Электронная музыка - Википедия - Electronic music

Электронная музыка является Музыка что нанимает электронные музыкальные инструменты, цифровые инструменты или схемотехнический музыкальные технологии. Можно различать звук, производимый электромеханическими средствами (электроакустическая музыка ) и производится только с помощью электроники.^[1] Электромеханические инструменты имеют механические элементы, такие как струны, молотки и электрические элементы, такие как магнитные звукосниматели, усилители мощности и музыкальные колонки. Примеры электромеханических звуковых устройств включают: телгармониум, Орган Хаммонда, электрическое пианино и Электрогитара, которые обычно делаются достаточно громкими, чтобы исполнители и зрители могли услышать инструментальный усилитель и кабинет динамика. Чисто электронные инструменты не имеют вибрирующих струн, молотков или других звуковых механизмов. Такие устройства, как терменвокс, синтезатор и компьютер может издавать электронные звуки.^[2]

Первые электронные устройства для исполнения музыки были разработаны в конце 19 века, а вскоре и в Италии. футуристы исследовал звуки, которые не считались музыкальными. В течение 1920-х и 1930-х годов появились электронные инструменты и были созданы первые композиции для электронных инструментов. К 1940-м годам магнитная аудиокассета позволила музыкантам записывать звуки, а затем изменять их, изменяя скорость или направление ленты, что привело к развитию электроакустический магнитофонная музыка в 1940-х годах в Египте и Франции. Musique concrète, созданный в Париже в 1948 году, был основан на совместном редактировании записанных фрагментов естественных и индустриальных звуков. Музыка, созданная исключительно с помощью электронных генераторов, была впервые произведена в Германии в 1953 году. Электронная музыка также была создана в Японии и Соединенных Штатах, начиная с 1950-х годов. Важным новым событием стало появление компьютеров для сочинения музыки. Алгоритмический композиция с компьютерами была впервые продемонстрирована в 1950-х годах (хотя алгоритмическая композиция сама по себе без компьютера возникла гораздо раньше, например, Моцарт Musikalisches Würfelspiel ).

В 1960-х годах живая электроника была впервые использована в Америке и Европе, японские электронные музыкальные инструменты начали оказывать влияние на музыкальная индустрия и ямайский дублировать музыку возникла как форма популярной электронной музыки. В начале 1970-х гг. однотонный Minimoog синтезатор и японский драм-машины помог популяризировать синтезированную электронную музыку.

В 1970-х годах электронная музыка начала оказывать значительное влияние на популярная музыка, с принятием полифонические синтезаторы, электронные барабаны, драм-машины и вертушки, благодаря появлению таких жанров, как дискотека, краутрок, новая волна, синти-поп, хип-хоп и EDM. В 1980-х годах электронная музыка стала более доминирующей в популярной музыке, с большей опорой на синтезаторы и принятием программируемых драм-машин, таких как Roland TR-808 и бас-синтезаторы такой как ТБ-303. В начале 1980-х годов цифровые технологии для синтезаторов, включая цифровые синтезаторы такой как Yamaha DX7 стал популярным, и группа музыкантов и торговцев музыкой разработала цифровой интерфейс для музыкальных инструментов (MIDI ).

Электронная музыка стала популярной к 1990-м годам из-за появления доступных музыкальных технологий.^[3] Современная электронная музыка включает в себя множество разновидностей и варьируется от экспериментальная музыка к популярным формам, таким как электронная танцевальная музыка. Поп-электронная музыка наиболее узнаваема в форме 4/4 и больше связана с мейнстримом, чем предыдущие формы, которые были популярны на нишевых рынках.^[4]

Происхождение: конец 19 века - начало 20 века.

Первая страница Scientific American в 1907 году, демонстрируя размер, действие и популярность Телгармониум

На рубеже 20-го века эксперименты с развивающаяся электроника привело к первому электронные музыкальные инструменты.^[5] Эти первоначальные изобретения не продавались, а вместо этого использовались в демонстрациях и публичных выступлениях. Зрителям были представлены репродукции уже существующей музыки вместо новых композиций для инструментов.^[6] В то время как некоторые из них считались новинками и производили простые тона, Телгармониум синтезированный звучание нескольких оркестровых инструментов с разумной точностью. Он вызвал живой общественный интерес и добился коммерческого прогресса в потоковая музыка через телефонные сети.^[7]

В то время критики музыкальных условностей видели в этих достижениях многообещающие перспективы. Ферруччо Бузони поощрял состав микротональная музыка разрешено электронными приборами. Он предсказал использование машин в музыке будущего, написав влиятельные Эскиз новой эстетики музыки (1907).^[8] Футуристы Такие как Франческо Балилья Прателла и Луиджи Руссоло начал сочинять музыка с акустическим шумом вызвать звук машины. Они предсказали расширение в тембр разрешено электроникой во влиятельном манифесте Искусство шума (1913).^[9][10]

Ранние сочинения

Леон Термен демонстрируя терменвокс в 1927 г.

Разработки вакуумная труба привели к электронным инструментам, которые были меньше, усиленный, и более практичный для производительности.^[11] В частности, терменвокс, ондес Мартено и траутоний серийно производились к началу 1930-х годов.^[12][13]

С конца 1920-х годов возросшая практичность электронных инструментов повлияла на таких композиторов, как Джозеф Шиллингер принять их. Обычно они использовались в оркестры, и большинство композиторов писали части для терменвокса, которые иначе можно было бы исполнять с струнные инструменты.^[12]

Композиторы-авангардисты критиковал преобладающее использование электронных инструментов для обычных целей.^[12] Инструменты предлагали расширение питч-ресурсов^[14] которые использовались сторонниками микротональной музыки, такими как Чарльз Айвз, Димитриос Левидис, Оливье Мессиан и Эдгар Варез.^[15][16][17] Дальше, Перси Грейнджер использовал терменвокс, чтобы полностью отказаться от фиксированной тональности,^[18] а русские композиторы, такие как Гавриил Попов рассматривал его как источник шума в акустических шумовая музыка.^[19]

Запись экспериментов

События в начале технология записи параллельно с электронными инструментами. Первые средства записи и воспроизведения звука были изобретены в конце 19 века с помощью механических фонограф.^[20] Плееры стали обычным предметом домашнего обихода, и к 1920-м композиторы использовали их для проигрывания коротких записей в выступлениях.^[21]

Вступление к электрическая запись в 1925 г. последовало усиление экспериментов с проигрывателями. Пол Хиндемит и Эрнст Тох сочинил несколько пьес в 1930 году, наложив записи инструментов и вокала с заданной скоростью. Под влиянием этих техник, Джон Кейдж составлен Воображаемый пейзаж №1 в 1939 году, регулируя скорость записываемых тонов.^[22]

Одновременно композиторы начали экспериментировать с недавно разработанными звук на пленке технологии. Записи можно объединить, чтобы создать звуковые коллажи, например, Тристан Цара, Курт Швиттерс, Филиппо Томмазо Маринетти, Вальтер Руттманн и Дзига Вертов. Кроме того, технология позволила звуку быть графически созданный и измененный. Эти методы были использованы для создания саундтреков к нескольким фильмам в Германии и России, помимо популярных Доктор Джекилл и мистер Хайд В Соединенных Штатах. Эксперименты с графическим звуком продолжили Норман Макларен с конца 1930-х гг.^[23]

Развитие: 1940-1950-е гг.

