Связь между авангардным искусством и американской поп-культурой - Википедия - Relationship between avant-garde art and American pop culture

эта статья написано как личное размышление, личное эссе или аргументированное эссе который излагает личные чувства редактора Википедии или представляет оригинальный аргумент по теме. Пожалуйста помогите улучшить это переписав его в энциклопедический стиль. (Февраль 2020 г.) (Узнайте, как и когда удалить этот шаблон сообщения)

Авангард Между искусством и американской поп-культурой были интригующие отношения с момента зарождения этого вида искусства в Америке до наших дней. Форма искусства, зародившаяся в первой половине XIX века в Европа,^[1] начал медленно подниматься в Америка под видом Дадаизм в 1915 году. Первоначально сформированная группа художников в г. Нью-Йорк кто хотел противостоять популярная культура с их искусством, музыкой и литературой эта форма искусства стала приобретать известность в американской поп-культуре из-за множества факторов в период с 1940-х по 1970-е годы. Однако из-за многих факторов, возникших в конце 1970-х годов, авангард начал терять известность и сливаться с поп-культурой до такой степени, что большинство арт-критиков сочли эту форму искусства вымершей.

Авангард и Китч

Хотя его первые опубликованные эссе были посвящены в основном литературе и театру, искусство все еще привлекало внимание людей. Клемент Гринберг, поэтому в 1939 году он внезапно стал известен как писатель, пишущий о визуальных искусствах, благодаря, возможно, самому известному и часто цитируемому эссе "Авангард и Китч ", впервые опубликовано в журнале Партизанский обзор. В этом эссе, написанном под влиянием марксизма, Гринберг утверждал, что истинное авангард искусство является продуктом революции критического мышления эпохи Просвещения, и как таковое сопротивляется деградации культуры как в господствующем капиталистическом, так и в коммунистическом обществе и отшатывается от нее, признавая при этом парадокс, что в то же время художник зависит от рынка или государство, остается неумолимо привязанным "золотой пуповиной". Китч, с другой стороны, был продуктом индустриализации и урбанизации рабочего класса, наполнителем, созданным для потребления рабочего класса: население, жаждущее культуры, но не имеющее ресурсов и образования, чтобы наслаждаться передовой авангардной культурой. . Гринберг пишет:

«Китч, использующий в качестве сырья униженные и академизированные симулякры подлинной культуры, приветствует и культивирует эту бесчувственность. Это источник ее прибыли. Китч механичен и действует по формулам. Китч - это косвенный опыт и фальшивые ощущения. Китч меняется согласно стиль, но остается неизменным. Китч является воплощением всего фальшивого в жизни нашего времени. Китч делает вид, что не требует от своих клиентов ничего, кроме их денег - даже их времени ». ^[2]

Для Гринберга авангардное искусство было слишком «невинным», чтобы его можно было эффективно использовать в качестве пропаганды или преследовать какое-либо дело, в то время как китч идеален для разжигания ложных настроений.

Гринберг присвоил немецкое слово "китч "описать эту низкую, вымышленную форму" культуры ", хотя ее коннотации с тех пор были преобразованы в более позитивное восприятие ностальгических материалов капиталистической / коммунистической культуры. «Авангард и Китч» - явно политически мотивированное эссе, отчасти ответ на разрушение и репрессии модернистского искусства в нацистская Германия и Советский Союз, и представляет собой осуждение растущей тоталитарной угрозы в Европе и «регресса» фашизма.

Дальнейшее определение

Авангард, как утверждает социолог Дайана Крейн, «это искусство, зародившееся в Европе и начавшееся в начале девятнадцатого века». Хотя форма искусства существовала так долго, она заявляет, что концепция формы искусства «весьма неоднозначна» и на протяжении своего существования прошла через множество этапов, в том числе Дадаизм, Абстрактный экспрессионизм, Минимализм, и поп-арт. В социальном плане, однако, каждая форма авангарда объединена идеей, что он является частью определения высокой культуры, хотя это само по себе определяется множеством мод.^[1]

Способы определить авангард

Из-за двусмысленности этого термина Крейн дает несколько соображений о том, что можно считать авангардом, а что нет. Она утверждает, что авангард может быть определен в его подходе к эстетический, через социальное содержание произведений искусства, а также через производство и распространение произведений искусства.^[1]

Эстетика

С точки зрения эстетики произведение искусства можно определить как авангардное, если оно выполняет одно из следующих действий:

• Если произведение искусства переопределяет художественные условности.
• Если он использует новые художественные инструменты и техники.
• И если это переопределяет природу арт-объектов.

