История живописи - History of painting

Наскальная живопись зубр (Bos primigenius primigenius), Ласко, Франция, доисторическое искусство
Фрагмент картин пещер Ласко
История искусства
История искусства

В история живописи восходит к артефактам доисторических людей и охватывает все культуры. Он представляет собой непрерывную, хотя и периодически прерываемую, традицию античности. В разных культурах, на континентах и ​​тысячелетиях история живописи - это непрерывная река творчества, которая продолжается в 21 веке.[1] До начала 20 века он опирался в первую очередь на репрезентативный, религиозный и классический мотивы, после чего более чисто Абстрактные и концептуальный подходы получили признание.

Развитие восточной живописи исторически параллельно Западная живопись, в общем, несколькими веками раньше.[2] Африканское искусство, Еврейское искусство, Исламское искусство, Индийское искусство,[3] Китайское искусство, и Японское искусство[4] каждый из них оказал значительное влияние на западное искусство, и наоборот.[5]

Первоначально служившая утилитарным целям, а затем имперскому, частному, гражданскому и религиозному покровительству, восточная и западная живопись позже нашла публику аристократия и средний класс. С современной эпохи Средний возраст сквозь эпоха Возрождения художники работали на церковь и богатую аристократию.[6] Начиная с Барокко Художники эпохи получали частные заказы от более образованного и зажиточного среднего класса.[7] Наконец, на Западе идея "искусство ради искусства "[8] начали находить выражение в творчестве Романтичный художники любят Франсиско де Гойя, Джон Констебл, и Дж. М. В. Тернер.[9] 19-е век увидел рост рекламы Галерея искусств, который обеспечивал покровительство в 20 веке.[10]

Предыстория

Основные статьи: Доисторическое искусство, Искусство верхнего палеолита, Искусство среднего палеолита, и Список искусства каменного века

Самым старым из известных картин приблизительно 40 000 лет. Хосе Луис Санхидриан в Университет Кордовы, Испания, считает, что картины, скорее всего, были написаны Неандертальцы чем ранние современные люди.[11][12][13] Изображения на Пещера Шове во Франции считается, что им около 32 000 лет. Они выгравированы и расписаны с использованием красная охра и черный пигмент и шоу лошадей, носорогов, львов, буйволов, мамонтов или людей, часто охотящихся. Есть примеры наскальные рисунки по всему миру - во Франции, Индии, Испании, Южная Африка, Китай, Австралия и др.

Были высказаны различные предположения относительно значения этих картин для людей, которые их создали. Доисторические художники, возможно, рисовали животных, чтобы «поймать» их душа или же дух для более легкой охоты на них, иначе картины могут представлять анимистический видение и дань уважения окружающим природа. Они могут быть результатом базовой потребности в самовыражении, которая врожденный людям, или они могли быть для передачи практической информации.

В Палеолит Временами изображения людей на наскальных рисунках были редкостью. В основном рисовали животных, не только животных, которых использовали в пищу, но и животных, которые олицетворяли силу, например носорог или большой Кошачьих, как в пещере Шове. Иногда рисовали такие знаки, как точки. Редкие человеческие изображения включают отпечатки рук и трафареты, а также фигуры, изображающие человек / животное гибриды. Пещера Шове в Ардеш Департаменты Франции содержит наиболее важные сохранившиеся наскальные рисунки эпохи палеолита, написанные около 31000 г. до н.э. В Альтамира наскальные рисунки в Испании были сделаны с 14000 по 12000 до н.э. и показывают, среди прочего зубры. Зал быков в Ласко, Дордонь, Франция, является одним из самых известных наскальных рисунков и датируется примерно 15-10 000 лет до нашей эры.

Есть ли смысл в картинах, он остается неизвестным. Пещеры не находились в населенных пунктах, поэтому они могли использоваться для сезонных ритуалов. Животные сопровождаются знаками, указывающими на возможное использование магии. Символы в виде стрелок в Ласко иногда интерпретируются как используемые как календари или же альманахи, но доказательства остаются неубедительными.[15] Самая важная работа Мезолит эпохи были марширующие воины, наскальная живопись в Cingle de la Mola, Кастельон, Испания датируется примерно 7000-4000 гг. До н.э. Используемая техника, вероятно, заключалась в том, чтобы плевать или выдувать пигменты на камень. Картины вполне натуралистичны, хотя и стилизованы. Фигуры не трехмерные, хотя и перекрываются.

Самыми ранними известными индийскими картинами были наскальные рисунки доисторический раз, петроглифы как можно найти в таких местах, как Скальные приюты Бхимбетки, а некоторые из них старше 5500 г. до н.э. Такие работы продолжались, и спустя несколько тысячелетий, в 7 веке, были вырезаны столбы Аджанта, Штат Махараштра представляет собой прекрасный образец индийской живописи. Цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов.

Восточная

Настенные росписи придворной жизни в гробнице Сюй Сяньсю, Северная династия Ци, 571 г. н.э., расположенный в г. Тайюань, Шаньси провинция, Китай
Картина по шелку с изображением человека верхом на драконе, живопись на шелк, датируемые V – III веками до нашей эры, Воюющие государства период, из Могилы Зиданку № 1 дюйм Чанша, Хунань Провинция

История восточной живописи включает в себя широкий спектр влияний различных культур и религий. События в Восточная живопись исторически параллельные тем в Западная живопись, вообще несколькими веками раньше.[2] Африканское искусство, Еврейское искусство, Исламское искусство, Индийское искусство,[16] Китайское искусство, Корейское Искусство, и Японское искусство[4] каждый из них оказал значительное влияние на западное искусство, и наоборот.[5]

Китайская живопись - одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире. Самые ранние картины были не репрезентативными, а орнаментальными; они состояли из узоров или рисунков, а не из картинок. Раннюю керамику расписывали спиралями, зигзагами, точками или животными. Это было только во время Период воюющих царств (403–221 до н. Э.) Художники начали изображать окружающий мир. Японская живопись один из старейших и наиболее изысканных Японское искусство, охватывающий широкий спектр жанров и стилей. История японской живописи - это долгая история синтеза и соперничества между аборигенами. Японская эстетика и адаптация импортированных идей. Корейская живопись как самостоятельная форма зародилась около 108 г. до н. Э. Кочосон, что делает его одним из старейших в мире. Произведения искусства того времени превратились в различные стили, которые характеризовали Три королевства Кореи периода, особенно картины и фрески, которые украшают гробницы Когурё королевская семья. В период Троецарствия и через Корё династия Корейская живопись характеризовалась, прежде всего, сочетанием пейзажей в корейском стиле, черт лица, буддийской тематики и акцента на небесных наблюдениях, чему способствовало быстрое развитие корейской астрономии.

Восточная Азия

Смотрите также Китайская живопись, Японская живопись, Корейская живопись.

Кувшин с китайской росписью из Западная Ханьская эпоха (202 г. до н.э. - 9 г. н.э.)

Китай, Япония и Корея имеют сильные традиции живописи, которые также очень привязаны к искусству каллиграфия и гравюра (настолько много, что это принято рассматривать как живопись). Для традиционной живописи Дальнего Востока характерны техника, основанная на воде, меньший реализм, «элегантность» и стилизация сюжетов, графический подход к изображению, важность белое пространство (или же отрицательное пространство ) и предпочтение пейзаж (вместо человеческой фигуры) как предмет. Помимо чернил и цвета на шелке или бумажных свитках, золото на лак был также распространенным средством в живописных произведениях искусства Восточной Азии. Хотя в прошлом шелк был довольно дорогим средством для рисования, бумага была изобретена в I веке нашей эры ханьским придворным евнухом. Цай Лунь предоставил не только дешевую и широко распространенную среду для письма, но также дешевую и широко распространенную среду для рисования (что сделало ее более доступной для публики).

Идеологии Конфуцианство, Даосизм, и буддизм играл важную роль в восточноазиатском искусстве. Средневековый Династия Сун художники, такие как Линь Тингуи и его Лохань отмывание[17] (размещен в Смитсоновский институт Галерея искусств Freer ) XII века являются прекрасными примерами буддийских идей, слитых с классическими произведениями китайского искусства. В последней картине на шелке (изображение и описание даны по ссылке) лысый буддист Луохань изображены в практичной обстановке стирки белья у реки. Однако сама картина визуально ошеломительна: луохань изображен с богатыми деталями и яркими непрозрачными цветами в отличие от туманной, коричневой и мягкой лесной среды. Кроме того, верхушки деревьев окутаны клубящимся туманом, создавая общее «негативное пространство», упомянутое выше в восточноазиатском искусстве.

В Японизм, конец 19 века Постимпрессионисты подобно Ван Гог и Анри де Тулуз-Лотрек, и тоналисты Такие как Джеймс Эббот Макнил Уистлер, восхищался японцами начала 19 века Укиё-э артисты любят Хокусай (1760–1849) и Хиросигэ (1797–1858) и находились под их влиянием.

Панорама Вдоль реки во время фестиваля Цин Мин, Римейк XVIII века оригинала китайского художника XII века династии Сун Чжан Цзэдуань. Оригинальная картина Чжана почитается учеными как «один из величайших шедевров китайской цивилизации».[18] Примечание: прокрутка начинается справа.

Китайский

Основная статья: Китайская живопись
Дальнейшая информация: История китайского искусства, Искусство династии Тан, и Живопись династии Мин
Весеннее утро во дворце Ханьхудожника эпохи Мин Цю Инь (1494–1552 гг.)

Самые ранние сохранившиеся образцы китайской живописи относятся к Воюющие государства Период (481 - 221 до н.э.), с росписями на шелке или гробницами на скале, кирпиче или камне. Часто они были в упрощенном стилизованном формате и в более или менее рудиментарных геометрических узорах. На них часто изображались мифологические существа, домашние сцены, сцены труда или дворцовые сцены, заполненные чиновниками при дворе. Произведения в этот период и последующие Династия Цинь (221 - 207 г. до н.э.) и династия Хан (202 г. до н.э. - 220 г. н.э.) был создан не как средство само по себе или для более высокого личного выражения; скорее, произведения искусства были созданы, чтобы символизировать погребальные обряды и почитать их, изображения мифологических божеств или духов предков и т.д. военный парад. Была также живопись на трехмерных произведениях искусства, таких как статуэтки и статуи, например, оригинальные цвета, покрывающие статуи солдат и лошадей. Терракотовая армия. В социальном и культурном климате древних Восточная династия Цзинь (316 - 420 г. н.э.), основанный в Нанкине на юге, живопись стала одним из официальных развлечений Конфуцианский -учил бюрократических чиновников и аристократы (вместе с музыкой в ​​исполнении Гуцинь цитра, сочинение причудливого каллиграфия, а также написание и чтение стихов). Живопись стала распространенной формой художественного самовыражения, и в этот период художников при дворе или среди элитных социальных кругов оценивали и оценивали их сверстники.