Электроакустическая кассетная музыка

Первый практический звук магнитофон был открыт в 1935 году.^[24] Усовершенствования технологии были сделаны с использованием Смещение переменного тока техника, которая значительно улучшила точность записи.^[25][26] Еще в 1942 г. производились пробные записи в стерео.^[27] Хотя эти разработки первоначально были ограничены Германией, магнитофоны и кассеты были доставлены в Соединенные Штаты после окончания Второй мировой войны.^[28] Они стали основой для первого серийного магнитофона в 1948 году.^[29]

В 1944 году, до использования магнитной ленты в композиционных целях, египетский композитор Халим Эль-Дабх, будучи еще студентом Каир, использовал громоздкий проводной магнитофон записывать звуки древнего Заар церемония. Используя оборудование ближневосточной радиостудии, Эль-Дабх обработал записанный материал, используя реверберацию, эхо, регуляторы напряжения и перезапись. То, что получилось, считается самой ранней записью музыкальной композиции.^[30] Получившаяся работа получила название Выражение Заара и он был представлен в 1944 году на выставке картинной галереи в Каире. В то время как его первые эксперименты с записью на магнитофон не были широко известны за пределами Египта, Эль-Дабх также известен своими более поздними работами в области электронной музыки в Центр электронной музыки Колумбии-Принстон в конце 1950-х гг.^[31]

Musique concrète

Фоноген (1953), магнитофон для изменения звуковой структуры, разработанный Пьер Шеффер и другие. в GRMC

Пьер Шеффер представляя Acousmonium (1974), который состоял из 80 динамиков для воспроизведения ленты, на ГРМ

После его работы с Студия d'Essai в Radiodiffusion Française (RDF), в начале 1940-х гг. Пьер Шеффер приписывают создание теории и практики Concrète музыки. В конце 1940-х годов эксперименты по созданию звуковой композиции с использованием шеллак проигрыватели впервые были проведены Шеффером. В 1950 году методы музыкального бетона были расширены, когда магнитные магнитофоны были использованы для изучения методов обработки звука, таких как изменение скорости (сдвиг высоты тона ) и склейка ленты (Паломбини 1993, 14).^[32]

5 октября 1948 года RDF передал Шефферу Etude aux chemins de fer. Это был первый "движение " из Cinq études de bruits, и положил начало реализации студийной^[33] и musique concrète (или акусматическое искусство). Schaeffer применил режущий диск. токарный станок, четыре вертушки, четырехканальный микшер, фильтры, эхо-камера и мобильный записывающий блок. Вскоре после этого Пьер Анри начал сотрудничество с Schaeffer, партнерство, которое оказало глубокое и долговременное влияние на направление электронной музыки. Другой соратник Шеффера, Эдгар Варез, начал работу над Пустыни, произведение для камерного оркестра и ленты. Части ленты были созданы в студии Пьера Шеффера, а позже были переработаны в Колумбийском университете.

В 1950 году Шеффер дал первый публичный (не транслируемый) концерт Musique concrète в École Normale de Musique de Paris. "Шеффер использовал Система громкой связи, несколько вертушек и миксеров. Спектакль прошел не очень хорошо, поскольку создание живых монтажей с вертушками никогда раньше не производилось ».^[34] Позже в том же году Пьер Анри сотрудничал с Шеффером над Symphonie pour un homme seul (1950) первое крупное произведение конкретной музыки. В 1951 году в Париже, что стало важной мировой тенденцией, RTF основала первую студию по производству электронной музыки. Также в 1951 году Шеффер и Генри поставили оперу, Орфей, для конкретных звуков и голосов.

К 1951 году творчество Шеффера, композитора-перкуссионист Пьер Анри и звукорежиссер Жак Пуллен получили официальное признание и Groupe de Recherches de Musique Concrète, Club d 'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française была основана в RTF в Париже, прародительнице ОРТФ.^[35]

Электронная музыка

Карлхайнц Штокхаузен в студии электронной музыки WDR, Кельн, 1991 г.

Карлхайнц Штокхаузен некоторое время проработал в студии Шеффера в 1952 г., а затем много лет в WDR Кельн Студия электронной музыки.

1954 год ознаменовался появлением того, что теперь будет считаться аутентичными электрическими плюс акустическими композициями - акустическими инструментами, дополненными / сопровождаемыми записями обработанного или генерируемого электроникой звука. В этом году состоялась премьера трех крупных работ: Вареза. Пустыни, для камерного ансамбля и звуков ленты, и два произведения Отто Луенинг и Владимир Усачевский: Рапсодические вариации для Луисвилльской симфонии и Поэма в циклах и колоколах, как для оркестра, так и для ленты. Поскольку он работал в студии Шеффера, кассетная часть работы Вареза содержит гораздо больше конкретных звуков, чем электронных. «Группа, состоящая из духовых инструментов, перкуссии и фортепиано, чередуется с мутировавшими звуками заводских шумов, корабельных сирен и двигателей, исходящими из двух громкоговорителей».^[36]

На немецкой премьере Пустыни в Гамбург, который провел Бруно Мадерна, управление магнитной лентой осуществлялось Карлхайнц Штокхаузен.^[36] Название Пустыни предложил Варезу не только «все физические пустыни (песок, море, снег, космическое пространство, пустые улицы), но и пустыни в сознании человека; не только те оторванные аспекты природы, которые предполагают обнаженность, отчужденность, безвременье , но также и то отдаленное внутреннее пространство, которое не может достичь ни один телескоп, где человек один, мир тайн и существенного одиночества ».^[37]

В Кельне на базе радиостудий Фестиваля официально открылась самая известная студия электронной музыки в мире. NWDR в 1953 году, хотя он находился на стадии планирования еще в 1950 году, а первые композиции были сделаны и транслировались в 1951 году.^[38] Детище Вернер Мейер-Эпплер, Роберт Бейер и Герберт Эймерт (который стал ее первым директором), к студии вскоре присоединился Карлхайнц Штокхаузен и Готфрид Майкл Кениг. В своей диссертации 1949 г. Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische SpracheМейер-Эпплер придумал идею полностью синтезировать музыку из сигналов, генерируемых электроникой; таким образом, электронная музыка резко отличался от французского Musique concrète, в котором использовались звуки, записанные от акустических источников.^[39]

В 1954 году Штокхаузен написал Elektronische Studie II - первое электронное произведение, которое будет опубликовано в качестве партитуры. В 1955 году стали появляться новые экспериментальные и электронные студии. Заметным было создание Studio di fonologia musicale di Radio Milano, студия в NHK в Токио основан Тоширо Маюзуми, и студии Philips в Эйндховен, то Нидерланды, который переместился в Утрехтский университет как Институт сонологии в 1960 г.

"Вместе со Штокхаузеном и Маурисио Кагель в резиденции он превратился в круглогодичный улей харизматического авангардизма [sic ]"^[40] в двух случаях сочетание звуков, генерируемых электроникой, с относительно обычными оркестры -в Mixtur (1964) и Гимнен, регион Дритте с оркестром (1967).^[41] Штокхаузен заявил, что его слушатели говорили ему, что его электронная музыка дает им ощущение «открытого космоса», ощущения полета или пребывания в «фантастическом мире снов».^[42]Совсем недавно Штокхаузен занялся продюсированием электронной музыки в собственной студии в г. Кюртен, его последняя работа в среде Космические импульсы (2007).

Японская электронная музыка

Эта секция может быть сбивает с толку или неясно читателям. Пожалуйста, помоги нам прояснить раздел. Возможно обсуждение этого вопроса на страница обсуждения. (Март 2012 г.) (Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения)

Орган Yamaha Magna и специальный тоновый кабинет (1935)^[43]

Самая ранняя группа электронных музыкальных инструментов в Японии, Орган Yamaha Magna построен в 1935 г.,^[43] однако после Второй мировой войны Японский такие композиторы, как Минао Сибата, знали о развитии электронных музыкальных инструментов. К концу 1940-х японские композиторы начали экспериментировать с электронной музыкой, и институциональная спонсорская поддержка позволила им экспериментировать с передовым оборудованием. Их вливание Азиатская музыка в развивающийся жанр, в конечном итоге, несколько десятилетий спустя поддержит популярность Японии в развитии музыкальных технологий.^[44]

После основания компании электроники Sony в 1946 г. композиторы Тору Такемицу и Минао Сибата независимо исследовал возможные варианты использования электронных технологий для создания музыки.^[45] У Такемицу были идеи, похожие на Musique concrète, о чем он не подозревал, в то время как Шибата предвидел развитие синтезаторы и предсказал кардинальные перемены в музыке.^[46] Sony начала производить популярные магнитная лента регистраторы для государственного и общественного пользования.^[44][47]

