре, гнев Божий (1973), а в культовые фильмы Такие как Алехандро Ходоровски психоделический Святая гора (1973) о воре и алхимике, ищущем мифических Остров Лотоса.[35] Фильм Таксист (1976), автор Мартин Скорсезе, продолжает темы, Заводной апельсин исследовано: отчужденное население, живущее в жестоком, разлагающемся обществе. Жестокое насилие и бурная ярость фильма Скорсезе контрастируют с другими фильмами, выпущенными в тот же период, такими как Дэвид Линч сказочная, сюрреалистическая и индустриальная черно-белая классика Ластик (1977).[36] В 1974 г. Джон Кассаветис резко прокомментировал жизнь американских рабочих в Женщина под влиянием, в котором изображена эксцентричная домохозяйка, медленно впадающая в безумие.

Также в 1970-х годах Рэдли Мецгер направил несколько фильмы для взрослых, Такие как Барбара Бродкаст (1977), который представил сюрреалистический "Бунеллианская" атмосфера,[37] и Открытие Мисти Бетховен (1976) по пьесе Пигмалион к Джордж Бернард Шоу (и его производная, Моя прекрасная леди ), который, по мнению отмеченного наградами автора Тони Бентли, чтобы быть «жемчужиной в короне» Золотой век порно,[38][39] эра в современной американской культуре, которая была открыта выпуском Энди Уорхола Синий фильм (1969) и показал феномен "порно шик "[40][41] в котором эротика для взрослых фильмы стали выходить в прокат, публично обсуждались знаменитостями (такими как Джонни Карсон и Боб Хоуп )[42] и серьезно воспринимается кинокритиками (такими как Роджер Эберт ).[43][44]

1980-е

В 1980 году режиссер Мартин Скорсезе дал зрителям, которые привыкли к эскапистским приключениям блокбастеров Стивен Спилберг и Джордж Лукас, грубый, суровый реализм его фильма Бешеный бык. В этом фильме актер Роберт Де Ниро взял метод действия до крайности, чтобы изобразить падение боксера от титулованного молодого бойца до полноватого, "бывшего" владельца ночного клуба. Ридли Скотт с Бегущий по лезвию (1982) также можно рассматривать как научно-фантастический художественный фильм, наряду с 2001: Космическая одиссея (1968). Бегущий по лезвию исследует темы экзистенциализм, или что значит быть человеком. Провалившись кассовым сбором, фильм стал популярным в артхаусе как кинотеатр. культовая странность после того, как выпуск "режиссерской версии" стал успешным благодаря VHS домашнее видео. В середине десятилетия японский режиссер Акира Куросава использовал реализм, чтобы изобразить жестокое, кровавое насилие японских самурайских войн 16-го века в Ран (1985). Ран следил за сюжетом Король Лир, в котором пожилого короля предают его дети. Серджио Леоне также противопоставил жестокое насилие эмоциональному содержанию в своем эпическом рассказе о жизни гангстеров в Однажды в Америке.

Хотя обширные декорации больше связаны с мейнстримом, чем с художественными фильмами, японский режиссер Акира Куросава построил множество декораций для своего фильма 1985 года. Ран, в том числе воссоздание средневековых ворот.

Другие режиссеры в 1980-х годах выбрали более интеллектуальный путь, исследуя философские и этические вопросы. Анджей Вайда с Человек из железа (1981), критика польского коммунистического правительства, выиграла в 1981 г. Золотая пальмовая ветвь на Каннский кинофестиваль. Другой польский режиссер, Кшиштоф Кесьлевский, сделали Декалог для телевидения в 1988 году - сериал фильмов, в которых исследуются этические проблемы и моральные загадки. Два из этих фильмов были выпущены на экраны как Короткометражный фильм о любви и Короткометражный фильм об убийстве. В 1989 г. Вуди Аллен сделано, по словам Нью-Йорк Таймс критик Винсент Кэнби, его самый "надежно серьезный и забавный фильм на сегодняшний день", Преступления и проступки, который включает в себя множество историй о людях, которые пытаются обрести моральную и духовную простоту, сталкиваясь с ужасными проблемами и мыслями, связанными с тем выбором, который они делают. Французский режиссер Луи Малле выбрал другой нравственный путь, чтобы исследовать его, инсценировав свой жизненный опыт детства в Au revoir, les enfants, который изображает депортацию французских евреев в концентрационные лагеря оккупационным нацистским правительством во время Второй мировой войны.