В Шакьямуни Будда, к Чжан Шэнвэнь, 1173–1176 гг. Нашей эры, Династия Сун период.

Создание классической китайской пейзажной живописи в значительной степени связано с Восточная династия Цзинь художник Гу Кайжи (344 - 406 гг. Н.э.), один из самых известных художников китайской истории. Как сцены с удлиненным свитком Кайджи, Династия Тан (618 - 907 гг. Н.э.) Китайские художники любят У Даози рисовал яркие и детализированные работы на длинных горизонтальных ручных свитках (которые были очень популярны во времена Тан), такие как его Восемьдесят семь небесных людей. Живописные работы периода Тан отражали эффекты идеализированной ландшафтной среды с редким количеством предметов, людей или активности, а также были монохромными по своей природе (например, фрески гробницы Прайса Йидэ в мавзолее Цяньлин). Были также такие фигуры, как художник ранней эпохи Тан Жан Цзыцянь, который рисовал великолепные пейзажи, которые значительно опередили его время в изображении реализма. Однако пейзажное искусство не достигло большей зрелости и реализма в целом до тех пор, пока Пять династий и десять королевств период (907 - 960 гг. н.э.). В это время были выдающиеся художники-пейзажисты, такие как Донг Юань (см. пример его работ в этой статье), и те, кто рисовал более яркие и реалистичные изображения домашних сцен, например Гу Хунчжун и его Ночные пиршества Хань Сицзая.

Мушмулы и горная птица, анонимный художник Династия Южная Сун; такие картины в стиле альбомных листов были популярны в «Южной песне» (1127–1279).

Во время китайского Династия Сун (960 - 1279 н.э.) не только пейзажное искусство было улучшено, но портретная живопись стала более стандартизированной и сложной, чем раньше (например, см. Император Хуэйцзун песни ), и достигли своей классической возрастной зрелости во время Династия Мин (1368–1644 гг.). В конце XIII - первой половине XIV века китайцы под властью Монгол -управляемый Династия Юань не разрешалось занимать более высокие посты в правительстве (зарезервировано для монголов или других этнических групп из Центральной Азии), а Императорский экзамен было прекращено на время. Многие китайцы с конфуцианским образованием, которым не хватало профессии, вместо этого обратились к искусству живописи и театра, поскольку период Юань стал одной из самых ярких и богатых эпох для китайского искусства. Примером может быть Цянь Сюань (1235–1305 гг. Н.э.), который был чиновником династии Сун, но из патриотизма отказался служить двору Юань и посвятил себя живописи. Примеры превосходного искусства этого периода включают богатые и детально расписанные фрески дворца Юнлэ,[19][20] или «Дворец долголетия Дачунян», 1262 г. н.э., ЮНЕСКО Объект всемирного наследия. Внутри дворца картины занимают площадь более 1000 квадратных метров и содержат в основном даосские темы. Во времена династии Сун художники также собирались в общественных клубах или на встречах, чтобы обсудить свое искусство или произведения искусства других людей, восхваление которых часто приводило к убеждению торговать и продавать драгоценные произведения искусства. Однако было также много резких критиков и других художников, показывая разницу в стиле и вкусе разных художников. В 1088 году нашей эры ученый-эрудит и государственный деятель Шен Куо однажды написал об произведениях искусства одного Ли Ченг, которого он критиковал следующим образом:

... Затем был Ли Ченг, который, когда изобразил павильоны и домики среди гор, многоэтажные дома, пагоды и тому подобное, всегда использовалось для рисования карниз как видно снизу. Его идея заключалась в том, что «нужно смотреть снизу вверх, как человек, стоящий на ровной поверхности и смотрящий на карниз пагоды, может видеть ее стропила и консольные стропила». Это все неправильно. В общем, правильный способ рисования пейзажа - это видеть маленькое с точки зрения большого ... так же, как человек смотрит на искусственные горы в садах (когда человек гуляет). Если применить (метод Ли) к изображению настоящих гор, глядя на них снизу, можно увидеть только один профиль за раз, а не богатство их многочисленных склонов и профилей, не говоря уже обо всем, что происходит. в долинах и каньоны, а в переулках и дворы со своими жилищами и домами. Если мы встанем к востоку от горы, ее западные части окажутся на исчезающей границе далекого расстояния, и наоборот. Разве это нельзя было назвать удачной картиной? Г-н Ли не понимал принципа «смотреть на малое с точки зрения большого». Он определенно был великолепен в точном уменьшении высоты и расстояния, но следует ли придавать такое значение углам и углам зданий?[21]

Цяньлун Император Практика Каллиграфия, середина 18 века.

Хотя высокий уровень стилизации, мистическая привлекательность и сюрреалистическая элегантность часто предпочтительнее реализма (например, в шань шуй стиль), начиная со средневековой династии Сун, тогда и впоследствии было много китайских художников, которые изображали сцены природы, которые были живо реальными. Позднее художники династии Мин переняли акцент на сложные детали и реалистичность объектов в природе, особенно в изображениях животных (таких как утки, лебеди, воробьи, тигры и т. Д.) Среди пятен ярких цветов и зарослей кисти. и дерево (хорошим примером может служить анонимная картина династии Мин Птицы и цветы сливы,[22] размещен в галерее Фрира Смитсоновского музея в Вашингтоне, округ Колумбия). Было много известных художников династии Мин; Цю Инь является прекрасным примером выдающегося художника эпохи Мин (известного даже в свое время), использующего в своих работах домашние сцены, шумные дворцовые пейзажи и природные сцены речных долин и крутых гор, окутанных туманом и клубящимися облаками. Во времена династии Мин существовали также разные и соперничающие школы искусства, связанные с живописью, такие как Школа Ву и Zhe School.

Классическая китайская живопись продолжалась в раннем модерне. Династия Цин, с очень реалистичными портретными картинами, подобными тем, что видели в конце династии Мин в начале 17 века. Портреты Канси Император, Юнчжэн Император, и Цяньлун Император являются отличными примерами реалистичной китайской портретной живописи. В период правления Цяньлуна и продолжающегося XIX века европейские Барокко стили живописи оказали заметное влияние на китайские портретные картины, особенно с нарисованными визуальными эффектами освещения и затенения. Точно так же восточноазиатские картины и другие произведения искусства (например, фарфор и лак) высоко ценились в Европе с момента первого контакта с ними в 16 веке.

Китайские картины маслом

Западные методы масляной живописи начали проникать в Китай в 19 веке, становясь распространенными среди китайских художников и студентов-искусствоведов в начале 20 века, что совпало с растущим взаимодействием Китая с Западом. Художники, такие как Ли Тифу, Хун И, Сюй Бэйхун, Ян Вэньлян, Линь Фэнмянь, Фанг Ганьминь, Пан Юлян уехал за границу, преимущественно в Париж и Токио, чтобы изучать западное искусство. Через них художественные движения, такие как Импрессионизм, Кубизм, Фовизм, Пост Импрессионизм рос и процветал в Китае, но остановился только после Второй мировой войны и рождения Китайской Народной Республики, когда модернистские художественные стили рассматривались как несовместимые с преобладающими политическими идеалами, а реализм был единственной приемлемой художественной формой. Тем не менее, наследие тесного взаимодействия с западным искусством начала 20 века сохранилось. Картины маслом сохранились как важное средство в китайских художественных сценах; традиционные китайские рисунки тушью также были изменены в результате.

  • Портрет мадам Лю, (1942) Ли Тифу масло на холсте

  • Портрет Кан Ювэя (1904) Ли Тифу масло на холсте

  • Портрет мадам Ченг (1941) Картон, масло. Сюй Бэйхун

Период Муромати, Shingei (1431–1485), Просмотр водопада, Музей Нэдзу, Токио.[23]

Японский

Основные статьи: Японская живопись и японизм

Японская живопись (絵 画) - одно из древнейших и наиболее изысканных видов японского искусства, охватывающее самые разные жанры и стили. Как и японское искусство в целом, японская живопись развивалась на протяжении долгой истории синтеза и конкуренции между коренными японцами. эстетика и адаптация импортированных идей. Укиё-э, или «картинки парящего мира», - это жанр японского гравюры на дереве (или же "гравюры на дереве ") и картины XVII-XX веков с изображением пейзажей, театров и куртизанок. Это основной художественный жанр Японская печать на дереве. Японская гравюра, особенно из Период Эдо, оказали огромное влияние на Французская живопись над 19 веком.

Корейский

Основная статья: Корейская живопись

Корейская живопись как самостоятельная форма зародилась около 108 г. до н. Э. Кочосон, что делает его одним из старейших в мире. Произведения искусства того времени превратились в различные стили, которые характеризовали Три королевства Кореи периода, особенно картины и фрески, которые украшают гробницы Когурё королевская семья. В период Троецарствия и через Корё династия Корейская живопись характеризовалась, прежде всего, сочетанием пейзажей в корейском стиле, черт лица, буддийской тематики и акцента на небесных наблюдениях, чему способствовало быстрое развитие корейской астрономии. Так было до Династия Чосон что конфуцианские темы начали укореняться в корейских картинах, используемых в гармонии с местными аспектами.

История корейской живописи характеризовалась использованием монохромных работ черной кистью, часто на тутовой бумаге или шелке. Этот стиль очевиден в "Мин-Хва", красочном народном искусстве, росписях на гробницах, а также в ритуальном и фестивальном искусстве, оба из которых включают широкое использование цвета.

Южная Азия

Индийский

Скальные приюты Бхимбетки, наскальная живопись, Каменный век, Индия
Основные статьи: Индийская живопись и Могольская живопись

Исторически индийские картины вращались вокруг религиозных божеств и королей. Индийское искусство - собирательный термин для нескольких различных школ искусства, существовавших в Индийский субконтинент. Картины варьировались от больших фресок Аджанта к сложному Могол миниатюрные картины на металлические украшения из Танджор школа. Картины из Гандхар –Таксила находятся под влиянием Персидский работает на западе. Восточный стиль живописи в основном развивался вокруг Наланда школа искусств. Работы в основном вдохновлены различными сценами из Индийская мифология.

История

Самые ранние индийские картины были наскальными рисунками доисторический раз, петроглифы как можно найти в таких местах, как Скальные приюты Бхимбетки, а некоторые из них старше 5500 г. до н.э. Такие работы продолжались, и спустя несколько тысячелетий, в 7 веке, были вырезаны столбы Аджанта Штат Махараштра представляет собой прекрасный образец индийской живописи, а цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов.