Авангардный коллектив Джиккен Кобо (Experimental Workshop), основанная в 1950 году, получила доступ к новейшим аудиотехнологиям от Sony. Компания наняла Тору Такемицу, чтобы продемонстрировать свои магнитофоны с композициями и исполнением электронной музыки.^[48] Первыми электронными лентами группы были "Toraware no Onna" ("Заключенная женщина") и "Пьеса B", сочиненная в 1951 году Кунихару Акияма.^[49] Многие из электроакустический записанные ими кассеты использовались в качестве музыкальных композиций для радио, фильм, и театр. Они также проводили концерты с участием слайд-шоу синхронизируется с записанной звуковой дорожкой.^[50] Композиторы вне Дзиккен Кобо, такие как Ясуси Акутагава, Сабуро Томинага и Широ Фукай, также экспериментировали с радиофонический магнитофонная музыка между 1952 и 1953 годами.^[47]

Musique concrète была представлена ​​в Японии компанией Тоширо Маюзуми, на которого повлиял концерт Пьера Шеффера. С 1952 г. он сочинял музыкальные ленты для комедийных фильмов, радиопередач и радиопостановок.^[49][51] Однако концепция Шеффера звуковой объект не пользовался влиянием среди японских композиторов, которые в основном были заинтересованы в преодолении ограничений человеческого исполнения.^[52] Это привело к тому, что несколько японцев электроакустические музыканты используя сериализм и двенадцатитоновая техника,^[52] очевидно в Ёсиро Ирино 1951 год додекафонный пьеса "Concerto daCamera",^[51] в организации электронных звуков в "X, Y, Z for Musique Concrète" Маюзуми, а позже в электронной музыке Шибаты к 1956 году.^[53]

Моделирование студии NWDR в Кельне, NHK в 1955 году основал студию электронной музыки в Токио, которая стала одним из ведущих в мире заведений электронной музыки. Студия NHK была оснащена такими технологиями, как оборудование для генерации тона и обработки звука, записывающее и радиофоническое оборудование, ondes Martenot, Монохорд и Мелохорд, синусоидальная волна генераторы, магнитофоны, кольцевые модуляторы, полосовые фильтры, а также четырех- и восьмиканальный смесители. Среди музыкантов, связанных со студией, были Тоширо Маюзуми, Минао Сибата, Джоджи Юаса, Тоши Ичиянаги, и Тору Такемицу. Первые электронные композиции студии были закончены в 1955 году, в том числе пятиминутные пьесы Маюзуми «Studie I: Музыка для синусоидальной волны в пропорции простого числа», «Музыка для модулированной волны в пропорции простого числа» и «Изобретение для прямоугольной волны и пилообразной волны». Волна », созданная с использованием различных возможностей студии по генерации тона, и 20-минутный фильм Шибаты. стерео произведение "Musique Concrète для стереофонического вещания".^[54][55]

Американская электронная музыка

В Соединенных Штатах электронная музыка создавалась еще в 1939 году, когда Джон Кейдж опубликовал Воображаемый пейзаж, №1, с использованием двух вертушек с регулируемой скоростью, частотных записей, приглушенного фортепиано и тарелки, но без электронных средств производства. В период с 1942 по 1952 год Кейдж сочинил еще пять "Imaginary Landscapes" (один снят), в основном для ансамбля ударных, хотя № 4 предназначен для двенадцати радиоприемников, а № 5, написанный в 1952 году, использует 42 записи и должен быть реализован как магнитный. Лента. По словам Отто Луенинга, Кейдж также исполнил Уильям [sic] Mix в Донауэшингене в 1954 году, используя восемь громкоговорителей, через три года после его предполагаемого сотрудничества.^{[требуется разъяснение ]} Уильямс Микс был успешным на Донауэшингенский фестиваль, где произвел «сильное впечатление».^[56]

Проект «Музыка для магнитной ленты» был сформирован членами Нью-Йоркская школа (Джон Кейдж, Эрл Браун, Кристиан Вольф, Дэвид Тюдор, и Мортон Фельдман ),^[57] и длилось три года до 1954 года. Кейдж писал об этом сотрудничестве: «В этой социальной темноте работы Эрла Брауна, Мортона Фельдмана и Кристиана Вольфа продолжают светить ярким светом по той причине, что в нескольких пунктах обозначений , выступление и прослушивание, действие провокационное ".^[58]

Клетка завершена Уильямс Микс в 1953 году во время работы над проектом «Музыка для магнитной ленты».^[59] У группы не было постоянного помещения, и ей приходилось использовать время в коммерческих звуковых студиях, в том числе в студии Луи и Биби Бэррон.

Колумбия-Принстон-центр

В том же году Колумбийский университет купил свой первый магнитофон - профессиональный Ampex машина - для записи концертов. Владимир Усачевский, который учился на музыкальном факультете Колумбийского университета, был назначен ответственным за устройство, и почти сразу же начал с ним экспериментировать.

Герберт Русскол пишет: «Вскоре он был заинтригован новыми звучаниями, которых он мог достичь, записывая музыкальные инструменты, а затем накладывая их друг на друга».^[60] Усачевский позже сказал: «Я вдруг понял, что магнитофон можно рассматривать как инструмент преобразования звука».^[60] В четверг, 8 мая 1952 года, Усачевский представил несколько демонстраций музыки / эффектов, созданных им на пленке, на своем форуме композиторов в театре Макмиллина в Колумбийском университете. К ним относятся Транспозиция, реверберация, эксперимент, композиция, и Подводный вальс. В интервью он заявил: «Я представил несколько примеров своего открытия на публичном концерте в Нью-Йорке вместе с другими композициями, которые я написал для обычных инструментов».^[60]Отто Луенинг, присутствовавший на этом концерте, заметил: «Оборудование, имевшееся в его распоряжении, состояло из магнитофона Ampex ... и простого коробчатого устройства, разработанного блестящим молодым инженером Питером Маузи для создания обратной связи, своего рода механическая реверберация. Другое оборудование было арендовано или приобретено на личные средства ».^[61]

Всего три месяца спустя, в августе 1952 года, Усачевский по приглашению Луенинга поехал в Беннингтон, штат Вермонт, чтобы представить свои эксперименты. Там они работали над разными произведениями. Луенинг описал это событие: «Оснащенный наушниками и флейтой, я начал разрабатывать свою первую композицию для магнитофона. Мы оба свободно импровизировали, и среда разожгла наше воображение».^[61]Они сыграли несколько ранних произведений в неформальной обстановке на вечеринке, где «несколько композиторов почти торжественно поздравили нас, сказав:« Вот оно »(« оно »означает музыку будущего)».^[61]

Весть быстро достигла Нью-Йорка. Оливер Дэниел позвонил им и предложил им «продюсировать группу коротких композиций для октябрьского концерта, спонсируемого American Composers Alliance и Broadcast Music, Inc., под руководством Леопольд Стоковски в Музее современного искусства в Нью-Йорке. После некоторого колебания мы согласились. . . . Генри Коуэлл предоставил в наше распоряжение свой дом и студию в Вудстоке, штат Нью-Йорк. С одолженным оборудованием в кузове машины Усачевского мы уехали из Беннингтона в Вудсток и пробыли там две недели. . . . В конце сентября 1952 года передвижная лаборатория добралась до гостиной Усачевского в Нью-Йорке, где мы, в конце концов, закончили сочинения ».^[61]

Спустя два месяца, 28 октября, Владимир Усачевский и Отто Луенинг представили первый концерт Tape Music в США. В концерте участвовали Луенинг Фантазия в космосе (1952) - «импрессионист. виртуоз кусок"^[61] используя обработанные записи флейты - и Низкая скорость (1952), «экзотическая композиция, в которой звучание флейты намного ниже ее естественного диапазона».^[61] Обе части были созданы в доме Генри Коуэлла в Вудстоке, штат Нью-Йорк. После того, как несколько концертов произвели сенсацию в Нью-Йорке, Усачевский и Луенинг были приглашены на прямую трансляцию шоу Today Show на канале NBC, чтобы провести демонстрацию интервью - первого телевизионного электроакустического выступления. Луенинг описал это событие: «Я импровизировал некоторые [флейтовые] последовательности для магнитофона. Усачевский тут же подверг их электронной трансформации».^[62]