Еще один художественный фильм той эпохи, получивший высокую оценку критиков, Вим Вендерс дорожный фильм Париж, Техас (1984), также получил Золотую пальмовую ветвь.[45][46]

Кесьлевский был не единственным режиссером, который преодолел различие между кино и телевидением. Ингмар Бергман сделали Фанни и Александр (1982), который был показан по телевидению в расширенной пятичасовой версии. В Соединенном Королевстве Канал 4, новый телеканал, финансирующий, полностью или частично, многие фильмы, выпущенные в кинотеатрах через его Фильм 4 дочернее предприятие. Вим Вендерс предложил другой подход к жизни с духовной точки зрения в своем фильме 1987 года Крылья желания, изображение «падшего ангела», живущего среди людей, завоевавшее Премия за лучшую режиссуру на Каннский кинофестиваль. В 1982 г. директор-экспериментатор Годфри Реджио вышел Кояанискатси, фильм без диалога, подчеркивающий кинематографию и философскую идеологию. Он состоит в основном из замедленная съемка и промежуток времени кинематография городов и природных ландшафтов, в результате чего получается визуальное тональная поэма.[47]

Другой подход, который использовали режиссеры в 1980-х, заключался в создании причудливых, сюрреалистических альтернативных миров. Мартин Скорсезе с В нерабочее время (1985) - комедия-триллер, изображающая загадочные приключения человека в сюрреалистическом ночном мире случайных встреч с таинственными персонажами. Дэвид Линч с Синий бархат (1986), а фильм-нуар Загадочный триллер в стиле триллера, наполненный символикой и метафорами о поляризованных мирах и населенный искаженными персонажами, скрывающимися в темном подземном мире небольшого городка, стал на удивление успешным, учитывая его весьма тревожный сюжет. Питер Гринуэй с Повар, вор, его жена и ее любовник (1989) - это фантастика /черная комедия о каннибализм и крайнее насилие с интеллектуальной темой: критика «элитарной культуры» в Тэтчер Британия.

В соответствии с Рафаэль Бассан в своей статье "Ангел: Un météore dans le ciel de l'animation ",[48] Патрик Бокановски с Ангел, показанный на 1982 Каннский кинофестиваль, можно считать началом современной анимации. Маски персонажей стирают всю человеческую личность и создают впечатление полного контроля над «материей» изображения и его оптической композицией, используя искаженные области, неясные видения, метаморфозы и синтетические объекты.

1990-е годы

В 1990-е годы режиссеры черпали вдохновение из успеха Дэвид Линч с Синий бархат (1986) и Питер Гринуэй с Повар, вор, его жена и ее любовник (1989) и создавал фильмы с причудливыми альтернативными мирами и элементами сюрреализма. Японский режиссер Акира Куросава Мечты (1990) изобразил его творческие мечтания в серии виньеток, которые варьируются от идиллических деревенских пейзажей до ужасающих видений измученных демонов и разрушенного пейзажа после ядерной войны. В Братья Коэн ' Бартон Финк (1991), выигравший Золотая пальмовая ветвь на Каннский кинофестиваль, содержит различные литературные аллюзии в загадочной истории о писателе, который встречает ряд причудливых персонажей, в том числе алкоголика, жестокого писателя и серийного убийцу. Потерянное шоссе (1997), от того же режиссера, что и Синий бархат, это психологический триллер который исследует фантастические миры, причудливые пространственно-временные преобразования и психические срывы с использованием сюрреалистических образов.

Другие режиссеры в 1990-х годах исследовали философские вопросы и темы, такие как идентичность, случайность, смерть и экзистенциализм. Гас Ван Сант с Мой личный штат Айдахо (1991) и Вонг Карвай с Chungking Express (1994) исследовали тему идентичности. Первый - это независимый дорожный фильм / фильм про двух молодых уличных хулиганов, который исследует тему поиска дома и идентичности. Это было названо «высшей точкой в ​​независимом кино 90-х»,[49] «резкое поэтическое размышление»,[50] и "эксперимент в кино"[51] «высокого художественного качества».[27] Chungking Express[52] исследует темы идентичности, разобщенности, одиночества и изоляции в «метафорических бетонных джунглях» современного Гонконга.