Пещеры Аджанты в Махараштре, Индия высеченный в скале пещерные памятники II века До н.э. и содержит картины и скульптуры, которые считаются шедеврами буддийского религиозного искусства.[24] и универсальное изобразительное искусство.[25]

Фреска из Пещера 1 Аджанты.
Картина Мадхубани

Картина Мадхубани это стиль индийской живописи, практикующийся в регионе Митхила штата Бихар, Индия. Истоки живописи Мадхубани окутаны древностью.

Мать Богиня Миниатюрная картина Пахари стиль, относящийся к восемнадцатому веку. Миниатюры Пахари и Раджпута имеют много общих черт.
Могол
Два писца сидят с книгами и письменным столом. Фрагмент декоративного поля Северная Индия (школа Великих Моголов), ок. 1640–1650

Могольская живопись это особый стиль Индийская живопись, обычно ограничивались иллюстрациями к книге и делались в миниатюрах, и которые возникли, развились и сформировались в период Империя Великих Моголов 16-19 вв.

Раджпут

Раджпутская живопись развивался и процветал в 18 веке при королевских дворах Раджпутана, Индия. Каждое королевство раджпутов развивало свой стиль, но с некоторыми общими чертами. Картины раджпутов изображают ряд тем, такие эпические события, как Рамаяна и Махабхарата, жизнь Кришны, красивые пейзажи и людей. Миниатюры были предпочтительным средством живописи раджпутов, но некоторые рукописи также содержат картины раджпутов, и картины были даже написаны на стенах дворцов, внутренних покоях фортов, хавели, в частности, гавели Шехавейта.

Использовались цвета, извлеченные из определенных минералов, растительных источников, раковин, и даже полученные путем обработки драгоценных камней, золота и серебра. Подготовка желаемых цветов была длительным процессом, иногда занимавшим недели. Используемые кисти были очень хорошими.

Танджор

Живопись Танджора важная форма классического Южноиндийский живопись уроженец города Танджор в Тамил Наду. Этот вид искусства восходит к началу 9 века, когда доминировали Чола правители, поощрявшие искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Темы большинства этих картин Индуистский Боги и богини и сцены из Индуистская мифология. В наше время эти картины стали очень популярным сувениром во время праздников в Южной Индии.

Процесс создания картины Танджора включает в себя много этапов. На первом этапе делается предварительный набросок изображения на основе. Основа состоит из ткани, наклеенной на деревянную основу. Затем порошок мела или оксид цинка смешивается с водорастворимыми клей и нанесен на основу. Чтобы база была более гладкой, абразивный иногда используется. После того, как рисунок нанесен, украшение и одежда на изображении украшаются полудрагоценными камнями. Также для украшения украшений использованы шнурки или нитки. Сверху наклеивается золотая фольга. Ну наконец то, красители используются для окраски фигур на картинах.

Мадрасская школа

Во время британского правления в Индии корона обнаружила, что Мадрас обладает одними из самых талантливых и интеллектуальных художественных умов в мире. Поскольку британцы также основали огромное поселение в Мадрасе и его окрестностях, Джорджтаун был выбран для создания института, который отвечал бы художественным ожиданиям королевской семьи в Лондоне. Это стало известно как Мадрасская школа. Сначала традиционные художники использовались для производства изысканной мебели, изделий из металла и диковинок, а их работы отправлялись в королевские дворцы королевы.

В отличие от Бенгальской школы, где «копирование» является нормой обучения, Мадрасская школа процветает благодаря «созданию» новых стилей, аргументов и тенденций.

Бенгальская школа
Основная статья: Бенгальская школа искусств
Бхарат Мата к Абаниндранат Тагор (1871–1951), племянник поэта Рабиндранат Тагор, и пионер движения

В Бенгальская школа искусств был влиятельным стилем искусства, который процветал в Индия вовремя Британский Радж в начале 20 века. Это было связано с индийским национализмом, но также продвигалось и поддерживалось многими британскими администраторами искусств.

Бенгальская школа возникла как авангард и националистическое движение, выступающее против академическое искусство стили, ранее продвигаемые в Индии, как Индийские художники Такие как Раджа Рави Варма и в британских художественных школах. Следуя за широким влиянием индийских духовных идей на Западе, британский учитель искусств Эрнест Бинфилд Гавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттская школа искусств побуждая студентов подражать Могол миниатюры. Это вызвало огромные споры, вызвавшие забастовку студентов и жалобы местной прессы, в том числе националистов, которые считали это регрессивным шагом. Гавела поддержал художник Абаниндранат Тагор, племянник поэта Рабиндранат Тагор. Тагор написал ряд работ под влиянием искусства Великих Моголов, стиля, который он и Гавел считали выражением особых духовных качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. Самая известная картина Тагора, Бхарат Мата (Мать Индия) изображала молодую женщину, изображенную с четырьмя руками в стиле индуистских божеств, держащую предметы, символизирующие национальные устремления Индии. Позже Тагор попытался наладить связи с японскими художниками в рамках своего стремления создать паназиатский модель искусства.

Влияние бенгальской школы в Индии уменьшилось с распространением модернист идеи в 1920-е гг. В период после обретения независимости индийские художники проявили большую приспособляемость, поскольку они свободно заимствовали европейские стили и свободно объединяли их с индийскими мотивами в новые формы искусства. Пока художникам нравится Фрэнсис Ньютон Соуза и Тайеб Мехта были более западными в своем подходе, были и другие, подобные Ганеш Пайн и Макбул Фида Хусейн которые разработали полностью местные стили работы. Сегодня, после процесса либерализации рынка в Индии, художники все больше знакомятся с международной арт-сценой, которая помогает им в появлении новых форм искусства, которые до сих пор не встречались в Индии. Джитиш Каллат прославился в конце 1990-х своими картинами, одновременно современными и выходящими за рамки общего определения. Однако, в то время как художники в Индии в новом веке пробуют новые стили, темы и метафоры, было бы невозможно получить такое быстрое признание без помощи бизнес-домов, которые сейчас входят в сферу искусства, как никогда раньше. .

Современный индийский
Основная статья: Современная индийская живопись

Амрита Шер-Гил был индийским художником, иногда известным как индийский Фрида Кало,[26] и сегодня считается важной женщиной-художницей Индии 20-го века, чье наследие не уступает наследию мастеров Бенгальский ренессанс;[27][28] она также является «самой дорогой» художницей Индии.[29]

Сегодня она среди Девять Мастеров, чья работа была объявлена сокровища искусства посредством Археологические исследования Индии, в 1976 и 1979 годах,[30] и более 100 ее картин сейчас выставлены на Национальная галерея современного искусства, Нью-Дели.[31]

В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, в котором использовались западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, как Джамини Рой, сознательно черпал вдохновение в народном творчестве.

Ко времени провозглашения независимости в 1947 году несколько школ искусств в Индии предоставили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно демонстрирует влияние западных стилей, но часто вдохновляется индийскими темами и образами. Крупные артисты начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также и среди неиндийской публики.

В Группа прогрессивных художников, созданный вскоре после обретения Индией независимости в 1947 году, был призван установить новые способы выражения Индии в постколониальную эпоху. Основателями были шесть выдающихся художников - К. Х. Ара, С. К. Бакре, Х. А. Гаде, М.Ф. Хусейн, S.H. Раза и Ф. Н. Соуза, хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала огромное влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все ведущие художники Индии 1950-х годов были связаны с группой. Некоторые из тех, кто сегодня хорошо известен, - это Бал Чабда, Маниши Дей, Мукул Дей, В. С. Гайтонде, Рам Кумар, Тайеб Мехта, и Акбар Падамзее. Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта, Прокаш Кармакар, Джон Уилкинс, Нараянан Рамачандран и Биджон Чоудхури обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконами современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна упоминали также и те произведения современных артистов, которые отражают индийский дух. Гита Вадхера получила признание в переводе сложных индийских духовных тем на холст, таких как суфийская мысль, Упанишады и Бхагавад Гита.

Индийское искусство получило подъем с экономической либерализацией страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей теперь начали использовать разные стили работы. В постлиберализационной Индии многие художники утвердились на международном рынке искусства, как художник-абстракционист. Натвар Бхавсар, фигуративный художник Деваджьоти Рэй и скульптор Аниш Капур чей мамонт постминималист произведения искусства привлекли внимание благодаря своим размерам. Многие художественные дома и галереи также открылись в США и Европе для демонстрации индийских произведений искусства.

Филиппинский

Основная статья: Искусство Филиппин
Смотрите также: Женщины в филиппинском искусстве
Хуан Луна, Парижская жизнь, 1892
Фабиан де ла Роса, Женщины, работающие на рисовом поле, 1902

Филиппинскую живопись в целом можно рассматривать как слияние многих культурных влияний, хотя в ее нынешней форме она имеет тенденцию быть более западной с восточными корнями.

Раннюю филиппинскую живопись можно найти в красных накладках (глина, смешанная с водой), украшенных ритуальной керамикой Филиппин, такой как знаменитая Манунггул Джар. Свидетельства филиппинского гончарного производства датируются 6000 годом. BC был обнаружен в пещере Санга-санга, Сулу и пещере Лоренте, Кагаян. Доказано, что на 5000 До н.э. гончарные изделия практиковались по всей стране. Ранние филиппинцы начали изготавливать керамику раньше своих камбоджийских соседей и примерно в то же время, что и тайцы, как часть того, что, по-видимому, является широко распространенным развитием гончарных технологий в ледниковый период. Дальнейшие свидетельства живописи проявляются в тату традиции ранних филиппинцев, которых португальский исследователь называл Пинтадос или «нарисованные люди» Висайских островов.[32] Различные рисунки, изображающие флору и фауну с небесными телами, украшают их тела разной цветовой пигментацией. Возможно, одни из самых сложных рисунков ранних филиппинцев, сохранившихся до наших дней, могут быть проявлены среди искусства и архитектуры Маранао кто хорошо известен Нага Драконы и Сариманок вырезанные и расписанные в прекрасном Панолонге их Тороганского или Королевского Дома.

Филиппинцы начали создавать картины в европейских традициях в испанский период 17 века.[33] Самыми ранними из этих картин были церковные фрески, религиозные образы из библейских источников, а также гравюры, скульптуры и литографии с изображением христианских икон и европейской знати. Большинство картин и скульптур между 19 и 20 веками представляли собой смесь произведений религиозного, политического и пейзажного искусства с качествами сладости, темноты и света. Рано модернист художники, такие как Дамиан Доминго был связан с религиозными и светскими картинами. Искусство Хуан Луна и Феликс Идальго продемонстрировал тенденцию к политическому заявлению. Художник, такой как Фернандо Аморсоло использовал постмодернизм для создания картин, иллюстрирующих филиппинскую культуру, природу и гармонию. В то время как другие художники, такие как Фернандо Зобель использованные реалии и Абстрактные о его работе.