Пример эстетики, используемой в авангарде, может включать произведения искусства Марсель Дюшан. Для Дюшана Фонтан, он просто взял писсуар и определил это как готовый вид искусства. В этом он пересмотрел художественные условности, взяв предмет, который уже был сделан, и использовал его в художественных целях. Делая это, он также применил новую технику в производстве произведений искусства, взяв то, что уже было создано, и изменил определение предмета, который он использовал, взяв писсуар и использовав его для искусства.

Через социальный контент

По социальному контенту произведение искусства можно определить как авангардное, если оно выполняет одно из следующих действий:

• Если произведение искусства включает в себя социальные или политические ценности, которые критикуют культуру большинства или отличаются от нее.

Например, в Искусство гуманизма: искусство в эпоху переменБарри Шварц утверждает, что одна из ролей авангардного искусства заключалась в обеспечении контркультурной силы в мире искусства.

• Если это переопределит отношения между высокой и популярной культурой

Как поп-артисты, использующие изображения из рекламы и комиксов, чтобы придать этим изображениям иное значение.

• И если он критически относится к художественным институтам

Это видно по атаке дадаистов на легитимность искусства.

Через производство и распространение

Благодаря его производству и распространению произведение искусства можно назвать авангардным, если оно переопределяет социальный контекст производства искусства с точки зрения критики, ролевых моделей и аудитории; если он выполняет одно из следующих действий:

• Произведение искусства переопределяет организационный контекст производства, демонстрации и распространения произведений искусства.

Хорошим примером этого является использование альтернативных пространств, чтобы искусство выглядело непродаваемым.

• Произведения искусства переопределяют природу художественной роли или степень участия художника в других социальных институтах, что обеспечивает хорошую нишу художников-авангардистов в среднем классе.

Отличия от постмодернизма

Хотя сегодня эти два термина используются как синонимы, некоторые утверждают, что разница между ними заключается в их подходе к инновациям в искусстве. По словам Йохена Шульте-Зассе,^[3] они отличаются тем, что Постмодернизм хочет разрушить старые концепции искусства, чтобы заменить их новыми (без всякого упоминания о социальном влиянии искусства). По словам Дайаны Крейн, постмодернисты делают это разными способами, а именно, создавая эффекты многозначности, двусмысленности и пародии. Постмодернисты также сосредоточились только на технике своего искусства, а не на социальном воздействии своего искусства. Однако авангард хочет вводить новшества в искусство, а также сообщать в нем социальные проблемы. Также можно определить, что постмодернизм использует свое искусство с намерением шокировать человека, смотрящего искусство, в то время как авангард, в то же время он также часто шокирует зрителя, использует свое искусство для передачи сообщения через искусство, одновременно используя искусство шокировать зрителя.^[4]

Поджанры авангарда

Хотя авангард - это обособленная форма искусства, на протяжении всей своей истории он имел множество поджанров, связанных с этой формой искусства, каждый из которых передавал свои собственные сообщения. Некоторые из них, такие как дадаизм и поп-арт, используют искусство для социальных комментариев.^[1] Другие, такие как абстрактный экспрессионизм, используют фигуры и цвета внешнего мира, чтобы вызвать эмоциональный отклик.^[5] Наконец, есть такие, как минимализм^[6] которые используют свое искусство для создания искусства без каких-либо эмоциональных или социальных смыслов. Несмотря на то, что существует множество различных авангардных поджанров, появившихся во время его популярности в Америке, четыре поджанра, сыгравшие самые большие роли в американской популярной культуре, - это дадаизм, абстрактный экспрессионизм, минимализм и поп-арт.