Оценка для Запретная планета, к Луи и Биби Бэррон,^[63] был полностью составлен с использованием специально созданных электронных схем и магнитофонов в 1956 году (но без синтезаторов в современном понимании этого слова).^{[требуется разъяснение ]}

Австралия

CSIRAC, первый цифровой компьютер в Австралии, представленный на Мельбурнский музей

Первый в мире компьютер для воспроизведения музыки был CSIRAC, который был разработан и построен Тревор Пирси и Мастон Берд. Математик Джефф Хилл запрограммировал CSIRAC воспроизводить популярные музыкальные мелодии с самого начала 1950-х годов. В 1951 году он публично сыграл Полковник Боги Марч, из которых не существует известных записей, только точная реконструкция.^[64] Тем не мение, CSIRAC играл стандартный репертуар и не использовался для расширения музыкального мышления или практики композиции. CSIRAC никогда не записывался, но играемая музыка была точно реконструирована. Самые старые известные записи компьютерной музыки играли Ферранти Марк 1 компьютер, коммерческая версия младенец Машина из Манчестерский университет осенью 1951 г.^[65] Музыкальную программу написали Кристофер Стрейчи.

Середина до конца 1950-х годов

Влияние компьютеров продолжилось и в 1956 году. Леджарен Хиллер и Леонард Айзексон составлен Люкс Illiac за струнный квартет, первое полное произведение компьютерной композиции с использованием алгоритмический сочинение. «... Хиллер постулировал, что компьютер можно обучить правилам определенного стиля, а затем призвать их сочинять».^[66] Более поздние разработки включали работы Макс Мэтьюз в Bell Laboratories, которые разработали влиятельные МУЗЫКА I Программа 1957 года, одна из первых компьютерных программ для воспроизведения электронной музыки. Вокодер технологии также были крупным развитием в эту раннюю эпоху. В 1956 году Штокхаузен составил Gesang der Jünglinge, первое крупное произведение Кёльн studio, на основе текста из Книга Даниила. Важным технологическим достижением того года было изобретение Clavivox синтезатор к Раймонд Скотт с подсборкой Роберт Муг.

В 1957 году Кид Балтан (Дик Рааймейкерс ) и Том Диссевельт выпустили свой дебютный альбом, Песня второй луны, записанный на студии Philips в Нидерландах.^[67] Публика по-прежнему интересовалась новыми звуками, создаваемыми во всем мире, о чем можно судить по включению в него песни Вареза. Электронная поэма, который воспроизводился более чем на четырех сотнях громкоговорителей в павильоне Philips 1958 года. Брюссельская всемирная выставка. В том же году Маурисио Кагель, Аргентинский композитор, сочинитель Transición II. Работа выполнена в студии WDR в Кельне. Два музыканта играли на пианино, один в традиционной манере, другой играл на струнах, раме и футляре. Два других исполнителя использовали кассету, чтобы объединить представление живых звуков с будущим заранее записанных материалов более позднего времени и его прошлым записями, сделанными ранее во время выступления.

Звуковой синтезатор RCA Mark II

В 1958 году Колумбия-Принстон разработала Звуковой синтезатор RCA Mark II, первый программируемый синтезатор.^[68] Выдающиеся композиторы, такие как Владимир Усачевский, Отто Луенинг, Милтон Бэббит, Чарльз Вуоринен, Халим Эль-Дабх, Бюлент Арель и Марио Давыдовский использовал RCA Синтезатор широко в различных сочинениях.^[69] Одним из самых влиятельных композиторов, связанных с ранними годами существования студии, был композитор Египта. Халим Эль-Дабх ВОЗ,^[70] после разработки самой ранней известной электронной кассетной музыки в 1944 году,^[30] стал более известен Лейла и поэт, серия электронных композиций 1959 года, которые выделялись своим погружением и бесшовной слияние электронных и Народная музыка, в отличие от более математического подхода, используемого серийный композиторы того времени, такие как Бэббит. Эль-Дабха Лейла и поэт, выпущенный в составе альбома Центр электронной музыки Колумбии-Принстон в 1961 году был отмечен как сильное влияние рядом музыкантов, начиная от Нил Ролник, Чарльз Амирханян и Элис Шилдс к рок-музыканты Фрэнк Заппа и Экспериментальная группа в стиле поп-арт Западного побережья.^[71]

После возникновения разногласий внутри GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète) Пьер Анри, Филипп Артуй и несколько их коллег ушли в отставку в апреле 1958 года. Шеффер создал новый коллектив, названный Groupe de Recherches Musicales (GRM) и приступил к набору новых членов, включая Люк Феррари, Беатрис Феррейра, Франсуа-Бернар Маш, Яннис Ксенакис, Бернар Пармегиани, и Мирей Шамасс-Киру. Позднее прибытие включено Иво Малек, Филипп Карсон, Ромуальд Ванделл, Эдгардо Кантон и Франсуа Бейль.^[72]

Расширение: 1960-е годы

Это были плодотворные годы для электронной музыки - не только для академических кругов, но и для независимых исполнителей. синтезатор технологии стали доступнее. К этому времени сформировалось и росло сильное сообщество композиторов и музыкантов, работающих с новыми звуками и инструментами. В 1960 году были созданы композиции Люнинга. Горгульи для скрипки и ленты, а также премьера балета Штокхаузена Kontakte для электронных звуков, фортепиано и перкуссии. Эта пьеса существовала в двух версиях - одна для 4-х канальной ленты, а другая для ленты с людьми-исполнителями. "В KontakteШтокхаузен отказался от традиционной музыкальной формы, основанной на линейном развитии и драматической кульминации. Этот новый подход, который он назвал «моментальной формой», напоминает технику «кинематографического соединения» в фильмах начала двадцатого века ».^[73]

В терменвокс использовался с 1920-х годов, но получил известность благодаря использованию в научно-фантастических фильмах. саундтрек музыка 1950-х годов (например, Бернард Херрманн классический счет для День когда земля остановилась ).^[74]

В Великобритании в этот период Радиофонический семинар BBC (основан в 1958 году) стал известен во многом благодаря их работе над научно-фантастическим сериалом BBC Доктор Кто. Один из самых влиятельных британских электронных исполнителей того времени.^[75] был сотрудником мастерской Делия Дербишир, которая теперь известна своей электронной реализацией культового Доктор Кто тема, состоит из Рон Грейнер.

Израильский композитор Йозеф Тал в студии электронной музыки в Иерусалиме (около 1965 г.) с Хью Ле Кейн Creative Tape Recorder (a звуковой синтезатор ) он же "Мульти-трек"

В 1961 г. Йозеф Таль учредил Центр электронной музыки в Израиле в Еврейский университет, а в 1962 г. Хью Ле Кейн прибыл в Иерусалим для установки своего Творческий магнитофон в центре.^[76] В 1990-х годах Тал провел вместе с доктором Шломо Маркелем в сотрудничестве с Технион - Израильский технологический институт и VolkswagenStiftung - исследовательский проект (Talmark), направленный на разработку новой системы нотной записи для электронной музыки.^[77]

Милтон Бэббит написал свое первое электронное произведение, используя синтезатор - его Композиция для синтезатора (1961), которую он создал с помощью синтезатора RCA в Центре электронной музыки Колумбии-Принстона.