Юго-Восточная Азия

Смотрите также: Балийское искусство, Список индонезийских художников, Индонезийская культура, Список малазийских художников, и История восточного искусства

Западный

Смотрите также: Западная живопись и Древнее искусство

Египет, Греция и Рим

Дальнейшая информация: Римская настенная живопись (200 г. до н.э. - 79 г. н.э.) и Помпейские стили
Эллинистический греческий терракота похороны настенные рисунки, 3 век до н.э.

Древний Египет, цивилизация с очень сильными традициями архитектуры и скульптуры (обе изначально окрашены в яркие цвета), также имела много фресок в храмах и зданиях и рисовала иллюстрации на папирус рукописи. Египетская настенная и декоративная роспись часто бывает графической, иногда скорее символической, чем реалистичной. На египетской живописи фигуры изображены жирным контуром и плоскими. силуэт, в котором симметрия является постоянной характеристикой. Египетская живопись имеет тесную связь со своим письменным языком - называется Египетские иероглифы. Раскрашенные символы встречаются среди первых форм письменного языка. Египтяне тоже рисовали шерсть, остатки которых сохранились сегодня. Древние египетские картины сохранились благодаря чрезвычайно сухому климату. Древние египтяне создавали картины, чтобы загробная жизнь покойного приятное место. Темы включали путешествие по загробному миру или их защитные божества, знакомящие умерших с богами подземного мира. Некоторыми примерами таких картин являются изображения богов и богинь. Ра, Horus, Анубис, Орех, Осирис и Исида. Некоторые рисунки на гробницах показывают действия, в которых умершие были вовлечены, когда были живы, и хотели заниматься этим вечно. в Новое Королевство а позже Книга мертвых был похоронен вместе с погребенным. Это считалось важным знакомством с загробной жизнью.

К северу от Египет был Минойская цивилизация сосредоточен на острове Крит. Настенные росписи, найденные во дворце Кносс похожи на Египтяне но гораздо более свободный по стилю. Микенская греция, начиная примерно с 1600 г. до н.э., создавал искусство, подобное минойскому Криту. Древнегреческое искусство вовремя Греческий Темный Век стал гораздо менее сложным, но обновление греческой цивилизации по всему Средиземноморью в течение Архаическая греция привели к появлению новых форм греческого искусства с Ориентализующий стиль.

Показ фрески Аид и Персефона езда в колесница, из гробницы царицы Эвридика I Македонская в Вергина, Греция, 4 век до н.э.

Древняя Греция были опытные художники, скульпторы (хотя в то время оба дела считались простым ручным трудом) и архитекторы. В Парфенон является примером их архитектуры, которая сохранилась до наших дней. Греческая мраморная скульптура часто описывается как высшая форма Классический Изобразительное искусство. Живопись на керамика Древней Греции и керамика дает особенно информативный взгляд на то, как функционировало общество в Древней Греции. Чернофигурная роспись ваз и Краснофигурная ваза. дает много сохранившихся примеров того, чем была греческая живопись. Некоторые известные греческие художники по деревянным панно, которые упоминаются в текстах, являются Апеллес, Зевксис и Парразий Однако не сохранились образцы древнегреческой панно, только письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в 5–6 гг. До н.э. и считается первым, кто использовал сфумато. В соответствии с Плиний Старший, реалистичность его картин была такова, что нарисованный виноград пытались съесть птицы. Апеллеса называют величайшим художником Античность за безупречную технику рисования, блестящий цвет и лепку.

Римское искусство находился под влиянием Греции и частично может считаться потомком древнегреческой живописи. Однако римская живопись имеет важные уникальные характеристики. Сохранившиеся римские картины включают настенные росписи и фрески, многие из вилл в Кампания, в Южной Италии на таких сайтах, как Помпеи и Геркуланум. Такую живопись можно разделить на четыре основных стиля или периода.[34] и может содержать первые примеры trompe-l'œil, псевдоперспектива и чистый пейзаж.[35] Практически единственные сохранившиеся живописные портреты Древнего мира - это большое количество гроб-портреты формы бюста, найденного в Поздний антиквариат кладбище Аль-Файюм. Хотя они были не самого лучшего периода и не самого высокого качества, они впечатляют сами по себе и дают представление о качестве, которым должны были обладать лучшие древние произведения. Очень небольшое количество миниатюры из поздней античности также сохранились иллюстрированные книги, причем гораздо большее количество их экземпляров относится к периоду раннего средневековья.

Средний возраст

Основные статьи: Средневековое искусство, Византийское искусство, Иллюминированная рукопись, Средний возраст, Темные века (историография), Островное искусство, Каролингское искусство, Англосаксонское искусство, Романское искусство, и Готическое искусство

Возникновение христианства придало другой дух и направленность стилям живописи. Византийское искусство после того, как его стиль был установлен в VI веке, большое внимание уделялось сохранению традиционных иконография и стиль, и постепенно развивались в течение тысячи лет Византийская империя и живые традиции греческого и русского Православный значок -картина. Византийская живопись имеет иератическое чувство, и иконы считались и до сих пор рассматриваются как изображение божественного откровения. Было много фрески, но их осталось меньше, чем мозаика.Византийское искусство сравнивают с современным. абстракция, в его плоскостности и сильно стилизованном изображении фигур и пейзажа. Некоторые периоды византийского искусства, особенно так называемые Македонское искусство примерно X века, более гибкие в подходе. Фрески палеологического Возрождения начала XIV века сохранились в Церковь Хора В Стамбуле.

Книга часов

В постантичной католической Европе первым возникшим самобытным художественным стилем, который включал живопись, был Островное искусство Британских островов, где единственными сохранившимися образцами являются миниатюры в Иллюминированные рукописи такой как Келлская книга.[36] Они наиболее известны своим абстрактным декором, хотя фигуры, а иногда и сцены, также изображались, особенно в Портреты евангелистов. Каролингский и Оттонское искусство также сохранился в основном в рукописях, хотя сохранились некоторые настенные росписи, и многие из них задокументированы. Искусство этого периода сочетает в себе островные и «варварские» влияния с сильным византийским влиянием и стремлением восстановить классическую монументальность и равновесие.

Стены Романский и Готика церкви были украшены фрески а также скульптура и многие из немногих оставшихся фрески обладают большой интенсивностью и сочетают в себе декоративную энергию островного искусства с новой монументальностью в обработке фигур. Еще больше миниатюр в Иллюминированные рукописи выжить из периода, показывая те же характеристики, которые продолжаются в Готический период.

Роспись панелей становится все более распространенной в период Романский период, находящийся под сильным влиянием византийских икон. К середине 13 века Средневековое искусство и Готическая живопись стал более реалистичным, с началом интереса к изображению объема и перспективы в Италии с Чимабуэ а затем его ученик Джотто. Начиная с Джотто, обработка композиции лучшими художниками также стала намного более свободной и инновационной. В западной культуре они считаются двумя великими средневековыми мастерами живописи. Чимабуэ в византийской традиции использовал более реалистичный и драматический подход к своему искусству. Его ученик Джотто поднял эти новшества на более высокий уровень, что, в свою очередь, заложило основы западной традиции живописи. Оба художника были пионерами в движении к натурализму.

Церкви были построены с все большим количеством окон и использованием красочных витраж стать одним из основных элементов декора. Один из самых известных примеров этого находится в соборе Собор Парижской Богоматери. К XIV веку западные общества стали богаче и образованнее, а художники нашли новых покровителей среди знати и даже среди знати. буржуазия. Иллюминированные рукописи приобрели новый характер, и в их пейзажах были показаны стройные, модно одетые придворные женщины. Этот стиль вскоре стал известен как международный стиль и темпера приобрели значение панно и алтари.

Ренессанс и маньеризм

Основные статьи: Ренессансная живопись, Ранняя нидерландская живопись, Живопись итальянского Возрождения, Маньеризм, и Высокое Возрождение

Возрождение (по-французски «возрождение»), культурное движение, охватывающее примерно с 14 по середину 17 веков, возвестило изучение классических источников, а также достижения в науке, которые оказали глубокое влияние на интеллектуальную и художественную жизнь Европы. в Низкие страны, особенно в наши дни Фландрия, новый способ живописи утвердился в начале 15 века. По следам разработок, сделанных в освещение рукописей, особенно Лимбургские братья Художники увлеклись материальным в видимом мире и начали изображать объекты чрезвычайно натуралистично.[37] Принятие картина маслом чье изобретение традиционно, но ошибочно, приписывали Ян ван Эйк, сделал возможным новый правдоподобие в изображении этого натурализма. Масляная краска уже присутствовала в работе Мельхиор Бродерлам, но такие художники, как Ян ван Эйк и Роберт Кампин довели его использование до новых высот и использовали его, чтобы представить натурализм, к которому они стремились. С помощью этой новой среды художники этого периода могли создавать более богатые цвета с глубокой интенсивной тональностью. Иллюзия сияющего света с отделкой под фарфор. Ранняя нидерландская живопись и было основным отличием от матовой поверхности темпера краска используется в Италии.[37] В отличие от итальянцев, чьи работы во многом основывались на искусстве Древней Греции и Рима, северяне сохранили стилистические следы скульптуры и иллюминированные рукописи средневековья (особенно его натурализм). Самым важным художником того времени был Ян ван Эйк, чьи работы входят в число лучших произведений художников, ныне известных как Ранние нидерландские художники или же Фламандские примитивы (поскольку большинство художников были активны в городах современной Фландрии). Первым художником этого периода был Мастер Флемаль, в настоящее время обозначается как Роберт Кампин, чья работа следует искусству Интернациональная готика. Еще одним важным художником этого периода был Рогир ван дер Вейден, чьи композиции подчеркивали человеческие эмоции и драму, продемонстрированные, например, в его Снятие с креста, который входит в число самых известных произведений 15 века и является самой влиятельной нидерландской картиной, изображающей распятие Христа. Другими важными художниками этого периода являются Хуго ван дер Гус (чья работа имела большое влияние в Италии), Диерик Баутс (который был одним из первых северных художников, продемонстрировавших использование единой точки схода),[37] Петрус Кристус, Ганс Мемлинг и Джерард Дэвид.

В Италии искусство Классическая древность вдохновил стиль живописи, подчеркивающий идеал. Художники, такие как Паоло Уччелло, Мазаччо, Фра Анджелико, Пьеро делла Франческа, Андреа Мантенья, Филиппо Липпи, Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, и Рафаэль поднял живопись на более высокий уровень благодаря использованию перспектива, изучение Анатомия человека и пропорции, и благодаря их развитию беспрецедентной утонченности в рисовании и живописи. Несколько более натуралистический стиль возник в Венеция. Художники Венецианская школа, Такие как Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, Тинторетто, и Веронезе, были меньше озабочены точностью в своем рисунке, чем богатством цвета и единством эффекта, которого можно было достичь более спонтанным подходом к живописи.