Дадаизм

Марсель Дюшан с Фонтан это пример дадаизма Ready-Mades

Дадаизм был первым крупным поджанром авангардного искусства, перешедшим в Америку. Художники-дадаисты во многих смыслах хотели отличаться от типичных художников того времени из их идеи быть против типичных художественных условностей того времени и быть противником искусства. Хорошим примером их антиискусственного подхода стало то, что дадаисты называют «готовыми», наиболее заметным из них. Марсель Дюшан Фонтан, который представлял собой фарфоровый писсуар. Такие Ready-mades вызвали в арт-сообществе большие споры относительно определения искусства и того, как дадаисты должны играть в этом определении.^[7]

Общность пьес

Хотя дадаистские произведения не могут быть определены через конкретную художественную форму, многие дадаистские художники сотрудничали в группах друг с другом для создания своего искусства, объединившись либо для создания искусства, основанного на социальных проблемах (особенно в Европе), либо для издевательства над миром искусства в вообще (в основном в Америке). В Америке центр этого движения находился в двух местах в районе Нью-Йорка: в нью-йоркской галерее «291» Альфреда Штиглица и в студии Уолтера Аренсберга. Вдобавок к групповому сотрудничеству художники движения Дада больше полагались на спонтанность и случайность, чем следование другим признанным художникам. Они сосредоточились на отказе от идей, сформированных признанными художниками и создателями искусства, и использовали такие методы, как коллаж, фотомонтаж и конструирование найденных объектов для создания своего искусства. Хотя этот вид искусства начал активно развиваться в 1916 году в Германии, он постепенно исчез к 1922 году как в Европе, так и в Америке. Однако, несмотря на его упадок, дадаизм будет иметь большое влияние на другие авангардные и нигилистические формы искусства в будущем, включая панк-движение 1970-х годов.^[7][8]

Абстрактный экспрессионизм

Абстрактный экспрессионизм был еще одним крупным авангардным жанром, который, в отличие от дадаизма, родился и популярен в Соединенных Штатах. Ряд художников, которые практиковали эту форму искусства, включают Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Франц Клайн, и Марк Ротко. Как и в случае с дадаизмом в Америке, центр движения находился в Нью-Йорке.^[5]

Общие черты

Кроме того, как и в дадаизме, хотя многие художники работали вместе над созданием своего искусства, произведения искусства не могут быть определены через одну конкретную форму искусства. Части часто по-разному различались в зависимости от стиля живописи как от техники, использованной в произведении, так и от качества выражения предметов. Несмотря на резкие различия между произведениями, абстрактный экспрессионизм имеет несколько общих характеристик. Эти характеристики включают:

• Каждая часть изображает формы, которых нет в видимом мире.
• Каждый подчеркивает свободный, спонтанный и личный эмоциональный экспрессионизм.
• Они проявляют свободу техники с упором на использование физического характера краски для пробуждения выразительных качеств (насилие, лиризм и т. Д.).
• Они демонстрируют такой же акцент на неизученном и интуитивном применении этой краски в форме психической импровизации, сродни автоматизму сюрреалистов, с аналогичным намерением выразить силу творческого бессознательного в искусстве.
• Они демонстрируют отказ от традиционно структурированной композиции, построенной из дискретных и разделяемых элементов, и их замену единым унифицированным, недифференцированным полем, сетью или другим изображением, существующим в неструктурированном пространстве.
• Наконец, картины заполняют большие холсты, придавая этим вышеупомянутым визуальным эффектам монументальность и захватывающую силу.