Дарюш Шокоф фильм Семь слуг (1996) - оригинальный фильм высокого искусства о человеке, который до последнего вздоха стремится «объединить» расы мира. Год спустя Семь слуг, Аббас Киаростами фильм Вкус вишни (1997),[53] фильм, получивший Золотую пальмовую ветвь на Каннском кинофестивале, рассказывает похожую историю с другой стороны; оба фильма рассказывают о человеке, который пытается нанять человека, чтобы тот похоронил его после того, как он совершил самоубийство. Семь слуг был снят в стиле минимализма, с длинными дублями, неторопливым темпом и долгими периодами тишины. Фильм также примечателен использованием длинных планов и снимков сверху, чтобы создать ощущение дистанции между зрителями и персонажами. Чжан Имоу работы начала 1990-х, такие как Джу Доу (1990), Поднимите красный фонарь (1991), История Цю Цзюй (1992) и Жить (1994) исследуют человеческие эмоции с помощью острых повествований. Жить получил приз Большого жюри.

В нескольких фильмах 1990-х годов исследуются экзистенциалистские темы, связанные с жизнью, случайностью и смертью. Роберт Альтман с Короткие сокращения (1993) исследует темы случая, смерти и неверности, прослеживая 10 параллельных и взаимосвязанных историй. Фильм, получивший премию Золотой лев и Кубок Вольпи на Венецианский кинофестиваль, был назван "многогранной, многогранной, великолепно структурированной эклектичной джазовой фреской" Чикаго Трибьюн критик Майкл Уилмингтон. Кшиштоф Кесьлевский с Двойная жизнь Вероники (1991) - драма на тему идентичности и политическая аллегория о расколе между Востоком и Западом в Европе; В фильме стилизованная кинематография, неземная атмосфера и необъяснимые сверхъестественные элементы.

Даррен Аронофски фильм число Пи (1998) - это «невероятно сложный и неоднозначный фильм, наполненный одновременно невероятным стилем и содержанием» о «поисках мира» параноидальным математиком.[54] Фильм создает Дэвид Линч -вдохновленный "жуткий" Ластик -подобный мир "[55] снят в "черно-белом цвете, что придает сказочную атмосферу всему процессу" и исследует такие вопросы, как "метафизика и духовность".[56] Мэтью Барни с Цикл Cremaster (1994–2002) - это цикл из пяти символических, аллегорических фильмов, создающих замкнутую эстетическую систему, нацеленную на исследование процесса творчества. Фильмы полны намеков на репродуктивные органы и половое развитие и используют модели повествования, взятые из биографии, мифологии и геологии.

В 1997 г. Терренс Малик вернулся из 20-летнего отсутствия с Тонкая красная линия, фильм о войне, в котором поэзия и природа отличаются от типичных фильмов о войне. Он был номинирован на семь Оскар, в том числе за лучший фильм и лучшую режиссуру.[57]

Некоторые фильмы 1990-х годов смешивают неземную или сюрреалистическую визуальную атмосферу с исследованием философских проблем. Сатантанго (1994), автор Венгерский режиссер Бела Тарр, это7 1⁄2-часовой фильм, снятый в черно-белом цвете, посвященный любимой теме Тарра, неадекватности, как мошенник Иримиас возвращается в деревню в неустановленном месте в Венгрии, представляя себя лидером и Фигура мессии доверчивым сельчанам. Кесьлевского Три цвета трилогия (1993–94), в частности Синий (1993) и красный (1994) рассматривают человеческие отношения и то, как люди справляются с ними в повседневной жизни. Трилогия фильмов получила название «Исследования духовности и экзистенциализма».[58] это создало «поистине превосходный опыт».[59] Хранитель перечисленные Разбивая волны (1996) как один из 25 лучших художественных фильмов. Рецензент заявил, что "[все] ингредиенты, которые стали определять Ларс фон Триер карьера (и, в свою очередь, большая часть современного европейского кинематографа) присутствует здесь: высокоуровневая игра, новаторские визуальные техники, страдающая героиня, драма, решающая проблемы, и зажигательный выстрел противоречий, чтобы все это нельзя было пропустить ».[60]