Фламандские, голландские и немецкие художники эпохи Возрождения, такие как Ганс Гольбейн Младший, Альбрехт Дюрер, Лукас Кранах, Маттиас Грюневальд, Иероним Босх, и Питер Брейгель представляют собой подход, отличный от подхода их итальянских коллег, более реалистичный и менее идеализированный. Жанровая живопись стала популярной идиомой среди северных художников, таких как Питер Брейгель.

Живопись эпохи Возрождения отражает революцию идей и науки (астрономия, география ), произошедшие в этот период, Реформация, и изобретение печатный станок. Дюрер, считающийся одним из величайших художников-граверов, утверждает, что художники - это не просто ремесленники но мыслители также. С развитием станковая живопись в эпоху Возрождения живопись обрела независимость от архитектуры. Станковые картины - подвижные картины, которые можно было легко повесить на стены, - стали популярной альтернативой картинам, прикрепленным к мебели, стенам или другим конструкциям. После столетий преобладания религиозных образов светская тематика постепенно вернулась в западную живопись. Художники включали в свои картины видения окружающего мира или продукты собственного воображения. Те, кто мог позволить себе такие расходы, могли стать покровителями и заказать портреты себя или своей семьи.

В Высокое Возрождение породило стилизованное искусство, известное как Маньеризм. Вместо уравновешенных композиций и рационального подхода к перспективе, которые характеризовали искусство на заре XVI века, маньеристы искали нестабильность, уловку и сомнения. Невозмутимые лица и жесты Пьеро делла Франческа и спокойные Девы Рафаэля сменяются тревожными выражениями Понтормо и эмоциональная напряженность Эль Греко. Беспокойные и нестабильные композиции, часто экстремальные или дизъюнктивные эффекты перспективы и стилизованные позы характерны для итальянских маньеристов, таких как Тинторетто, Понтормо и Бронзино, а позже появился в творчестве Северные маньеристы Такие как Хендрик Гольциус, Бартоломей Шпрангер, и Иоахим Втевал.

Барокко и рококо

Основные статьи: Барокко, Барочная живопись, Рококо, Quadratura, Голландская живопись золотого века, и Фламандская живопись в стиле барокко

Живопись барокко связана с Барокко культурное движение, движение часто отождествляется с Абсолютизм и Контрреформация или католическое возрождение;[38][39] Однако существование важной живописи в стиле барокко в неабсолютистских и протестантских государствах также подчеркивает ее популярность, поскольку стиль распространился по всей Западной Европе.[40]

Живопись барокко отличается большой драматичностью, богатым, глубоким цветом и интенсивными светлыми и темными тенями. Искусство барокко должно было вызывать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения. В период с 1600 года по 17 век живопись характеризуется как барокко. Среди величайших художников барокко Караваджо, Рембрандт, Франс Хальс, Рубенс, Веласкес, Пуссен, и Йоханнес Вермеер. Караваджо - наследник гуманист живопись Высокое Возрождение. Его реалистичный подход к человеческой фигуре, нарисованной прямо с натуры и драматически освещенной на темном фоне, шокировал современников и открыл новую главу в истории живописи. Живопись в стиле барокко часто драматизирует сцены с помощью световых эффектов; это можно увидеть в произведениях Рембрандта, Вермеера, Le Nain, Ла Тур, и Хусепе де Рибера.

Рембрандт ван Рейн, Еврейская невеста, ок. 1665–1669

В Италии стиль барокко воплощен в религиозных и мифологических картинах в Великий манер такими артистами, как Карраччи, Гвидо Рени, и Лука Джордано. Иллюзионистские церковные потолочные фрески - автор: Пьетро да Кортона казалось, открылся небу. Гораздо более спокойный тип барокко возник в Голландская Республика, где станковые картины повседневных предметов были популярны среди коллекционеров среднего класса, а многие художники стали специалистами в жанр, другие в пейзаже, морском пейзаже или натюрморт. Вермеер, Жерар тер Борх, и Питер де Хуч внесла большую техническую изысканность в живопись домашних сцен, как и Виллем Клас. Хеда до натюрморта. Напротив, Рембрандт преуспел в рисовании всех типов предметов и разработал индивидуальный живописно стиль, в котором светотень и темный фон заимствованы из Караваджо и Утрехтские караваджисты теряют свою театральность.

В 18 веке Рококо последовал как более легкое продолжение барокко, часто легкомысленное и эротичное. Рококо впервые развился в декоративно-прикладном искусстве и дизайне интерьеров во Франции. Людовик XV Преемственность России принесла изменение придворных художников и общей художественной моды. 1730-е годы были пиком развития рококо во Франции, примером которого являются произведения Антуан Ватто и Франсуа Буше. Рококо по-прежнему сохранял барочный вкус к сложным формам и замысловатым узорам, но к этому моменту он начал объединять множество разнообразных характеристик, включая вкус к восточному дизайну и асимметричным композициям.

Стиль рококо распространился французскими художниками и гравированными изданиями. Его охотно принимали в католических частях Германии. Богемия, и Австрия, где он соединился с живыми традициями немецкого барокко. Немецкое рококо с энтузиазмом применялось к церквям и дворцам, особенно на юге, в то время как Фредерик Рококо разработан в Королевство Пруссия.

Французские мастера Ватто, Буше и Fragonard представляют стиль, как и Джованни Баттиста Тьеполо и Жан-Батист-Симеон Шарден которого некоторые считали лучшим французским живописцем XVIII века - Анти-рококо. Портретная живопись была важной составляющей живописи во всех странах, но особенно в Англии, где лидерами были Уильям Хогарт, в стиле грубого реализма, и Фрэнсис Хейман, Анжелика Кауфман (кто был швейцарцем), Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс в более лестных стилях под влиянием Энтони ван Дейк. Во Франции в эпоху рококо Жан-Батист Грёз (любимый художник Дени Дидро ),[41] преуспел в портретах и исторические картины, и Морис Квентин де ла Тур и Элизабет Виже-Лебрен были очень успешными художники-портретисты. La Tour специализируется на пастель живопись, которая стала популярной в этот период.

Уильям Хогарт помогли разработать теоретические основы красоты в стиле рококо. Хотя он и не ссылался намеренно на движение, в своей Анализ красоты (1753), что волнистые линии и S-образные изгибы, заметные в рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в Классицизм ). Начало конца рококо пришло в начале 1760-х гг. Вольтер и Жак-Франсуа Блондель стали высказывать свою критику поверхностности и вырождения искусства. Блондель осуждает «смехотворное нагромождение ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах.[42]

К 1785 году рококо во Франции вышло из моды, его сменили порядок и серьезность. Неоклассический артисты любят Жак-Луи Давид.

XIX век: неоклассицизм, историческая живопись, романтизм, импрессионизм, постимпрессионизм, символизм

Основные статьи: Неоклассицизм, Историческая живопись, Романтизм, Импрессионизм, Пост Импрессионизм, и Символизм (искусство)

После Рококо возникла в конце 18 века в архитектуре, а затем и в живописи. неоклассицизм, лучше всего представлены такие художники, как Дэйвид и его наследник Ingres. В творчестве Энгра уже есть много чувственности, но никакой спонтанности, которая должна была характеризовать Романтизм Это движение обратило внимание на пейзаж и природу, а также на человеческую фигуру и превосходство естественного порядка над волей человечества. Существует пантеист философия (см. Спиноза и Гегель ) в рамках этой концепции, которая противостоит Просвещение идеалы, рассматривая судьбу человечества в более трагическом или пессимистическом свете. Идея о том, что человеческие существа не выше сил Природа противоречит Древнегреческий и идеалы Возрождения, где человечество было превыше всего и владело своей судьбой. Это мышление привело художников-романтиков к изображению возвышенный, разрушенные церкви, кораблекрушения, резня и безумие.

К середине 19 века художники освободились от требований своего покровительства и могли изображать только сцены из религии, мифологии, портретной живописи или истории. Идея «искусство ради искусства» начала находить выражение в работах таких художников, как Франсиско де Гойя, Джон Констебл и Дж. М. У. Тернер. Романтические художники видели пейзаж как важный жанр, выражающий тщеславие человечества в противовес величию природы. До тех пор пейзажная живопись не считалась самым важным жанром для художников (например, портретная или историческая живопись). Но такие художники, как J.M.W. Тернеру и Каспару Давиду Фридриху удалось поднять пейзажную живопись до уровня, соперничающего с исторической живописью. Некоторые из основных художников этого периода - Эжен Делакруа, Теодор Жерико, Дж. М. В. Тернер, Каспар Давид Фридрих и Джон Констебл. Франсиско де Гойя поздние работы демонстрируют романтический интерес к иррациональному, в то время как работы Арнольд Бёклин вызывает тайну и картины Эстетическое движение художник Джеймс Эббот Макнил Уистлер вызывают одновременно изысканность и декаданс. В Соединенных Штатах романтическая традиция пейзажной живописи была известна как Школа реки Гудзон:[43] экспоненты включают Томас Коул, Фредерик Эдвин Черч, Альберт Бирштадт, Томас Моран, и Джон Фредерик Кенсетт. Люминизм движение в американской пейзажной живописи, связанное с Школа реки Гудзон.

Молодая мама шить, Мэри Кассат

Ведущий Барбизонская школа художник Камиль Коро нарисован как в романтическом, так и в реалистичный вена; его работа прообразует Импрессионизм, как и картины Эжен Буден который был одним из первых французских пейзажистов, рисовавших на открытом воздухе. Буден также оказал большое влияние на молодых Клод Моне, которого в 1857 году он представил Пленэр картина. Основная сила в повороте к Реализм в середине века был Гюстав Курбе. Во второй трети века импрессионисты любили Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Мэри Кассат, и Эдгар Дега работали в более прямом подходе, чем ранее публично выставлялись. Они избегали аллегории и повествования в пользу индивидуализированных ответов на современный мир, иногда нарисованных с минимальным предварительным изучением или без него, полагаясь на ловкость рисунка и очень хроматичную палитру. Мане, Дега, Ренуар, Моризо и Кассат сосредоточили свое внимание прежде всего на человеке. И Мане, и Дега переосмыслили классические образные каноны в современных ситуациях; в случае с Мане переосмысление было встречено враждебно общественностью. Ренуар, Моризо и Кассат обратились к домашней жизни за вдохновением, а Ренуар сосредоточился на женской обнаженной натуре. Моне, Писсарро и Сислей использовали пейзаж в качестве основного мотива, быстротечность света и погоды играли важную роль в их работах. В то время как Сислей наиболее строго придерживался первоначальных принципов импрессионистского восприятия ландшафта, Моне искал вызовы во все более цветных и изменчивых условиях, кульминацией которых стала серия его монументальных работ. Водяные лилии нарисованный в Живерни.