Существует также три основных метода, по которым можно разделить абстрактный экспрессионизм. Во-первых, есть Живопись Действия, который характеризуется свободным, быстрым, динамичным или настойчивым обращением с краской при взмахах или резких мазках кистью, а также при использовании техник, частично продиктованных случайностью, таких как капание или проливание краски непосредственно на холст. Примеры этого включают Джексон Поллок, капающий коммерческими красками на необработанный холст, чтобы собрать сложные и запутанные мотки краски в захватывающие и наводящие на размышления линейные узоры, а Виллем де Кунинг использовал чрезвычайно энергичные и выразительные мазки кисти, чтобы создать богато окрашенные и текстурированные изображения. Вторая категория абстрактного экспрессионизма представлена ​​множеством стилей, начиная от Цветовое поле, чтобы Лирическая абстракция; тонкие образы и плавные формы и поля цвета, включенные в работы Клиффорд Стилл, Филип Гастон, и Хелен Франкенталер к более четко структурированным, убедительным, почти каллиграфическим изображениям Роберт Мазервелл и Адольф Готтлиб. Наконец, последняя форма абстрактного экспрессионизма - третий и наименее эмоционально выразительный подход - это подход Ротко, Барнетт Ньюман, и Ад Рейнхардт. Эти художники использовали большие площади или поля плоского цвета и тонкую прозрачную краску для достижения тихих, тонких, почти медитативных эффектов. Хотя корни абстрактного экспрессионизма можно проследить еще в 1919 году, пик его популярности пришелся на 1950-1960-е годы. Это, как и прежде, показывает другой влиятельный художественный жанр авангардного уровня, переживший непродолжительный пик популярности.^[5]

Минимализм

Минимализм был жанром авангарда с 1910-х до конца 1960-х годов, который отличался крайней простотой формы и буквальным подходом. Его происхождение могло происходить от многих художников, включая Кандинского, Пикабиа, Делоне, Купку, Сюрважа и Малевича, которые сосредоточились на сведении искусства к его основному элементу. Прекрасным образцом его искусства было изображение черного квадрата на белом фоне. Среди других художников-минималистов, которые были известны в то время, были такие художники, как Джек Янгерман, Эллсуорт Келли, Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Эл Хелд и Джин Дэвис, а также скульпторы, такие как Дональд Джадд, Карл Андре, Дэн Флавин, Тони Смит, Энтони Каро, и Сол Левитт.^[6]

Казимир Малевич, Черный квадрат, 1923 г., холст, масло, Государство Русский музей, Санкт-Петербург

Во многих отношениях рост минимализма был результатом тех, кто был недоволен движением абстрактного экспрессионизма, в первую очередь его картинами-действиями. Причина для многих заключалась в том, что они считали живопись действия слишком личной и несущественной, и они приняли точку зрения, что произведение искусства не должно относиться ни к чему, кроме самого себя.^[6]

Сходства

В отличие от других жанров авангарда того времени, минималистское искусство использовало не только набор философских свойств, когда дело доходило до их создания. Чтобы избавить свое искусство от какого-либо экстра-визуального влияния, в минималистских картинах использовалась живопись с резкими краями, упрощенная форма и линейный подход, чтобы подчеркнуть двухмерность и позволить зрителю мгновенно, чисто визуально откликнуться на искусство по сравнению с любым другим видом отклика.^[6]

Жесткая живопись

Роспись с твердой кромкой характеризуется крупными, упрощенными, обычно геометрическими формами на общей плоской поверхности; четкие, острые как бритва контуры; и широкие области яркого немодулированного цвета, испачканные на холсте без грунтовки. Он отличается от других типов геометрической абстракции тем, что отвергает как лирическую, так и математическую композицию, потому что даже в этой упрощенной области они являются средством личного выражения художника. Рисование с минимальными резкими краями - это анонимное построение простого объекта. (Сделайте ссылку на часть статьи энциклопедии, из которой это было)^[6]

Сходства между минималистской скульптурой

Подобно минималистской живописи, минималистская скульптура использовала чрезвычайно простые, монументальные геометрические формы из стекловолокна, пластика, листового металла или алюминия, оставленные необработанными или полностью окрашенными в яркий промышленный цвет, чтобы передать искусство для использования визуального ответа без позволяя искусству создавать отклики в другом месте. Примером минималистской скульптуры является «Свободная поездка» Тони Смита, которая представляет собой черную геометрическую структуру размером с дверной проем на белом фоне.^[6]