2000-е

Льюис Бил из Film Journal International заявил, что австралийский режиссер Андрей Доминик вестерн фильм Убийство Джесси Джеймса трусом Робертом Фордом (2007) - «увлекательная литературная работа, пользующаяся успехом как художественный, так и жанровый фильм».[61] В отличие от ориентированного на действие Джесси Джеймс фильмы прошлого, нетрадиционная эпопея Доминика, возможно, более точно описывает отказавшуюся психику преступника в последние месяцы его жизни, когда он поддается паранойе быть схваченным и развивает ненадежную дружбу со своим потенциальным убийцей, Роберт Форд. В 2009 году директор Пол Томас Андерсон утверждал, что его фильм 2002 года Пьяная любовь о застенчивом, подавленном гневе-аголике был "арт-хаус" Адам Сэндлер film », ссылка на маловероятное включение в фильм комика« Сандлер »; критик Роджер Эберт утверждает, что Удар пьяная любовь «может быть ключом ко всем фильмам Адама Сэндлера и может освободить Сэндлера для нового направления в его работе. Он не может продолжать создавать эти идиотские комедии вечно, не так ли? Кто бы мог подумать, что у него такие неизведанные глубины? "[62]

2010-е

Апичатпонг Вирасетакул с Дядя Бунми, который может вспомнить свои прошлые жизни, который выиграл Каннскую пальмовую ветвь 2010 года, «связывает воедино то, что может быть просто серией прекрасно снятых сцен с волнующими и забавными размышлениями о природе смерти и реинкарнации, любви, потерь и кармы».[63] Вирасетакул - независимый кинорежиссер, сценарист и продюсер, работающий вне строгих рамок тайской киностудии. Его фильмы посвящены мечтам, природе, сексуальности, в том числе его собственной гомосексуальности,[64] и западное восприятие Таиланд и Азия. В фильмах Вирасетакула предпочтение отдается нетрадиционным структурам повествования (например, размещение титров / титров в середине фильма) и работе с неактерами.

Терренс Малик с Древо жизни (2011) был выпущен после десятилетий разработки и получил Золотую пальмовую ветвь на Каннский кинофестиваль 2011 г.; он получил высокую оценку критиков. В Театре Эйвон в Стэмфорд, Коннектикут, было опубликовано сообщение о политике кинотеатра без возврата денег из-за «некоторых отзывов клиентов и поляризованной реакции аудитории» на фильм. Театр заявил, что «стоит за этим грандиозным произведением искусства и другими интересными фильмами».[65] Водить машину (2011), режиссер Николас Виндинг Рефн, обычно называют артхаус боевик.[66] Также в 2011 году директор Ларс фон Триер вышел Меланхолия, фильм про депрессия и другие психические расстройства, а также демонстрируют реакцию семьи на приближающуюся планету, которая может столкнуться с Землей. Фильм был хорошо принят, некоторые утверждали, что это шедевр фон Триера, а другие подчеркивали Кирстен Данст исполнение, визуальные эффекты и реализм, изображенные в фильме.

Джонатан Глейзер с Под кожей был показан в 2013 Венецианский кинофестиваль и получил театральный релиз через инди-студию A24 в следующем году. Фильм, в главных ролях Скарлетт Йоханссон, следует иностранец в человеческой форме, когда она путешествует Глазго, собирая неосторожных мужчин для секса, собирая их плоть и лишая их человечности. Фильм, посвященный таким темам, как сексуальность, человечность и объективация, получил положительные отзывы.[67] и был воспринят некоторыми как шедевр;[68] критик Ричард Ропер описал фильм как «то, о чем мы говорим, когда говорим о фильме как об искусстве».[69]

Признанный критиками фильм о совершеннолетии Зови меня своим именем режиссер Лука Гуаданьино в главных ролях Тимоти Шаламе и Арми Хаммер был выпущен в 2017 году. Многие считали его фильмом в стиле арт-хаус и непосредственной классикой квир-кино.

В этом десятилетии также возродилось "арт ужас "с успехом таких фильмов, как Черный лебедь (2010), Стокер (2013), Враг (2013), Бабадук (2014), Выживут только любовники (2014), Девушка идет одна ночью домой (2014), Спокойной ночи мамочка (2014), Ночной бездельник (2014), Следует (2015), Ведьма (2015), Плач (2016), Расколоть (2016), социальный триллер Убирайся (2017), Мать! (2017), Аннигиляция (2018), Тихое место (2018), Наследственный (2018), Суспирия (2018), Мэнди (2018), Соловей (2018), Дом, который построил Джек (2018), Нас (2019), Midsommar (2019), Маяк (2019), Цвет из космоса (2019) и Премия Оскар за лучший фильм победитель Паразит (2019).[70][71][72][73]