Эдвард Мунк, 1893 г., ранний образец Экспрессионизм

Писсарро перенял некоторые эксперименты Пост Импрессионизм. Постимпрессионисты чуть помоложе любят Винсент Ван Гог, Поль Гоген, и Жорж Сёра, вместе с Поль Сезанн привело искусство к краю модернизм; для Гогена импрессионизм уступил место личному символизму; Сёра преобразовал сломанный цвет импрессионизма в научное оптическое исследование, построенное на фризовых композициях; Бурный метод нанесения краски Ван Гога в сочетании с звучным использованием цвета предсказал Экспрессионизм и Фовизм, а Сезанн, желающий объединить классическую композицию с революционной абстракцией природных форм, стал бы рассматриваться как предшественник искусства 20-го века. Очарование импрессионизма ощущалось во всем мире, в том числе в Соединенных Штатах, где он стал неотъемлемая часть картины Американские импрессионисты Такие как Чайльд Хассам, Джон Твахтман, и Теодор Робинсон; и в Австралии, где художники Гейдельбергская школа Такие как Артур Стритон, Фредерик МакКуббин и Чарльз Кондер нарисованный на пленэре и особенно интересовались австралийским пейзажем и светом. Это также оказало влияние на художников, которые не были импрессионистами в теории, таких как портретист и пейзажист. Джон Сингер Сарджент. В то же время в Америке на рубеже 20-го века существовал местный и почти островной реализм, который богато воплощен в образных произведениях художника. Томас Икинс, то Школа Ашкана, пейзажи и морские пейзажи Уинслоу Гомер, все картины которых были глубоко вложены в твердость природных форм. Призрачный пейзаж, мотив, во многом зависящий от двусмысленности ноктюрна, нашел своих сторонников в Альберт Пинкам Райдер и Ральф Альберт Блейклок.

В конце 19 века также существовало несколько довольно разнородных групп Художники-символисты чьи работы находили отклик у молодых художников 20 века, особенно у художников Фовисты и Сюрреалисты. Среди них были Гюстав Моро, Одилон Редон, Пьер Пюви де Шаванн, Анри Фантен-Латур, Арнольд Бёклин, Эдвард Мунк, Фелисьен Ропс, и Ян Тороп, и Гюстав Климт среди прочего, включая Русские символисты подобно Михаил Врубель.

Художники-символисты добыт мифология и образы сновидений для визуального языка души, ищущие вызывающие воспоминания картины, которые напоминают статичный мир тишины. Символы, используемые в символизме, не являются привычными эмблемы основного направления иконография но очень личные, частные, неясные и двусмысленные ссылки. Художники-символисты оказали больше влияние на современную философию, чем на реальный стиль искусства. Искусство модерн движение и Les Nabis. В своем исследовании сказочных предметов художники-символисты встречаются через века и культуры, как и сегодня; Бернар Дельвай описал Рене Магритт сюрреализм как "Символизм плюс Фрейд ".[44]

Модерн и современность 20-го века

Основные статьи: Современное искусство, Модернизм, и Современное искусство

Наследие таких художников, как Ван Гог, Сезанн, Гоген, и Сёра имел важное значение для развития современного искусства. В начале 20 века Анри Матисс и несколько других молодых художников произвели революцию в мире искусства Парижа, создав «дикие», разноцветные, выразительные пейзажи и картины с фигурами, которые критики назвали Фовизм. Пабло Пикассо сделал свой первый кубист картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем телам: куб, сфера и конус.

Пионеры 20 века

Анри Матисс 1909, конец Фовизм

Наследие таких художников, как Ван Гог, Сезанн, Гоген, и Сёра имел важное значение для развития современного искусства. В начале 20 века Анри Матисс и несколько других молодых художников, включая докубистов Жорж Брак, Андре Дерен, Рауль Дюфи и Морис де Вламинк произвела революцию в мире искусства Парижа, создав «дикие», разноцветные, выразительные пейзажи и рисунки, которые критики назвали Фовизм. Анри Матисс вторая версия Танец означает ключевой момент в его карьере и в развитии современной живописи.[45] Это отражает зарождающееся увлечение Матисса примитивное искусство: насыщенные теплые цвета на прохладном сине-зеленом фоне и ритмичная последовательность танцующих обнаженных тел передают чувство эмоционального раскрепощения и гедонизм. Пабло Пикассо сделал свой первый кубист картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем телам: куб, сфера и конус. С картиной Les Demoiselles d'Avignon В 1907 году Пикассо драматически создал новую и радикальную картину, изображающую грубую и примитивную сцену публичного дома с пятью проститутками, жестоко раскрашенными женщинами, напоминающими Маски африканских племен и его собственный новый Кубист изобретения. аналитический кубизм был совместно разработан Пабло Пикассо и Жорж Брак, на примере Скрипка и подсвечник, Парижпримерно с 1908 по 1912 год. Аналитический кубизм, первое явное проявление кубизма, сменился синтетический кубизм, практикуемый Браком, Пикассо, Фернан Леже, Хуан Грис, Альберт Глейзес, Марсель Дюшан и бесчисленное множество других художников в 1920-е годы. Синтетический кубизм отличается введением различных фактур, поверхностей, коллаж элементы папье-колле и большое количество объединенных тем.

Пьер Боннар, 1913, европейская модернистская нарративная живопись
Джорджо де Кирико 1914 г., доСюрреализм

Les Fauves (французское для Дикие звери) были художниками начала 20 века, экспериментировавшими со свободой выражения через цвет. Название было дано группе критиком с юмором, а не в качестве комплимента. Луи Воксель. Фовизм была недолговечной и рыхлой группой художников начала 20 века, чьи работы подчеркивали живописно качества, и творческое использование глубокого цвета над репрезентативными ценностями. Фовисты сделали сюжет картины легким для чтения, преувеличенные перспективы и интересное пророческое предсказание фовистов было высказано в 1888 году Поль Гоген к Поль Серюзье,

«Как вы видите эти деревья? Они желтые. Итак, поставьте желтый; эту тень, скорее голубую, нарисуйте чистым ультрамарин; эти красные листья? Вставить киноварь."

Лидерами движения были Анри Матисс и Андре Дерен - своего рода дружелюбные соперники, каждый со своими последователями. В конечном счете Матисс стал Ян к Пикассо с инь в 20 веке. Включены художники-фовисты Альбер Марке, Чарльз Камуан, Морис де Вламинк, Рауль Дюфи, Отон Фриес, голландский художник Кес ван Донген, и партнер Пикассо по кубизму, Жорж Брак среди других.[46]Фовизм как движение не имело конкретных теорий и просуществовал недолго, начиная с 1905 года и заканчивая 1907 годом, у них было всего три выставки. Матисс считался лидером движения из-за его старшинства в возрасте и предшествующего самоутверждения в академическом мире искусства. Его портрет г-жи 1905 года. Матисс Зеленая линия, (вверху) произвела фурор в Париже, когда была впервые выставлена. Он сказал, что хочет создавать искусство, доставляющее удовольствие; искусство как украшение было его целью, и можно сказать, что использование ярких цветов пытается сохранить спокойствие композиции. В 1906 г. по предложению своего дилера Амбруаз Воллар, Андре Дерен отправился в Лондон и создал серию картин, таких как Мост Чаринг-Кросс, Лондон (выше) в Фовист стиля, перефразируя знаменитый сериал Импрессионист художник Клод Моне. Мастера любят Анри Матисс и Пьер Боннар продолжали развивать свои повествовательные стили независимо от каких-либо движений на протяжении 20 века.

К 1907 году фовизм больше не был шокирующим новым движением, вскоре его заменили Кубизм на экране радаров критиков как последняя разработка в Современное искусство того времени. В 1907 г. Appolinaire, комментируя Матисса в статье, опубликованной в La Falange, сказал: «Мы здесь не в присутствии экстравагантного или экстремистского предприятия: искусство Матисса в высшей степени разумно».[47]Аналитический кубизм был совместно разработан Пабло Пикассо и Жорж Брак примерно с 1908 по 1912 год. Аналитический кубизм, первое явное проявление кубизма, сменился Синтетический кубизм, практикуемый Браком, Пикассо, Фернан Леже, Хуан Грис, Альберт Глейзес, Марсель Дюшан и бесчисленное множество других художников в 1920-е годы. Синтетический кубизм отличается введением различных фактур, поверхностей, коллаж элементы папье-колле и большое количество объединенных тем.

В период с 1910 года до конца Первой мировой войны и после периода расцвета кубизм, в Париже возникло несколько движений. Джорджио Де Кирико переехал в Париж в июле 1911 года, где он присоединился к своему брату Андреа (поэт и художник, известный как Альберто Савинио ). Через своего брата он познакомился с Пьером Лапрадом, членом жюри Осеннего салона, где он выставил три свои сказочные работы: Загадка оракула, Загадка дня и Автопортрет. В 1913 г. выставлял свои работы на Салон независимых и Осенний салон, его работы заметили Пабло Пикассо и Гийом Аполлинер и несколько других. Его неотразимые и загадочные картины считаются инструментами первых начал Сюрреализм. В первой половине ХХ века в Европе такие мастера, как Жорж Брак, Андре Дерен, и Джорджио Де Кирико продолжал рисовать независимо от движения.

Пионеры современного искусства

В первые два десятилетия ХХ века и после Кубизм возникло несколько других важных движений; футуризм (Балла ), абстрактное искусство (Кандинский ), Der Blaue Reiter ), Баухаус, (Кандинский ) и (Клее ), Орфизм, (Роберт Делоне и Франтишек Купка ), Синхромизм (Морган Рассел ), Де Стейл (Мондриан ), Супрематизм (Малевич ), Конструктивизм (Татлин ), Дадаизм (Дюшан, Пикабиа, Арп ) и Сюрреализм (Де Кирико, Андре Бретон, Миро, Магритт, Дали, Эрнст ). Современная живопись повлияла на все изобразительное искусство, начиная с Модернист архитектура и дизайн, чтобы авангард кино, театр и современный танец и стала экспериментальной лабораторией для выражения визуального опыта, от фотографии и конкретная поэзия рекламе искусства и моды. Картина Ван Гога оказала большое влияние на ХХ век. Экспрессионизм, как это видно по работе Фов, Die Brücke (группа под руководством немецкого художника Эрнст Кирхнер ), а экспрессионизм Эдвард Мунк, Эгон Шиле, Марк Шагал, Амедео Модильяни, Хаим Сутин и другие..