Поп-арт

Одним из последних крупных авангардных видов искусства, оказавших большое влияние на американскую поп-культуру, был поп-арт. Этот вид искусства в значительной степени уходит корнями в Великобританию в начале 1950-х годов, но проник в американскую культуру к концу 1950-х годов и оставался популярным видом искусства в Америке с 1960-х годов. Некоторые из известных практиков этой эпохи включают Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна и Класа Ольденбурга.^[9]

Сходства

Поп-арт, как и минимализм, имеет явные общие черты между своими произведениями. В первую очередь, каждая часть использует обычные предметы (комиксы, консервные банки, дорожные знаки и гамбургеры) в качестве предмета их частей. Они решительно представляют любую иконографию, которая оказала большое влияние на современную жизнь, без похвалы или осуждения, но с подавляющей непосредственностью и посредством точных коммерческих методов, используемых средствами массовой информации, из которых была заимствована сама иконография. Это была также попытка вернуться к более объективной, универсально приемлемой форме искусства после доминирования как в Соединенных Штатах, так и в Европе сугубо личного абстрактного экспрессионизма. Он также был иконоборцем, отвергая как превосходство «высокого искусства» прошлого, так и претензии другого современного авангардного искусства. Поп-арт стал культурным событием из-за того, что он точно отражает определенную социальную ситуацию и потому, что его легко воспринимаемые образы немедленно использовались средствами массовой информации. Несмотря на свое противодействие другим формам авангардного искусства в то время, поп-арт был производным от дадаизма, особенно восхваляя искусство Марселя Дюшана, который с его «готовыми мейдами» также восхвалял многие объекты и образы американской поп-культуры.^[9]

Отношения до 1940-х годов

До Второй мировой войны в Соединенных Штатах было несколько значительных художников и художественных движений, но, по словам социолога Дайаны Крейн, эти художественные движения никогда не были напрямую вдохновлены художественными движениями из Европы. Однако из-за большого количества иммигрантов из Европы, которые были вовлечены в авангардное движение в Европе, дадаистские художники из Европы, такие как Марсель Дюшан, переехали в Америку, неся с собой свои авангардные идеалы. По прибытии в Нью-Йорк многие из этих дадаистов решили сотрудничать, создавая искусство для всеобщего обозрения.^[1]

Первоначально, хотя дадаисты и привлекли некоторое внимание к арт-сцене Нью-Йорка, им было очень мало внимания за ее пределами. Некоторые факторы, которые сыграли на невнимании дадаистов в то время, включали отсутствие музеев по всей территории Соединенных Штатов и отсутствие финансирования художников, которые создавали и рекламировали искусство.^[1]

Истоки европейского авангарда

По словам Питера Бургера, некоторые теории, связанные с эстетикой, могут восходить к работам Карла Маркса. Согласно Бургеру, «для Маркса это развитие не только в экономической теории. Скорее, он чувствует, что возможность прогресса в знании является функцией развития объекта, на который направлено понимание ... Маркс демонстрирует через пример категории труда также применим к объективациям в искусстве ... только с эстетизмом полное раскрытие феномена искусства стало фактом, и именно эстетизму отвечают исторические авангардные движения ».^[3]

Помимо идеи о влиянии Карла Маркса на авангардное движение, большая часть движения возникла благодаря социальным комментариям войн, которые велись во время его подъема. Дадаизм, например, был воспринят группой как подходящий для их антиэстетических творений и протестных действий, которые были порождены отвращением к буржуазным ценностям и отчаянием в связи с Первой мировой войной. Другой пример этого - использование Джоном Хартфилдом фотомонтажа для выражения его антинацистские взгляды.^[7]

Отношения между 1950-ми и 1980-ми годами

Как уже говорилось ранее, как только многие представители движения дадаистов из Европы иммигрировали в Соединенные Штаты в 1920-х годах, они начали создавать свое искусство и представлять его жителям Нью-Йорка. Хотя поначалу это не стало популярным, к 1950-м годам их искусство и искусство художников, которых вдохновляли эти люди, начали набирать популярность.^[5]

Существовал ряд факторов, которые привели к подъему авангардного искусства в глазах американской поп-культуры. Прежде всего, из-за подъема американской экономики после Второй мировой войны американское правительство сосредоточило внимание на повышении значения изящных искусств. Для этого Конгресс принял законопроекты, в которых увеличилось количество музеев по всей стране и профинансировано правительство, чтобы позволить художникам производить больше произведений искусства.^[1]