Для Бэббита синтезатор RCA был воплощением мечты по трем причинам. Во-первых, способность точно определять и контролировать каждый музыкальный элемент. Во-вторых, время, необходимое для реализации его сложных серийных структур, стало практически доступным. В-третьих, вопрос больше не был: «Каковы пределы возможностей человека-исполнителя?» а скорее «Каковы пределы человеческого слуха?»^[78]

Сотрудничество также происходило через океаны и континенты. В 1961 году Усачевский пригласил Варезу в Колумбийско-Принстонскую студию (CPEMC). По прибытии Варез приступил к доработке Пустыни. Ему помогал Марио Давыдовский и Бюлент Арель.^[79]

Интенсивная деятельность, происходящая в CPEMC и других местах, вдохновила создание Музыкальный центр в Сан-Франциско в 1963 г. Мортон Суботник, с дополнительными членами Полин Оливерос, Рамон Сендер, Энтони Мартин и Терри Райли.^[80]

Позже Центр переехал в Миллс Колледж, режиссер Полин Оливерос, где он сегодня известен как Центр современной музыки.^[81]

Одновременно в Сан-Франциско композитор Стэн Шафф и дизайнер оборудования Дуг МакИчерн представили первый концерт Audium в Государственном колледже Сан-Франциско (1962 г.), за которым последовала работа в Музей современного искусства Сан-Франциско (1963), рассматриваемое как управляемое во времени движение звука в пространстве. Двенадцать динамиков окружали аудиторию, четыре динамика были установлены на вращающейся мобильной конструкции наверху.^[82] В спектакле SFMOMA в следующем году (1964) Хроники Сан-Франциско музыкальный критик Альфред Франкенштейн прокомментировал: «Возможности звукового континуума редко исследовались так широко».^[82] В 1967 г. состоялся первый Audium открылся "звуковой и космический континуум", в котором еженедельно проводились выступления до 1970 года. В 1975 году, благодаря начальному капиталу от Национальный фонд искусств, открылась новая аудитория Audium, спроектированная от пола до потолка для создания пространственной звуковой композиции и исполнения.^[83] «Напротив, есть композиторы, которые манипулировали звуковым пространством, размещая несколько динамиков в разных местах в пространстве для выступления, а затем переключая или панорамируя звук между источниками. При таком подходе композиция пространственного манипулирования зависит от расположения динамиков и обычно использует акустические свойства корпуса. Примеры включают Варезе Поэма Электроника (музыка на магнитофон, исполненная в Павильоне Philips на Всемирной выставке 1958 года, Брюссель) и [sic ] Audium установка, действующая в настоящее время в Сан-Франциско ».^[84] Посредством еженедельных программ (более 4500 за 40 лет) Шафф «лепит» звук, исполняя теперь оцифрованные пространственные произведения через 176 динамиков.^[85]

Всем известный пример использования полноразмерного Модульный синтезатор Moog это Включенный Бах альбом автора Венди Карлос, который вызвал повальное увлечение синтезаторной музыкой.

В 1969 г. Дэвид Тюдор принес Модульный синтезатор Moog и магнитофоны Ampex к Национальный институт дизайна в Ахмадабаде при поддержке Семья Сарабхай, сформировав основу первой в Индии студии электронной музыки. Здесь группа композиторов Джинрадж Джошипура, Гита Сарабхай, С.К. Шарма, И.С. Матур и Атул Десаи разработали экспериментальные звуковые композиции между 1969 и 1973 годами.^[86]

Наряду с модульным синтезатором Moog, другие модели этого периода включали ARP и Buchla.

Пьетро Гросси был итальянским пионером компьютерной композиции и кассетной музыки, который впервые экспериментировал с электронной техникой в ​​начале шестидесятых. Гросси был виолончелистом и композитором, родился в Венеции в 1917 году. Он основал S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) в 1963 году, чтобы экспериментировать с электронным звуком и композицией.

Компьютерная музыка

Музыкальные мелодии впервые были созданы на компьютере. CSIRAC в Австралии в 1950 году. Были газетные сообщения из Америки и Англии (ранние и недавние) о том, что компьютеры могли воспроизводить музыку раньше, но тщательное исследование опровергло эти истории, поскольку нет никаких доказательств, подтверждающих газетные сообщения (некоторые из которых были явно спекулятивными ). Исследования показали, что люди предположил о компьютерах, играющих музыку, возможно потому, что компьютеры издают шумы,^[87] но нет никаких доказательств того, что они действительно это сделали.^[88][89]

Первый в мире компьютер для воспроизведения музыки был CSIRAC, который был разработан и построен Тревор Пирси и Мастон Берд в 1950-х годах. Математик Джефф Хилл запрограммировал CSIRAC воспроизводить популярные музыкальные мелодии с самого начала 1950-х годов. В 1951 году он публично сыграл "Полковник Боги Марч "^[90] из которых не существует известных записей. CSIRAC играл стандартный репертуар и не использовался для расширения музыкального мышления или практики композиции, что является современной практикой компьютерной музыки.

Первой музыкой, исполненной в Англии, было исполнение Гимн Великобритании это было запрограммировано Кристофер Стрейчи на Ferranti Mark I в конце 1951 года. Позже в том же году там были записаны короткие отрывки из трех пьес. BBC вне радиовещательной единицы: Государственный гимн ",Ба, Ба Черная овца ", и "В настроении "и это признано как самая ранняя запись компьютера для воспроизведения музыки. Эту запись можно послушать на этот сайт Манчестерского университета. Исследователи из Кентерберийский университет, Крайстчерч удалил клики и восстановил эту запись в 2016 году. Результаты можно будет услышать на SoundCloud.^[91][92][65]

В конце 1950-х, 1960-х и 1970-х годах также был разработан синтез больших мэйнфреймов. Starting in 1957, Max Mathews of Bell Labs developed the MUSIC programs, culminating in MUSIC V, a direct digital synthesis language^[93]

Лори Шпигель разработал algorithmic musical composition программного обеспечения "Музыкальная мышь " (1986) for Macintosh, Amiga, и Atari компьютеры.

Live electronics

In Europe in 1964, Karlheinz Stockhausen composed Микрофония I за там-там, hand-held microphones, filters, and potentiometers, and Mixtur for orchestra, four sine-wave generators, and four ring modulators. In 1965 he composed Микрофония II for choir, Hammond organ, and ring modulators.^[94]

In 1966–67, Рид Газала discovered and began to teach "гибка контура "—the application of the creative short circuit, a process of chance short-circuiting, creating experimental electronic instruments, exploring sonic elements mainly of timbre and with less regard to pitch or rhythm, and influenced by Джон Кейдж с алеаторическая музыка [sic ] concept.^[95]

Japanese instruments

Эта секция содержит контент, который написан как Реклама. Пожалуйста помоги Улучши это путем удаления рекламный контент и неуместно внешняя ссылка, а также путем добавления энциклопедического содержания, написанного с нейтральная точка зрения. (Июнь 2018 г.) (Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения)

Рано электронный орган: Yamaha Electone D-1 (1959)

В 1950-х годах^[96][97] Японский электронные музыкальные инструменты began influencing the international музыкальная индустрия.^[98][99] Икутаро Какехаши, который основал Ace Tone in 1960, developed his own version of electronic percussion that had been already popular on the overseas electronic organ.^[100] В НАММ 1964, he revealed it as the R-1 Rhythm Ace, a hand-operated percussion device that played electronic drum sounds manually as the user pushed buttons, in a similar fashion to modern electronic drum pads.^{[100][101][102]}

Ранодрам-машина: Корг Donca Matic DA-20 (1963)

В 1963 г. Корг выпустил Donca-Matic DA-20, электромеханический драм-машина.^[103] В 1965 г. Nippon Columbia patented a fully electronic drum machine.^[104] Korg released the Donca-Matic DC-11 electronic drum machine in 1966, which they followed with the Korg Mini Pops, which was developed as an option for the Yamaha Electone electric organ.^[103] Korg's Stageman and Mini Pops series were notable for "natural metallic percussion" sounds and incorporating controls for drum "перерывы и fill-ins."^[99]