Рома (2018), фильм Альфонсо Куарон вдохновленный своим детством, живущим в Мексике 1970-х годов. Снятый в черно-белом режиме, он посвящен темам, общим для прошлых фильмов Куарона, таким как смертность и класс. Фильм распространялся через Netflix, заработав для стримингового гиганта первый Академическая награда номинация на Лучшая картина.[74]

Критика

Критика художественных фильмов включает в себя излишнюю претенциозность и самолюбие для основной аудитории.[75][76]

Связанные понятия

Художественное телевидение

Смотрите также: Качественное телевидение

Качественное художественное телевидение,[77] а телевизионный жанр или стиль, который имеет некоторые из тех же черт, что и художественные фильмы. Телевизионные шоу, такие как Дэвид Линч Твин Пикс и BBC с Поющий детектив, также имеют «ослабление причинно-следственной связи, больший упор на психологический или анекдотический реализм, нарушения классической ясности пространства и времени, явные авторские комментарии и двусмысленность».[78]

Как и во многих других работах Линча (особенно в фильме Синий бархат), Твин Пикс исследует пропасть между покровом респектабельности маленького городка и более убогими слоями жизни, скрывающимися под его поверхностью. Шоу сложно поместить в определенный телевизионный жанр; стилистически он заимствует тревожный тон и сверхъестественные предпосылки фильмов ужасов и одновременно предлагает причудливо комичную пародию на американские мыльные оперы с дерзкий, мелодраматическое изложение морально сомнительной деятельности его причудливых персонажей. Шоу представляет собой серьезное нравственное исследование, отмеченное обоими странный юмор и глубокая вена сюрреализм, включающий сильно стилизованные виньетки, сюрреалистические и зачастую недоступные художественные образы наряду с понятным повествованием о событиях.

Чарли Брукер ориентирована на Великобританию Черное зеркало телесериал исследует темные, а иногда и сатирические темы в современном обществе, особенно в отношении непредвиденных последствий новых технологий; будучи классифицированным как "спекулятивная фантастика", а не художественное телевидение, он получил восторженные отзывы. HBO's Провод можно также квалифицировать как «художественное телевидение», поскольку оно привлекло к себе большее внимание со стороны ученых, чем большинство телешоу. Например, теория кино журнал Film Quarterly представил шоу на обложке.[79]

Примеры артхаусных мультфильмов

Известные артхаусные аниматоры

В популярных СМИ

Художественные фильмы были частью популярной культуры из анимационных ситкомов, таких как Симпсоны[90] и Clone High спуфинг и высмеивание их[91] даже на веб-серию комедийных обзоров фильмов Брови высоко подняты (ведущий Кайл Каллгрен).[92][93]