Василий Кандинский русский художник, гравер и теоретик искусства, один из самых известных художников 20-го века обычно считается первым крупным художником современное абстрактное искусство. Как ранний модернист, в поисках новых способов визуального и духовного выражения, он теоретизировал, как и современные люди. оккультисты и теософы, эта чистая визуальная абстракция сопровождалась вибрациями звука и музыки. Они утверждали, что чистая абстракция может выражать чистую духовность. Его самые ранние абстракции обычно назывались образцом в (галерее выше) Композиция VII, приобщая к творчеству композиторов музыки. Кандинский включил многие из своих теорий об абстрактном искусстве в свою книгу. О духовном в искусстве. Роберт Делоне был французским художником, связанным с Орфизм, (напоминающее связь между чистой абстракцией и кубизмом). Его более поздние работы были более абстрактными, напоминая Пауль Клее. Его ключевой вклад в абстрактную живопись связан с его смелым использованием цвета и явной любовью к экспериментированию как с глубиной, так и с тоном. По приглашению Василий Кандинский, Делоне и его жена художник Соня Делоне, присоединился к The Blue Rider (Der Blaue Reiter ), а Мюнхен основал группу художников-абстракционистов в 1911 году, и его искусство превратилось в абстрактное.[48]

Среди других крупных пионеров ранней абстракции - русский художник. Казимир Малевич, кто после Русская революция в 1917 г., и после давления со стороны Сталинский режим в 1924 году вернулся к живописи образной и Крестьяне и рабочие в поле, и швейцарский художник Пауль Клее чьи мастерские цветовые эксперименты сделали его важным пионером абстрактная живопись на Баухаус. Среди других важных пионеров абстрактной живописи - шведский художник. Хильма аф Клинт, Чешский художник Франтишек Купка а также американские художники Стэнтон Макдональд-Райт и Морган Рассел который в 1912 году основал Синхромизм, направление в искусстве, очень напоминающее Орфизм.

Экспрессионизм и Символизм - это широкие рубрики, которые включают несколько важных и связанных направлений в живописи 20-го века, которые доминировали в большей части авангардного искусства, создаваемого в Западной, Восточной и Северной Европе. Экспрессионистские работы были написаны в основном в период между Первой и Второй мировой войнами, в основном во Франции, Германии, Норвегии, России, Бельгии и Австрии. Художники-экспрессионисты связаны как с сюрреализмом, так и с символизмом, и каждый из них уникален и несколько эксцентрично индивидуален. Фовизм, Die Brücke, и Der Blaue Reiter три из самых известных групп художников-экспрессионистов и символистов.

Художники такие же интересные и разнообразные, как Марк Шагал, чья картина Я и деревня, (вверху) рассказывает автобиографическую историю, в которой исследуются отношения между художником и его происхождением, с лексикой художественного Символизм. Густав Климт, Эгон Шиле, Эдвард Мунк, Эмиль Нольде, Хаим Сутин, Джеймс Энсор, Оскар Кокошка, Эрнст Людвиг Кирхнер, Макс Бекманн, Франц Марк, Кете Шмидт Колльвиц, Жорж Руо, Амедео Модильяни и некоторым американцам за границей нравится Марсден Хартли, и Стюарт Дэвис, считались влиятельными художниками-экспрессионистами. Несмотря на то что Альберто Джакометти в первую очередь считается интенсивным Сюрреалист скульптор, он также писал интенсивные экспрессионистские картины.

Пионеры абстракции

Пит Мондриан Русское искусство было также связано с его духовными и философскими занятиями. В 1908 году он заинтересовался теософский движение, запущенное Елена Петровна Блаватская в конце 19 века. Блаватская считала, что можно достичь более глубокого знания о природе, чем то, которое дается эмпирическими средствами, и большая часть работы Мондриана до конца его жизни была вдохновлена ​​его поисками этого духовного знания.

Пит Мондриан, "Композиция № 10" 1939–42, Де Стейл
Морган Рассел, Космическая Синхромия (1913–14), Синхромизм

Де Стейл также известен как неопластика, было голландским художественным движением, основанным в 1917 году. Де Стейл используется для обозначения коллектива работ с 1917 по 1931 год, основанного в Нидерландах.[49][50]

Де Стейл это также название журнала, который был опубликован голландским художником, дизайнером, писателем и критиком. Тео ван Дусбург пропаганда групповых теорий. Рядом с ван Дусбургом основными участниками группы были художники. Пит Мондриан, Вилмос Хусар, и Барт ван дер Лек, а архитекторы Геррит Ритвельд, Роберт ван 'т Хофф, и Дж. Дж. П. Уд. Художественная философия, которая легла в основу работы группы, известна как неопластика - новая пластика (или Nieuwe Beelding на голландском языке).

Сторонники De Stijl стремились выразить новую утопический идеал духовной гармонии и порядка. Они выступали за чистую абстракция и универсальность за счет сведения к основам формы и цвета; они упростили визуальные композиции до вертикального и горизонтального направлений и использовали только основные цвета наряду с черным и белым. Действительно, согласно Галерея Тейт В онлайн-статье о неопластицизме сам Мондриан излагает эти разграничения в своем эссе «Неопластицизм в живописном искусстве». Он пишет: «... эта новая пластическая идея будет игнорировать особенности внешнего вида, то есть естественную форму и цвет. Напротив, она должна найти свое выражение в абстракции формы и цвета, т. Е. по прямой линии и с четко определенным основным цветом ». В статье Тейт далее резюмируется, что это искусство допускает «только основные цвета и не цвета, только квадраты и прямоугольники, только прямые и горизонтальные или вертикальные линии».[51] В Музей Гуггенхайма Интернет-статья о Де Стиджле резюмирует эти черты в аналогичных терминах: «Он [Де Стейл] был основан на фундаментальном принципе геометрии прямой линии, квадрата и прямоугольника в сочетании с сильной асимметричностью; преобладающее использование чистых основных цветов с черным и белым, а также отношения между положительными и отрицательными элементами в расположении беспредметных форм и линий ».[52]

На движение Де Стейл оказали влияние Кубист живописи, а также мистицизмом и идеями об «идеальных» геометрических формах (таких как «идеальная прямая линия») в неоплатонический философия математик М. Х. Дж. Шенмакерс. Работы Де Стейла повлияли на Баухаус стиль и международный стиль архитектуры, а также одежды и дизайна интерьера. Однако он не следовал общим принципам «изма» (кубизм, футуризм, сюрреализм) и не придерживался принципов художественных школ, таких как Баухаус; это был коллективный проект, совместное предприятие.

Дада и сюрреализм

Основные статьи: Дадаизм и Сюрреализм
Фрэнсис Пикабиа, (Оставили) Le saint des saints c'est de moi qu'il s'agit dans ce портрет1 июля 1915 г .; (центр) Portrait d'une jeune fille americaine dans l'état de nudité, 5 июля 1915 г .: (справа) J'ai vu et c'est de toi qu'il s'agit, Де Заяс! Де Заяс! Je suis venu sur les rivages du Pont-Euxin, Нью-Йорк, 1915 год.
Марсель Дюшан, Обнаженная спускающаяся по лестнице, № 2, 1912, Художественный музей Филадельфии
Жоан Миро, Лошадь, трубка и красный цветок, 1920, абстрактный сюрреализм, Художественный музей Филадельфии

Марсель Дюшан, приобрел международную известность благодаря своему печально известному успеху в Нью-Йорке. Оружейная Шоу в 1913 году (вскоре после того, как он осудил искусство за шахматы ). После Дюшана Обнаженная спускается по лестнице стал международным знаменитостью на выставке Armory 1913 в Нью-Йорке, которую он создал Невесту обнажили даже ее холостяки, Большой стакан. В Большой стакан подтолкнул искусство живописи к радикально новым ограничениям, включая частичное рисование, отчасти коллаж, отчасти конструирование. Дюшан стал тесно связан с Дадаизм движение, начавшееся в нейтральном Цюрих, Швейцария, во время Первой мировой войны и достигла своего пика с 1916 по 1920 год. Движение в основном включало изобразительное искусство, литературу (поэзия, художественные манифесты, теория искусства), театр и графический дизайн и концентрировало свою антивоенную политику через отказ стандарты в искусстве через анти-искусство культурные работы. Фрэнсис Пикабиа, Ман Рэй, Курт Швиттерс, Тристан Цара, Ганс Рихтер, Жан Арп, Софи Тойбер-Арп, наряду с Дюшаном и многими другими, связаны с дадаистским движением. Дюшан и несколько Дадаисты также связаны с сюрреализмом, движением, которое доминировало в европейской живописи в 1920-х и 1930-х годах.

В 1924 г. Андре Бретон опубликовал Сюрреалистический манифест. В Сюрреалист движение в живописи стало синонимом авангард и в котором представлены художники, чьи работы варьируются от абстрактных до сверхреалистичных. С работами на бумаге вроде Машина поворачивается быстро, (вверху) Фрэнсис Пикабиа продолжил свое участие в Дадаизм движение через 1919 г. Цюрих и Пэрис, прежде чем расстаться с ней после того, как проявил интерес к Сюрреалист Изобразительное искусство. Ив Танги, Рене Магритт и Сальвадор Дали особенно известны своими реалистичными изображениями сновидений и фантастическими проявлениями воображения. Жоан Миро с Обработанное поле картины 1923–1924 годов, граничащие с абстракцией, это раннее изображение комплекса предметов и фигур и аранжировки сексуально активных персонажей; был первым сюрреалистическим шедевром Миро.[53] Миро Обработанное поле также содержит несколько параллелей с концепцией Bosch Сад земных наслаждений: похожие стаи птиц; бассейны, из которых выходят живые существа; и негабаритные бестелесные уши - все это перекликается с работой голландского мастера, которого Миро видел в молодости. Прадо. Более абстрактный Жоан Миро, Жан Арп, Андре Массон, и Макс Эрнст были очень влиятельными, особенно в Соединенных Штатах в 1940-х годах. На протяжении 1930-х годов сюрреализм продолжал становиться более заметным для широкой публики. А Группа сюрреалистов, созданная в Великобритании и, по словам Бретона, их 1936 г. Лондонская международная выставка сюрреалистов был кульминацией того времени и стал образцом для международных выставок. Группы сюрреалистов в Японии, особенно в Латинской Америке, Карибском бассейне и Мексике, создавали новаторские и оригинальные работы.

Дали и Магритт создал некоторые из наиболее широко известных образов движения. Картина 1928/1929 года Это не труба, к Магритт является предметом Мишель Фуко Книга 1973 года Это не труба (Английское издание, 1991 г.), в котором обсуждается картина и ее парадокс. Дали присоединился к группе в 1929 году и участвовал в быстром становлении визуального стиля между 1930 и 1935 годами.

Сюрреализм как визуальное движение нашел метод: раскрыть психологическую истину, лишив обычные объекты их нормального значения, чтобы создать убедительный образ, выходящий за рамки обычной формальной организации и восприятия, иногда вызывающий сочувствие у зрителя, иногда смех и т. Д. иногда возмущение и недоумение.