In 1967, Ace Tone founder Икутаро Какехаши patented a preset rhythm-pattern generator using диодная матрица схема^[105] аналогично Зеебург 's prior U.S. Patent 3,358,068 filed in 1964 (See Drum machine#History ), which he released as the FR-1 Rhythm Ace drum machine the same year.^[100] It offered 16 preset patterns, and four buttons to manually play each instrument sound (тарелка, клавы, колокольчик и басовый барабан ). The rhythm patterns could also be cascaded together by pushing multiple rhythm buttons simultaneously, and the possible combination of rhythm patterns were more than a hundred.^[100] Ace Tone's Rhythm Ace drum machines found their way into популярная музыка from the late 1960s, followed by Korg drum machines in the 1970s.^[99] Kakehashi later left Ace Tone and founded Roland Corporation in 1972, with Roland synthesizers и драм-машины becoming highly influential for the next several decades.^[100] The company would go on to have a big impact on популярная музыка, and do more to shape popular electronic music than any other company.^[102]

Direct-drive turntable: Техника SL-1200 (introduced in 1972)

Турнтаблизм has origins in the invention of direct-drive turntables. Рано belt-drive turntables were unsuitable for turntablism, since they had a slow start-up time, and they were prone to wear-and-tear and breakage, as the belt would break from backspin or scratching.^[106] The first direct-drive turntable was invented by Shuichi Obata, an engineer at Мацусита (сейчас же Panasonic ),^[107] основанный в Осака, Япония. It eliminated belts, and instead employed a motor to directly drive a platter on which a vinyl record rests.^[108] In 1969, Matsushita released it as the СП-10,^[108] the first direct-drive turntable on the market,^[109] and the first in their influential Техника series of turntables.^[108] It was succeeded by the Technics SL-1100 and SL-1200 in the early 1970s, and they were widely adopted by hip hop musicians,^[108] with the SL-1200 remaining the most widely used turntable in DJ culture for several decades.^[110]

Jamaican dub music

In Jamaica, a form of popular electronic music emerged in the 1960s, дублировать музыку, rooted in звуковая система культура. Dub music was pioneered by studio engineers, such as Sylvan Morris, Кинг Табби, Эррол Томпсон, Ли "Скретч" Перри, и Ученый, производя регги - под влиянием экспериментальная музыка with electronic sound technology, in recording studios and at sound system parties.^[111] Their experiments included forms of tape-based composition comparable to aspects of Musique concrète, an emphasis on repetitive rhythmic structures (often stripped of their harmonic elements) comparable to минимализм, the electronic manipulation of spatiality, the sonic electronic manipulation of pre-recorded musical materials from mass media, ди-джеи toasting over pre-recorded music comparable to живая электронная музыка,^[111] ремикс Музыка,^[112] вертушка,^[113] and the mixing and scratching of vinyl.^[114]

Despite the limited electronic equipment available to dub pioneers such as King Tubby and Lee "Scratch" Perry, their experiments in remix culture were musically cutting-edge.^[112] King Tubby, for example, was a sound system proprietor and electronics technician, whose small front-room studio in the Waterhouse ghetto of western Кингстон was a key site of dub music creation.^[115]

Late 1960s to early 1980s

Rise of popular electronic music

В конце 1960-х гг. поп и рок-музыканты, включая the Beach Boys и Битлз, began to use electronic instruments, like the терменвокс и Меллотрон, to supplement and define their sound. В его книге Electronic and Experimental Music, Thom Holmes recognises the Beatles' 1966 recording "Tomorrow Never Knows " as the song that "ushered in a new era in the use of electronic music in rock and pop music" due to the band's incorporation of tape loops and reversed and speed-manipulated tape sounds.^[116] Also in the late 1960s, the music duo Серебряные яблоки and experimental rock bands like Белый шум и the United States of America, are regarded as pioneers to the electronic rock and электроника genres for their work in melding psychedelic rock with oscillators and synthesizers.^{[117][118][119]}

Гершон Кингсли "s"Попкорн " composed in 1969 was the first international electronic dance hit popularised by Горячее масло in 1972 (which leads to a wave of жевательная резинка поп the following years).

Кейт Эмерсон performing in St. Petersburg in 2008

By the end of the 1960 decade, the Синтезатор Moog took a leading place in the sound of emerging прогрессивный рок with bands including Пинк Флойд, да, Emerson, Lake & Palmer, и Бытие making them part of their sound. Instrumental prog rock was particularly significant in continental Europe, allowing bands like Крафтверк, Мандариновая мечта, Может, Neu!, и Фауст to circumvent the language barrier.^[120] Their synthesiser-heavy "краутрок ", along with the work of Брайан Ино (for a time the keyboard player with Рокси Музыка ), would be a major influence on subsequent электронный рок.^[121]

Эмбиент даб was pioneered by King Tubby and other Jamaican sound artists, using DJ-inspired окружающий electronics, complete with drop-outs, echo, equalization and психоделический electronic effects. It featured layering techniques and incorporated elements of этническая музыка, глубокий басовые партии and harmonic sounds.^[122] Techniques such as a long echo delay were also used.^[123] Other notable artists within the genre include Dreadzone, Высшее разведывательное управление, Сфера, Отт, Loop Guru, Вуб и Трансглобальное метро.^[124]

Dub music influenced electronic musical techniques later adopted by хип-хоп музыка, when Jamaican immigrant DJ Kool Herc in the early 1970s introduced Jamaica's sound system culture and dub music techniques to America. One such technique that became popular in хип-хоп culture was playing two copies of the same record on two turntables in alternation, extending the b-dancers ' favorite section.^[125] The turntable eventually went on to become the most visible electronic musical instrument, and occasionally the most виртуозный, in the 1980s and 1990s.^[113]

Electronic rock was also produced by several Japanese musicians, including Исао Томита с Электрический самурай: Включен рок (1972), which featured Moog synthesizer renditions of contemporary pop and rock songs,^[126] и Осаму Китадзима 's progressive rock album Бензайтен (1974).^[127] The mid-1970s saw the rise of electronic art music musicians such as Жан Мишель Жарр, Вангелис, Томита и Клаус Шульце were a significant influence on the development of new-age music.^[122] В передовые технологии appeal of these works created for some years the trend of listing the electronic musical equipment employed in the album sleeves, as a disctintive feature. Electronic music began to enter regularly in radio programming and top-sellers charts, as the French band Космос with their 1977 single Волшебная муха.^[128]

In this era, the sound of rock musicians like Майк Олдфилд и Проект Алана Парсонса (who is credited the first rock song to feature a digital вокодер в 1975 г. Ворон ) used to be arranged and blended with electronic effects and/or music as well, which became much more prominent in the mid-1980s. Джефф Уэйн achieved a long lasting success^[129] with his 1978 electronic rock musical version of Война миров.

Фильм саундтреки also benefit of the electronic sound. В 1977 г. Джин Пейдж recorded a disco version of the hit theme by Джон Уильямс из Стивен Спилберг фильм Близкие контакты третьей степени. Page's version peaked on the R&B chart at #30 in 1978. The score of 1978 film Полуночный экспресс composed by Italian синтезатор -пионер Джорджио Мородер выиграл Премия Оскар за лучший оригинальный саундтрек в 1979, as did it again in 1981 the score by Вангелис за Chariots of Fire.

After the arrival of панк-рок, a form of basic electronic rock emerged, increasingly using new digital technology to replace other instruments. The American duo Самоубийство, who arose from the punk scene in New York, utilized drum machines and synthesizers in a hybrid between electronics and punk on their eponymous 1977 album.^[130]

Синти-поп pioneering bands which enjoyed success for years included Ультравокс with their 1977 track "Hiroshima Mon Amour" on Ha!-Ha!-Ha!,^[131] Yellow Magic Orchestra с их одноименный альбом (1978), Жуки with their prominent 1979 debut single Видео убило радиозвезду,^[132] Гэри Нуман with his solo debut album Принцип удовольствия и один Легковые автомобили в 1979 г.^[133] Оркестровые маневры в темноте with their 1979 single Электричество featured on their одноименный дебютный альбом,^[134] депеш Мод with their first single Мечтая обо мне recorded in 1980 and released in 1981 album Говори и произноси,^[135] Стая чаек with their 1981 single Говорить,^[136] Новый заказ с Церемония^[137] in 1981, and Человеческая лига with their 1981 hit Ты не хочешь меня from debut album Смею.^[138]

New Order performing in Chile in 2019

Определение MIDI и развитие цифровой звук made the development of purely electronic sounds much easier,^[139] с аудио инженеры, производители and composers exploring frequently the possibilities of virtually every new model of electronic sound equipment launched by manufacturers. Synth-pop sometimes used synthesizers to replace all other instruments, but was more common that bands had one of more keyboardists in their line-ups along with guitarists, bassists, and/or drummers. These developments led to the growth of synth-pop, which after it was adopted by the Новый Романтик movement, allowed synthesizers to dominate the pop and rock music of the early 1980s, until the style began to fall from popularity in the mid-to-end of the decade.^[138] Along with aforementioned successful pioneers, key acts included Язу, Duran Duran, Балет Шпандау, Клуб Культуры, Говори говори, Япония, и Эвритмика.