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ «Определение художественного фильма». MSN Encarta. Архивировано из оригинал 25 мая 2011 г.. Получено 23 января 2007.
  2. ^ Словарь английского языка американского наследия, четвертое издание. Компания Houghton Mifflin: 2009.
  3. ^ Словарь колледжа Random House Kernerman Webster. Случайный дом: 2010.
  4. ^ «Художественный фильм». Dictionary.com. Получено 21 апреля 2015.
  5. ^ а б c Вилинский, Барбара (2001). «Уверенные игроки: появление кинотеатра Art House». Журнал популярного кино и телевидения. Университет Миннесоты. 32: 171.
  6. ^ а б Барри, Кейт (2007). Жанры фильмов: от иконографии к идеологии. Wallflower Press. п. 1.
  7. ^ Эберт, Роджер (15 марта 1996 г.). "Обзор фильма" Chungking Express Movie "(1996)". Чикаго Сан-Таймс. Получено 22 февраля 2018 - через www.rogerebert.com.
  8. ^ а б c Сиска, Уильям К. (1980). Модернизм в повествовательном кино: художественный фильм как жанр. Арно Пресс.
  9. ^ Манчел, Франк (1990). Киноведение: аналитическая библиография. Издательство Университета Фэрли Дикинсона. п. 118.
  10. ^ Питер Бонданелла (2009). История итальянского кино. A&C Black. ISBN  9781441160690.
  11. ^ а б Маринетти, Ф. Т .; Корра, Бруно; Сеттимелли, Эмилио; Джинна, Арнальдо; Балла, Джакомо; Чити, Ремо (15 ноября 1916 г.). «Манифест футуристического кино».
  12. ^ «Коэн [в браке имя Келлнер], Элси (1895–1972), владелица кинотеатра». Оксфордский национальный биографический словарь. Дои:10.1093 / ссылка: odnb / 56535. Получено 23 октября 2020.
  13. ^ а б Мишель, Мари (2002). Французская новая волна: художественная школа. Перевод Ричарда Нойперта. Нью-Йорк: John Wiley & Sons, Incorporated.
  14. ^ «Французское кино: волны». archive.org. Архивировано из оригинал 11 мая 2008 г.
  15. ^ а б Кэнби, Винсент (22 июля 1969 г.). "Обзор фильма - Голубой фильм (1968) Экран: Голубой фильм Энди Уорхола"'". Нью-Йорк Таймс. Получено 29 декабря 2015.
  16. ^ а б Кэнби, Винсент (10 августа 1969 г.). «Красный горячий и синий фильм Уорхола. D1. Печать. (За платным доступом)». Нью-Йорк Таймс. Получено 29 декабря 2015.
  17. ^ а б c Коменас, Гэри (2005). "Голубой фильм (1968)". WarholStars.org. Получено 29 декабря 2015.
  18. ^ Палья, Камилла (8 августа 2007 г.). «Художественные фильмы: R.I.P.» Salon.com. Получено 22 февраля 2018.
  19. ^ Броуди, Ричард (17 января 2013 г.). Художественный фильм "Состояние""". Житель Нью-Йорка. Получено 21 апреля 2015.
  20. ^ а б Бордвелл, Дэвид (осень 1979 г.). «Художественное кино как метод кинопрактики» (PDF). Фильм Критика. Архивировано из оригинал (PDF) 13 ноября 2008 г.. Получено 13 ноября 2008 - через The Wayback Machine.
  21. ^ Эльзаэссер, Томас (29 июля 2007 г.). "Спектакль: европейское художественное кино". Бергманорама: Волшебные произведения Ингмара Бергмана. Архивировано из оригинал 29 июля 2007 г.. Получено 22 февраля 2018.
  22. ^ Уильямс, Кристофер (5 июля 2007 г.). «Социальное искусство кино: момент истории в истории британской кино- и телевизионной культуры» (PDF). Кино: истоки и будущее. Архивировано из оригинал (PDF) 5 июля 2007 г.. Получено 22 февраля 2017 - через The Wayback Machine.
  23. ^ Арнольд Хельмински, Эллисон. «Воспоминания о революционном кино». Чувства кино. Архивировано из оригинал 21 июля 2001 г.. Получено 22 февраля 2018.
  24. ^ Стам, Роберт; Миллер, Тоби (2000). Кино и теория: введение. Хобокен, Нью-Джерси: Blackwell Publishing.
  25. ^ Послушайте, Ина Рэй (2002). Выставка, Кинотеатр. Лондон: Рутледж. п. 71. ISBN  0-415-23517-0.
  26. ^ Вилинский, Барбара (2001). Уверенные места: появление кинотеатра Art House Cinema. Миннеаполис: Университет Миннесоты Press. стр.92. ISBN  0-8166-3562-5.