Увеличение музеев

До 1940-х годов американцы во многих регионах не знали о существовании авангардного искусства, потому что, по словам Дора Эштона, «хотя культура ... проникла во внутренние районы в виде публичных библиотек, литературных обществ и даже музыкальных кругов, пластические искусства ... сильно отстали "Чтобы повысить интерес к искусству среди людей и позволить им быть в курсе всего остального мира в то время, они решили увеличить число музеев в Америке с 1940-х по 1980-е годы.^[10]

Государственное финансирование художника

Наряду со строительством музеев федеральное правительство также осознало, что для увеличения интереса людей необходимо больше искусства. Вдобавок к этому, если бы художники сделали это, им нужно было бы сформировать сообщества, в которых художники могли бы собираться для создания своего искусства. По словам Шэрон Зукин, «... девелоперы извлекли выгоду из роста стоимости собственности в результате создания артистического сообщества в районе Сохо на Манхэттене, в то время как политические лидеры извлекли выгоду из создания большого резерва рабочих мест, связанных с искусством. " Еще одна причина, по которой федеральное правительство почувствовало необходимость в финансировании художников в это время, заключалась в повышении патриотизма народа. Если бы существовало искусство, изображающее, насколько величественны, величественны и свободны Соединенные Штаты Америки, они чувствовали, что это усилило бы патриотизм среди людей, так что люди были бы готовы согласиться со всем, что предлагало правительство. По словам Шэрон Зукин, «готовность федерального правительства и правительства штатов финансировать искусство и художников было политическим интересом, который использовал передвижные выставки в качестве пропаганды американского образа жизни.^[1][11]

Влияние раннего авангарда на поздний авангард

Если посмотреть на все основные движения авангарда, оказавшие влияние на этот период времени, почти все эти формы искусства восходят к более ранним формам авангардного искусства, а именно к дадаизму. Например, на практике абстрактный экспрессионизм находился под влиянием дадаизма из-за того факта, что форма искусства имела сходство не в том, как было построено искусство, а, скорее, в концепции, которую жанры иллюстрируют. Поп-арт также имеет влияние дадаизма, потому что, как и «готовые модели», в которых обычные предметы использовались не так, как они изначально предполагались. В случае с Дада, «реди-мейды» состояли из предметов искусства, таких как туалеты. В случае с поп-артом это могло быть что угодно, оказавшее влияние на массовую культуру, будь то комиксы, консервные банки или реклама в журналах.^[7][9]

Другим примером того, как ранний авангардный жанр повлиял на более поздний жанр, был пример влияния Дада на панк-моду 1970-х. Подобно тому, как дадаисты использовали свое искусство для отражения идеала веры в ничто и желания стать ничем через свое искусство (как они часто называли его антиискусством), панк-культура использовала те же идеалы для своей моды и своей жизни. музыка (описывая свою музыку как антимузыку). В дополнение к двум подходам, совпадающим с одним и тем же идеалом, оба использовали свои медиумы, чтобы отразить один и тот же подход: шокировать сообщество своим искусством и выразить политическое, часто марксистское послание через свои работы.^[8]

Взаимоотношения между высокой культурой и массовой культурой

Авангард, восходящий к дадаистским истокам, был движением, контрастирующим с типичной популярной культурой. Под прикрытием дадаизма он зародился в Европе как способ продемонстрировать свою антиискусственную риторику, а также донести до публики свое отвращение к буржуазным ценностям и свое неодобрение Первой мировой войны. Что касается протеста против буржуазных ценностей и войны, он по-прежнему служил способом протеста против типичных художественных ценностей, а также для установления высокой художественной культуры, контрастирующей с американской массовой культурой.^[7]