Synth-pop was taken up across the world, with international hits for acts including Мужчины без шляп, Trans-X и Лайм из Канады, Телекс из Бельгии, Питер Шиллинг, Сандра, Modern Talking, Пропаганда и Alphaville from Germany, Yello из Швейцарии и Azul y Negro Из Испании. Also, the synth sound is a key feature of Итало-дискотека.

Some synth-pop bands created futuristic visual styles of themselves to reinforce the idea of electronic sounds were linked primarily with technology, as Americans Devo and Spaniards Авиадор Дро.

Keyboard synthesizers became so common that even тяжелый металл rock bands, a genre often regarded as the противоположный in aesthetics, sound and lifestyle from that of electronic pop artists by fans of both sides, achieved worldwide success with themes as 1983 Прыгать^[140] к Ван Хален and 1986 Последний отсчет^[141] к Европа, which feature synths prominently.

Proliferation of electronic music research institutions

Электронная музыка ^{[св ]} (EMS), formerly known as Electroacoustic Music in Sweden, is the Swedish national centre for electronic music and звуковое искусство. The research organisation started in 1964 and is based in Stockholm.

IRCAM at the Place Igor Stravinsky, Paris

STEIM is a center for research and development of new musical instruments in the electronic performing arts, located in Amsterdam, Netherlands. STEIM has existed since 1969. It was founded by Миша Менгельберг, Луи Андриссен, Питер Шат, Дик Рааймейкерс, Ян ван Влиймен ^{[нл ]}, Reinbert de Leeuw, и Конрад Бёмер. This group of Dutch composers had fought for the reformation of Amsterdam's feudal music structures; they insisted on Bruno Maderna's appointment as musical director of the Concertgebouw Orchestra and enforced the first public fundings for experimental and improvised electronic music in The Netherlands.

IRCAM in Paris became a major center for computer music research and realization and development of the Sogitec 4X компьютерная система,^[142] featuring then revolutionary real-time digital signal processing. Пьер Булез с Répons (1981) for 24 musicians and 6 soloists used the 4X to transform and route soloists to a loudspeaker system.

Барри Верко describes one of his experiences with early computer sounds:

Sogitec 4X (c. 1983)^[143]
at IRCAM machine room in 1989

At IRCAM in Paris in 1982, flutist Larry Beauregard had connected his flute to DiGiugno's 4X audio processor, enabling real-time pitch-following. На Guggenheim at the time, I extended this concept to real-time score-following with automatic synchronized accompaniment, and over the next two years Larry and I gave numerous demonstrations of the computer as a chamber musician, playing Гендель flute sonatas, Булез с Сонатина for flute and piano and by 1984 my own Synapse II for flute and computer—the first piece ever composed expressly for such a setup. A major challenge was finding the right software constructs to support highly sensitive and responsive accompaniment. All of this was pre-MIDI, but the results were impressive even though heavy doses of tempo rubato would continually surprise my Synthetic Performer. In 1985 we solved the tempo rubato problem by incorporating learning from rehearsals (each time you played this way the machine would get better). We were also now tracking violin, since our brilliant, young flautist had contracted a fatal cancer. Moreover, this version used a new standard called MIDI, and here I was ably assisted by former student Miller Puckette, whose initial concepts for this task he later expanded into a program called МАКСИМУМ.^[144]

Keyboard synthesizers

Mini-Moog synthesizer

Released in 1970 by Музыка Moog, то Mini-Moog was among the first widely available, portable and relatively affordable synthesizers. It became once the most widely used synthesizer at that time in both popular and electronic art music.^[145]Патрик Глисон, playing live with Херби Хэнкок in the beginning of the 1970s, pioneered the use of synthesizers in a touring context, where they were subject to stresses the early machines were not designed for.^[146][147]

В 1974 г. WDR studio in Cologne acquired an EMS Synthi 100 synthesizer, which a number of composers used to produce notable electronic works—including Рольф Гелхаар с Fünf deutsche Tänze (1975), Karlheinz Stockhausen's Сириус (1975–76), and Джон Макгуайр с Pulse Music III (1978).^[148]

Благодаря miniaturization of electronics in the 1970s, by the start of the 1980s keyboard synthesizers became lighter and affordable, integrating in a single slim unit all the necessary audio synthesys electronics and the piano-style keyboard itself, in sharp contrast with the bulky machinery and "cable spaguetty " employed along the 1960s and 1970s. First with analog synthesizers, the trend followed with digital synthesizers and samplers as well (see below).

Цифровой синтез

In 1975, the Japanese company Ямаха лицензировал алгоритмы для синтез частотной модуляции (FM синтез) из Джон Чоунинг, который экспериментировал с ним на Стэндфордский Университет с 1971 г.^[149][150] Yamaha's engineers began adapting Chowning's algorithm for use in a digital synthesizer, adding improvements such as the "key scaling" method to avoid the introduction of distortion that normally occurred in analog systems during модуляция частоты.^[151]

In 1980, Yamaha eventually released the first FM digital synthesizer, the Yamaha GS-1, but at an expensive price.^[152] In 1983, Yamaha introduced the first stand-alone digital synthesizer, the DX7, which also used FM synthesis and would become one of the best-selling synthesizers of all time.^[149] The DX7 was known for its recognizable bright tonalities that was partly due to an overachieving частота выборки 57 кГц.^[153]

Yamaha DX7, a model for many digital synthesizers of the 1980s.

В Корг Поли-800 is a synthesizer released by Корг in 1983. Its initial list price of $795 made it the first fully programmable synthesizer that sold for less than $1000. It had 8-voice polyphony с одним Генератор с цифровым управлением (DCO) per voice.

В Casio CZ-101 was the first and best-selling фазовое искажение synthesizer in the Casio CZ линия. Released in November 1984, it was one of the first (if not the first) fully programmable polyphonic synthesizers that was available for under $500.

В Роланд Д-50 is a digital synthesizer produced by Роланд and released in April 1987. Its features include субтрактивный синтез, on-board effects, a joystick for data manipulation, and an analogue synthesis-styled layout design. The external Roland PG-1000 (1987-1990) programmer could also be attached to the D-50 for more complex manipulation of its sounds.

Samplers

А пробоотборник is an electronic or digital музыкальный инструмент который использует звукозаписи (или же "образцы ") of real instrument sounds (e.g., a piano, violin or trumpet), excerpts from recorded songs (e.g., a five-second bass guitar рифф из фанк song) or found sounds (e.g., sirens and ocean waves). The samples are loaded or recorded by the user or by a manufacturer. These sounds are then played back by means of the sampler program itself, a MIDI клавиатура, секвенсор or another triggering device (e.g., электронные барабаны ) to perform or compose music. Because these samples are usually stored in digital memory, the information can be quickly accessed. A single sample may often be смещенный по высоте to different pitches to produce musical напольные весы и аккорды.

Fairlight CMI (1979–)

Prior to computer memory-based samplers, musicians used tape replay keyboards, which store recordings on analog tape. When a key is pressed the tape head contacts the moving tape and plays a sound. В Меллотрон was the most notable model, used by a number of groups in the late 1960s and the 1970s, but such systems were expensive and heavy due to the multiple tape mechanisms involved, and the range of the instrument was limited to three octaves at the most. To change sounds a new set of tapes had to be installed in the instrument. Появление цифровой sampler made sampling far more practical.