  27. ^ а б Allmovie.com
  28. ^ Хау, Дессон (18 октября 1991 г.). "Мой личный штат Айдахо". Вашингтон Пост. Получено 22 февраля 2018.
  29. ^ "Взгляд и звук | Десять лучших опросов 2002 года - десятка лучших критиков 2002". BFI. 5 сентября 2006 г. Архивировано с оригинал 16 декабря 2006 г.. Получено 6 октября 2010.
  30. ^ Обзор фильма - Ашани Санкет К Винсент Кэнби, Нью-Йорк Таймс, 12 октября 1973 г.
  31. ^ Обзор Нью-Йорк Таймс.
  32. ^ "Каннский фестиваль: Андрей Рублев". festival-cannes.com. Архивировано из оригинал 18 января 2012 г.. Получено 10 апреля 2009.
  33. ^ "Цвет граната на Paradjanov.com". Parajanov.com. 9 января 2001 г. В архиве из оригинала 14 сентября 2010 г.. Получено 6 октября 2010.
  34. ^ "Цвет граната в Cahiers du Cinema Top 10". Parajanov.com. Получено 6 октября 2010.
  35. ^ Это был второй фильм Ходоровского 1970-х годов. Он также сделал Эль Топо (1970), сюрреалистический вестерн.
  36. ^ «13 величайших фильмов ужасов арт-хауса - Dread Central». 19 февраля 2016 г. - через www.dreadcentral.com.
  37. ^ "Барбара Бродкаст - Обзор DVD BluRay". Mondo-digital.com. 27 августа 2013 г.. Получено 21 февраля 2016.
  38. ^ Бентли, Тони (Июнь 2014 г.). «Легенда о Генри Пэрис». Плейбой. Архивировано из оригинал 4 февраля 2016 г.. Получено 26 января 2016.
  39. ^ Бентли, Тони (Июнь 2014 г.). «Легенда о Генрихе Пэрис» (PDF). ToniBentley.com. Получено 26 января 2016.
  40. ^ Блюменталь, Ральф (21 января 1973 г.). «Порно шик,„Hard-ядро“растет модно-и очень выгодно». Журнал The New York Times. Получено 20 января 2016.
  41. ^ «Порно Шик». www.jahsonic.com.
  42. ^ Корлисс, Ричард (29 марта 2005 г.). "That Old Feeling: Когда Porno был Шик". Время. Получено 27 января 2016.
  43. ^ Эберт, Роджер (13 июня 1973 г.). "Дьявол в мисс Джонс - Обзор фильма". RogerEbert.com. Получено 7 февраля 2015.
  44. ^ Эберт, Роджер (24 ноября 1976 г.). "Алиса в стране чудес: Музыкальная фантазия X-Rated". RogerEbert.com. Получено 26 февраля 2016.
  45. ^ Янага, Тайнан (14 декабря 2018 г.). "ПАРИЖ, ТЕХАС: European Art House встречает великолепный американский фильм о дороге в потрясающей моде".
  46. ^ Роддик, Ник. "Париж, Техас: снова в пути". Коллекция критериев.
  47. ^ «Кояанискатси». Дух Бараки. 21 мая 2007 г. В архиве из оригинала 30 января 2010 г.. Получено 28 мая 2008.
  48. ^ La Revue du cinéma, № 393, апрель 1984 г.
  49. ^ Критик Filmcritic.com Джейк Эйлер.
  50. ^ Рецензент Ник Шагер.
  51. ^ Критик Мэтт Брансон.
  52. ^ До Chungking Express он руководил Дни безумия. Позже, в 1990-х, Кар-Вай поставил Счастливы вместе (фильм) (1997).
  53. ^ В 1990 году Киаростами поставил Крупный план.
  54. ^ "Обзор фильма Pi, выпуск DVD -". Filmcritic.com. Архивировано из оригинал 30 декабря 2005 г.. Получено 6 октября 2010.
  55. ^ «Текущие обзоры фильмов, независимые фильмы - кинематографическая угроза». Filmthreat.com. 15 июня 1998 г. Архивировано с оригинал 23 июня 2008 г.. Получено 6 октября 2010.
  56. ^ Критик Джеймс Берардинелли.
  57. ^ 1999 | Oscars.org
  58. ^ Эмануэль Леви, обзор Три цвета: синий. Проверено 9 января 2012 года.
  59. ^ Мэтт Брансон.
  60. ^ Стив Роуз. «Разбивая волны: № 24 лучший артхаусный фильм всех времен». хранитель. Получено 21 апреля 2015.
  61. ^ Льюис Бил. «Убийство Джесси Джеймса трусом Робертом Фордом». Film Journal International. Архивировано из оригинал 11 октября 2007 г.. Получено 27 сентября 2007.
  62. ^ "Пьяная любовь". Чикаго Сан-Таймс.
  63. ^ Сатрародж, Ник. Обзор фильма: «Дядя Бунми», художественный фильм для всех В архиве 23 августа 2010 г. Wayback Machine. CNN. Доступ 2 октября 2010 г.