Точно так же абстрактный экспрессионизм и минималистское искусство также служили способом противопоставить популярную культуру. В абстрактном экспрессионистском искусстве - подход к контрасту с изображением качеств реального мира путем создания искусства с использованием форм, которых нет в реальном мире. В минималистском искусстве подход заключался в контрасте со сложными работами того времени, в том числе работами авангардного жанра абстрактного экспрессионизма. Благодаря этому художник создавал свое искусство с единственной целью - творить; не со сложным политическим заявлением, не с культурной отсылкой и т. д. Это было исключительно искусство для самого искусства.^[5][6]

Тем не менее, поп-арт и его последователи, продолжая создавать некоторый контраст между высокой культурой и массовой культурой, начали размывать их, используя элементы популярной культуры и трансформируя эти образы таким образом, который не входил в первоначальную цель этих элементов, во многом как реди-мейды художников-дадаистов до них. Иногда это происходило из-за искажения окраски изображений, как, например, Энди Уорхол с фотографиями консервных банок и актрисы Мэрилин Монро. В других случаях это происходило путем выдергивания комикса из исходного контекста и использования его для части. Однако, несмотря на попытки противопоставить эти две вещи, во многих случаях многие артисты становились знаменитостями в популярной культуре, практикуя свой контраст между этим и высокой культурой.^[9]

Кончина авангарда

После окончания движения поп-арта многие арт-критики начали подвергать сомнению подрастающее поколение художников, на которых незадолго до этого оказали влияние художники поп-арта, даже до такой степени, что некоторые считали авангард мертвым. Существуют различные причины, но три основных признака его кончины:

Blink-182 выступают вживую в 2009 году.

1. В начале своего существования поп-артисты проводили различие между американской поп-культурой и высокой культурой, меняя намерения в отношении предметов, оказавших большое влияние на американское общество.Однако со временем многие из тех же художников, чьей целью было преобразовать известные иконы в соответствие с их искусством, сами стали знаменитостями. В результате, поскольку многие художники-авангардисты, поддерживавшие высокую культуру, стали хорошо известны в поп-культуре, различия между двумя культурами с течением времени становились все менее различимыми.^[9]
2. К тому времени, когда подошли 1990-е, панк-движение стало частью американской культуры. Признаки этого перехода включают подъем вдохновленной панком грандж-музыки таких групп, как Nirvana, и рост поп-панк-групп, таких как Green Day и Blink 182. По мере того, как панк-музыка к этому времени стала набирать популярность, тексты, мода , и сама музыка стала насыщаться популярной культурой до тех пор, пока большая часть ее авангардного влияния не стала казаться прозрачной.
3. С определением высокой культуры более расплывчатым, чем это было вначале, многие художники пытались создать искусство, которое казалось похожим на авангард, но вместо того, чтобы сосредоточиться на создании высокой культуры, искусство было скорее создано, чтобы вызвать шок и создавать искусство будущего. Искусство, сфокусированное на шоке, а не на социальном воздействии искусства, считалось арт-критиками зачатком постмодернизма.

Смотрите также

Цитаты

Список используемой литературы

• Крейн, Диана (1987). Трансформация авангарда: мир искусства Нью-Йорка. Чикагский университет.
• Бюгер, Питер (1984). Теория авангарда. Университет Миннесоты.
• Крейн, Диана (1997). Постмодернизм и авангард: стилистические изменения в модном дизайне. Модернизм / Современность 4.3. стр. 123–140
• Маркус, Грейл (1989). Следы от помады: тайная история двадцатого века Издательство Гарвардского университета.
• Эштон, Дор (1973). Нью-Йоркская школа: культурный расчет. Викинг.
• Зукин, Шарон (1982). Loft Living: культура и капитал в городских изменениях. Издательство Университета Джона Хопкинса.

дальнейшее чтение

• Шварц, Барри Н. Новый гуманизм; Искусство во времена перемен. Нью-Йорк: Praeger, 1974.
• Генри, Триша. «Панк и авангард», Журнал популярной культуры, 17: 4 (Весна 1984) с. 30.
• Портер, Кассандра М. «Дада: Следопыт». Сборник 17.2 (1998): 84–90.
• Крамер, Хилтон. «Эпоха авангарда», Комментаторский, 54: 4 (октябрь 1972) с. 37.