The earliest digital sampling was done on the EMS Musys system, developed by Peter Grogono (software), David Cockerell (hardware and interfacing) and Петр Зиновьев (system design and operation) at their London (Putney) Studio c. 1969 г.

The first commercially available sampling synthesizer was the Компьютерная музыка Мелодиан к Гарри Менделл (1976).

First released in 1977–78,^[154] то Synclavier I с помощью FM синтез, re-licensed from Ямаха,^[155] and sold mostly to universities, proved to be highly influential among both electronic music composers and music producers, including Майк Торн, an early adopter from the commercial world, due to its versatility, its cutting-edge technology, and distinctive sounds.

The first polyphonic digital sampling synthesizer was the Australian-produced Fairlight CMI, first available in 1979. These early sampling synthesizers used wavetable синтез на основе образцов.^[156]

Birth of MIDI

In 1980, a group of musicians and music merchants met to standardize an interface that new instruments could use to communicate control instructions with other instruments and computers. This standard was dubbed Musical Instrument Digital Interface (MIDI ) and resulted from a collaboration between leading manufacturers, initially Последовательные схемы, Оберхейм, Роланд —and later, other participants that included Ямаха, Корг, и Кавай.^[157] A paper was authored by Дэйв Смит of Sequential Circuits and proposed to the Аудио инженерное общество in 1981. Then, in August 1983, the MIDI Specification 1.0 was finalized.

MIDI technology allows a single keystroke, control wheel motion, pedal movement, or command from a microcomputer to activate every device in the studio remotely and in synchrony, with each device responding according to conditions predetermined by the composer.

MIDI instruments and software made powerful control of sophisticated instruments easily affordable by many studios and individuals. Acoustic sounds became reintegrated into studios via отбор проб and sampled-ROM-based instruments.

Миллер Пакетт developed graphic signal-processing software for 4X называется Максимум (после Макс Мэтьюз ) and later ported it to Macintosh (with Dave Zicarelli extending it for Код операции )^[158] for real-time MIDI control, bringing algorithmic composition availability to most composers with modest computer programming background.

Sequencers and drum machines

Эта статья фактическая точность оспаривается. Соответствующее обсуждение можно найти на страница обсуждения. Пожалуйста, помогите убедиться, что оспариваемые утверждения надежный источник. (Декабрь 2011 г.) (Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения)

The early 1980s saw the rise of бас-синтезаторы, the most influential being the Roland TB-303, a bass synthesizer and секвенсор released in late 1981 that later became a fixture in электронная танцевальная музыка,^[159] особенно кислотный дом.^[160] One of the first to use it was Чаранджит Сингх in 1982, though it wouldn't be popularized until Phuture "s"Кислотные следы "в 1987 году.^[160] Music sequencers began being used around the mid 20th century, and Tomita's albums in mid-1970s being later examples.^[126] In 1978, Yellow Magic Orchestra were using компьютер -based technology in conjunction with a synthesiser to produce popular music,^[161] making their early use of the микропроцессор -основан Микрокомпозитор Roland MC-8 sequencer.^{[162][163][неудачная проверка ]}

Барабанные машины, also known as rhythm machines, also began being used around the late-1950s, with a later example being Осаму Китадзима 's progressive rock album Бензайтен (1974), which used a rhythm machine along with электронные барабаны and a synthesizer.^[127] В 1977 г. Ультравокс "s"Хиросима Mon Amour " was one of the first singles to use the метроном -подобно перкуссия из Roland TR-77 драм-машина.^[131] В 1980 г. Roland Corporation выпустил TR-808, one of the first and most popular programmable драм-машины. The first band to use it was Yellow Magic Orchestra in 1980, and it would later gain widespread popularity with the release of Марвин Гэй "s"Сексуальное исцеление " и Африка Бамбаатаа "s"Планета Рок »в 1982 г.^[164] The TR-808 was a fundamental tool in the later Detroit techno scene of the late 1980s, and was the drum machine of choice for Derrick May и Хуан Аткинс.^[165]

Chiptunes

The characteristic lo-fi sound of chip music was initially the result of early computer's звуковые чипы и звуковые карты ' technical limitations; however, the sound has since become sought after in its own right.

Common cheap popular sound chips of the firsts домашние компьютеры of the 1980s include the SID из Коммодор 64 и General Instrument AY series and clones (as the Yamaha YM2149) used in ZX Spectrum, Амстрад КТК, MSX compatibles and Atari ST models, among others.

Late 1980s to 1990s

Rise of dance music

Synth-pop continued into the late 1980s, with a format that moved closer to dance music, including the work of acts such as British duos Зоомагазин мальчики, Стирание и The Communards, achieving success along much of the 1990s.

The trend has continued to the present day with modern nightclubs worldwide regularly playing electronic dance music (EDM). Today, electronic dance music has radio stations,^[166] веб-сайты,^[167] и публикации, подобные Mixmag dedicated solely to the genre. Moreover, the genre has found commercial and cultural significance in the United States and North America, thanks to the wildly popular дом с большой комнатой /EDM sound that has been incorporated into U.S. поп-музыка^[168] and the rise of large-scale commercial рейвы Такие как Electric Daisy Carnival, Tomorrowland и Ультра Музыкальный фестиваль.

Достижения

Other recent developments included the Тод Мачовер (MIT and IRCAM) composition Begin Again Again за "hypercello ", an interactive system of sensors measuring physical movements of the cellist. Max Mathews developed the "Conductor" program for real-time tempo, dynamic and timbre control of a pre-input electronic score. Мортон Суботник released a multimedia CD-ROM All My Hummingbirds Have Alibis.

2000-е и 2010-е годы

Фестиваль выходного дня, an electronic music event in Пярну, Эстония, в 2016 г.

As computer technology has become more accessible and музыкальное программное обеспечение has advanced, interacting with music production technology is now possible using means that bear no relationship to traditional musical performance practices:^[169] например, ноутбук спектакль (laptronica ),^[170] живое кодирование^[171] и Альгорав. In general, the term Live PA refers to any live performance of electronic music, whether with laptops, synthesizers, or other devices.

Beginning around the year 2000, a number of software-based virtual studio environments emerged, with products such as Propellerhead's Причина и Ableton Live finding popular appeal.^[172] Such tools provide viable and cost-effective alternatives to typical hardware-based production studios, and thanks to advances in микропроцессор technology, it is now possible to create high quality music using little more than a single laptop computer. Such advances have democratized music creation,^[173] leading to a massive increase in the amount of home-produced electronic music available to the general public via the internet. Software based instruments and effect units (so called "plugins") can be incorporated in a computer-based studio using the VST platform. Some of these instruments are more or less exact replicas of existing hardware (such as the Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 or Korg M1). In many cases, these software-based instruments are sonically indistinguishable from their physical counterpart.^{[требуется разъяснение ][нужна цитата ]}

Гибка контуров

Гибка контуров is the modification of battery powered toys and synthesizers to create new unintended sound effects. It was pioneered by Reed Ghazala in the 1960s and Reed coined the name "circuit bending" in 1992.^[174]

Modular synth revival

Following the circuit bending culture, musicians also began to build their own modular synthesizers, causing a renewed interest for the early 1960s designs. Eurorack became a popular system.

Смотрите также

• Клавиолин
• Electronic sackbut
• Список жанров электронной музыки
• Новые интерфейсы для музыкального выражения
• Ondioline
• Звуковая скульптура
• Спектральная музыка
• Музыка трекера
• Хронология жанров электронной музыки

Live electronic music

• Список фестивалей электронной музыки
• Live electronic music
• Звуковая установка
• Audium (theater)

Сноски

Рекомендации

дальнейшее чтение

внешняя ссылка

• СМИ, связанные с Электронная музыка в Wikimedia Commons
• История электроакустической музыки - Хронология
• Фонд электронной музыки
• История и развитие электронной музыки