  64. ^ «Создание своего собственного языка: интервью с Апичатпонгом Вирасетакул», Ромерс, Х. Cineaste, стр.34, т. 30, нет. 4, осень 2005 г., Нью-Йорк.
  65. ^ Остин Дейл (24 июня 2011 г.). ИНТЕРВЬЮ: Вот история, лежащая в основе политики театра без возврата денег за «Древо жизни»"". indieWIRE. Архивировано из оригинал 26 июня 2011 г.. Получено 16 июля 2011.
  66. ^ «Драйв (2011)». Гнилые помидоры. Flixster. Получено 17 сентября 2011.
  67. ^ "Под кожей". rottentomatoes.com. 4 апреля 2014 г.. Получено 21 апреля 2015.
  68. ^ Коллин, Робби (13 марта 2014 г.). «Под кожей»: просто шедевр'". Телеграф. Получено 22 февраля 2018.
  69. ^ Ропер, Ричард (13 апреля 2014 г.). "'Under the Skin »: великолепный сюжет об увлекательной роковой женщине». Чикаго Сан-Таймс. Получено 21 апреля 2015 - через блог Ричарда Ропера.
  70. ^ Кларк, Дональд (21 января 2011 г.). "Черный лебедь". Irish Times. Получено 14 марта 2016.
  71. ^ Эбири, Бильге (17 апреля 2014 г.). «Под кожей и история художественного фильма ужасов». Гриф. Получено 14 марта 2016.
  72. ^ Д'Алессандро, Энтони (29 октября 2015 г.). «Фильм ужасов Radius« Спокойной ночи, мамочка »разбудит избирателей, проголосовавших за« Оскар », вступлением Австрии». deadline.com. Получено 14 марта 2016.
  73. ^ Ли, Бенджамин (22 февраля 2016 г.). «Неужели артхаусный хоррор поразил мейнстримную аудиторию США?». Хранитель. Получено 26 февраля 2017.
  74. ^ Тэпли, Кристофер (22 января 2019 г.). "'"Рома" стал первым номинантом на премию "Оскар" за лучший фильм Netflix ".
  75. ^ Биллсон, Энн (5 сентября 2013 г.). «10 самых претенциозных фильмов» - через www.telegraph.co.uk.
  76. ^ Декин, Мерт (1 октября 2019 г.). «10 известных артхаусных фильмов, которые слишком балуют себя». Вкус кино.
  77. ^ Торнтон Колдуэлл, Джон (1995). Телевизуальность: стиль, кризис и авторитет американского телевидения. Издательство Университета Рутгерса. п.67.
  78. ^ Томпсон, Кристин (2003). Повествование в кино и на телевидении. Кембридж, Массачусетс: Издательство Гарвардского университета.
  79. ^ Дрисколл, Д. (2 ноября 2009 г.). "Провод Преподавание в Гарварде ". Machines.pomona.edu. Архивировано из оригинал 20 июля 2011 г.. Получено 6 октября 2010.
  80. ^ Лодж, Гай (29 августа 2019). "Обзор фильма:" Бомбейская роза "'".
  81. ^ а б c d «Предложение Euro Animated Films« Темнее »Art House, альтернатива Голливуду, - говорит исполнительный директор». Голливудский репортер.
  82. ^ а б c d «Анимационные фильмы, которые ждут с нетерпением». www.amctheatres.com.
  83. ^ а б c d е «Оставьте детей дома: возрождение артхаусной анимации». IFC.
  84. ^ Холл, Стэн; Oregonian, специально для The (3 февраля 2012 г.). «Инди и артхаусные фильмы:« Все будет хорошо »Дона Херцфельда,« Ты кого-нибудь поцеловал »Майка Фогеля и другие». Oregonlive.
  85. ^ а б "Мечта - это судьба: Пробуждение жизни". Сеть Анимационного Мира.
  86. ^ «10 лучших анимационных фильмов, которые вы, вероятно, никогда не видели». ScreenRant. 1 июля 2019.
  87. ^ а б «10 основных научно-фантастических фильмов про артхаус». Киношкола отклоняет. 1 сентября 2018.
  88. ^ Тильман, Сэм (24 ноября 2016 г.). «Марафон Симпсонов в честь Дня благодарения: 25 лучших серий, от которых стоит съесть» - через www.theguardian.com.
  89. ^ "Артхаус Кино Листинг 12–18 декабря 2012 г.". SF Weekly. 12 декабря 2012 г.
  90. ^ "Any Given Sundance" - через www.imdb.com.
  91. ^ «Кинофестиваль: Слезы клона» - через www.imdb.com.
  92. ^ "Настоящие молодцы, ребята: Кайл Каллгрен и высоко поднятые брови". 7 ноября 2017.
  93. ^ Каллгрен, Кайл (17 сентября 2019 г.). "Мой личный штат Айдахо | Брови высоко подняты" - через Vimeo.

внешняя ссылка