1931 год ознаменовался годом, когда несколько художников-сюрреалистов создали работы, которые отметили поворотные моменты в их стилистической эволюции: в одном примере жидкие формы стали торговой маркой Дали, особенно в его творчестве. Постоянство памяти, на котором изображены часы, которые провисают, как будто тают. Воспоминания о времени и его непреодолимой тайне и абсурде.[54]

Характеристики этого стиля - сочетание изобразительного, абстрактного и психологического - стали обозначать отчуждение, которое многие люди чувствовали в модернист период, в сочетании с чувством более глубокого проникновения в психику, чтобы «стать единым целым со своей индивидуальностью».

Макс Эрнст, 1920, начало Сюрреализм

Макс Эрнст, чья картина 1920 года Самолет-убийца, изучал философию и психологию в Бонне и интересовался альтернативными реальностями, с которыми сталкиваются безумцы. Его картины, возможно, были вдохновлены психоаналитик Зигмунд Фрейд Исследование иллюзий параноика Дэниела Пола Шребера. Фрейд определил фантазию Шребера о том, чтобы стать женщиной, как кастрационный комплекс. Центральное изображение двух пар ног относится к гермафродитским желаниям Шребера. Надпись Эрнста на обратной стороне картины гласит: Картина любопытна своей симметрией. Два пола уравновешивают друг друга.[55]

В 1920-е гг. Андре Массон Его работа оказала огромное влияние на помощь недавно прибывшему в Париж и молодому художнику. Жоан Миро найти свои корни в новом Сюрреалист картина. Миро признал в письмах своему дилеру Пьер Матисс важность Массона как примера для него в первые годы его жизни в Париже.

Спустя долгое время после того, как личная, политическая и профессиональная напряженность раздробила группу сюрреалистов на воздух и эфир, Магритт, Миро, Дали и другие сюрреалисты продолжают определять визуальную программу в искусстве. Среди других выдающихся художников-сюрреалистов Джорджо де Кирико, Мерет Оппенгейм, Toyen, Грегуар Мишонзе, Роберто Матта, Кей Сейдж, Леонора Кэррингтон, Доротея Таннинг, и Леонор Фини среди прочего.

До и после войны

Пауль Клее, 1922, Баухаус

Der Blaue Reiter было немецким движением, существовавшим с 1911 по 1914 год, фундаментальным для экспрессионизма, наряду с Die Brücke который был основан в предыдущем десятилетии в 1905 году и представлял собой группу немецких экспрессионист художники сформировались в Дрезден в 1905 году. Основателями Die Brücke были Фриц Блейл, Эрих Хекель, Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Ротлуф. Более поздние участники включали Макс Пехштейн, Отто Мюллер и другие. Группа была одной из основополагающих, которая со временем оказала большое влияние на эволюцию современное искусство в 20 веке и создал стиль Экспрессионизм.[56]

Василий Кандинский, Франц Марк, Август Маке, Алексей фон Явленский, чья психически выразительная картина русского танцора Портрет Александр Сахаров, 1909 находится в галерее выше, Марианна фон Веревкин, Лионель Фейнингер и другие основали Der Blaue Reiter группа в ответ на отказ от картины Кандинского Страшный суд с выставки. В Der Blaue Reiter не было центрального художественного манифеста, но он был сосредоточен вокруг Кандинского и Марка. Художники Габриэле Мюнтер и Пауль Клее также были задействованы.

Патрик Генри Брюс, Американский модернизм, 1924

Название движения происходит от картины Кандинского, созданной в 1903 году. Также утверждается, что название могло быть связано с энтузиазмом Марка к лошадям и любовью Кандинского к синему цвету. Для Кандинского, синий это цвет духовности: чем темнее синий, тем больше он пробуждает в людях стремление к вечному.

В США в период между Первой и Второй мировой войнами художники стремились уехать в Европу за признанием. Исполнители любят Марсден Хартли, Патрик Генри Брюс, Джеральд Мерфи и Стюарт Дэвис, создал репутацию за рубежом. В Нью-Йорке, Альберт Пинкам Райдер и Ральф Блейклок были влиятельными и важными фигурами в передовой американской живописи между 1900 и 1920 годами. В 1920-е годы фотограф Альфред Штиглиц выставлен Джорджия О'Киф, Артур Дав, Альфред Генри Маурер, Чарльз Демут, Джон Марин и других художников, включая европейских мастеров Анри Матисс, Огюст Роден, Анри Руссо, Поль Сезанн, и Пабло Пикассо, в его галерее 291.

Общественное сознание

Смотрите также: Социальный реализм, Регионализм (искусство), и Мексиканский мурализм
Диего Ривера, Отдых Человек на распутье (переименован Человек, повелитель Вселенной ), первоначально созданный в 1934 году, Мексиканский мурализм движение
Грант Вуд, 1930, соцреализм

В течение 1920-х и 1930-х гг. Великая депрессия, Сюрреализм, поздний кубизм, Баухаус, Де Стейл, Дадаизм, немецкий экспрессионизм, экспрессионизм и модернист и искусные художники-художники, такие как Анри Матисс и Пьер Боннар характеризовал европейскую художественную сцену. В Германии Макс Бекманн, Отто Дикс, Джордж Гросс а другие политизировали свои картины, предвещая приближение Второй мировой войны. В то время как в Америке Американская картина сцены и соцреализм и регионализм В мире искусства преобладали движения, содержащие как политические, так и социальные комментарии. Исполнители любят Бен Шан, Томас Харт Бентон, Грант Вуд, Джордж Тукер, Джон Стюарт Карри, Реджинальд Марш, и другие стали заметными.В Латинской Америке помимо Уругвайский художник Хоакин Торрес Гарсия и Руфино Тамайо из Мексики движение монументалистов с Диего Ривера, Дэвид Сикейрос, Хосе Ороско, Педро Нель Гомес и Сантьяго Мартинес Дельгадо и Символист картины Фрида Кало началось возрождение искусства в регионе с использованием цвета, исторических и политических посланий. Фрида Кало Работы символистов также сильно связаны с сюрреализмом и Магический Реализм движение в литературе. Психологическая драма на многих автопортретах Кало (вверху) подчеркивает жизнеспособность и актуальность ее картин для художников 21 века.

американская готика это картина Грант Вуд с 1930. Изображая вилы - фермер и молодая женщина перед домом Карпентер Готика стиль, это один из самых известных образов в 20 веке Американское искусство. Художественные критики положительно оценили картину: Гертруда Стайн и Кристофер Морли Они предположили, что картина должна была быть сатирой на жизнь деревенского городка. Таким образом, это рассматривалось как часть тенденции к все более критическому изображению сельской Америки в духе Шервуд Андерсон с 1919 Уайнсбург, Огайо, Синклер Льюис ' 1920 Главная улица, и Карл Ван Вехтен с Татуированная графиня в литературе.[57] Однако с наступлением Великая депрессия картина стала рассматриваться как изображение стойкого американского первопроходца.

Диего Ривера, пожалуй, больше всего известен широкой публике благодаря своей фреске 1933 года "Человек на распутье », в вестибюле здания RCA по адресу Рокфеллер-центр. Когда его покровитель Нельсон Рокфеллер обнаружил, что фреска включала портрет Владимир Ленин и другие коммунистические образы, он уволил Риверу, и незаконченная работа в конечном итоге была уничтожена сотрудниками Рокфеллера. Фильм Колыбель будет рок включает драматизацию противоречия. Фрида Кало Работы (жены Риверы) часто характеризуются резким изображением боли. Из ее 143 картин 55 являются автопортреты, которые часто содержат символические изображения ее физических и психологических ран. На Кало глубоко повлияла местная мексиканская культура, что проявляется в ярких красках и драматической символике ее картин. Христианские и еврейские темы также часто встречаются в ее работах; она объединила элементы классической религиозной мексиканской традиции, которые часто были кровавыми и жестокими, с сюрреалист визуализации. Хотя ее картины не являются откровенно христианскими, они определенно содержат элементы мрачного мексиканского христианского стиля религиозных картин.

Политическая активность была важной частью Дэвид Сикейрос 'жизни и часто вдохновлял его отказаться от творческой карьеры. Его искусство уходило корнями в Мексиканская революция, жестокий и хаотический период в истории Мексики, когда различные социальные и политические группировки боролись за признание и власть. Период с 1920-х по 1950-е годы известен как мексиканский ренессанс, и Сикейрос был активен в попытке создать искусство, которое одновременно было мексиканским и универсальным. Он ненадолго отказался от живописи, чтобы сосредоточиться на организации шахтеров в Халиско.

Мировой конфликт

В течение 1930-х годов радикальная левая политика характеризовала многих художников, связанных с Сюрреализм, включая Пабло Пикассо.[58] 26 апреля 1937 г. гражданская война в Испании, то Баскский город Герника была сцена "Бомбардировка Герники "Легионом Кондор люфтваффе нацистской Германии. Немцы атаковали, чтобы поддержать усилия Франсиско Франко по свержению баскского правительства и испанского республиканского правительства. Город был опустошен, хотя Бискайская ассамблея и Дуб Герники выжили. Пабло Пикассо нарисовал его размер фрески Герника в память об ужасах бомбардировки.

Пабло Пикассо Герника 1937 г., протест против фашизма

В окончательном виде Герника Это огромная черно-белая фреска высотой 3,5 метра (11 футов) и шириной 7,8 метра (26 футов), написанная маслом. Фреска представляет собой сцену смерти, насилия, жестокости, страдания и беспомощности, но не описывает их непосредственные причины. Выбор черно-белого изображения контрастирует с интенсивностью изображенной сцены и вызывает непосредственность газетной фотографии.[59]Пикассо написал картину размером с фреску под названием Герника в знак протеста против бомбардировки. Впервые картина была выставлена ​​в Париже в 1937 году, затем Скандинавия, затем в Лондоне в 1938 году и, наконец, в 1939 году по просьбе Пикассо картина была отправлена ​​в США в виде расширенной ссуды (на хранение) в МоМА. Картина отправилась в тур по музеям США до своего окончательного возвращения в музей современного искусства в Нью-Йорке, где экспонировалась почти тридцать лет. Наконец в соответствии с Пабло Пикассо Желая передать картину народу Испании в подарок, она была отправлена ​​в Испанию в 1981 году.

Макс Бекманн, Ночь (Die Nacht), 1918–1919, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Дюссельдорф

Вовремя Великая депрессия 1930-х годов, в годы Второй мировой войны американское искусство характеризовалось Социальный Реализм и Американская Живопись в работе Грант Вуд, Эдвард Хоппер, Бен Шан, Томас Харт Бентон, и несколько других. Nighthawks (1942) - картина Эдварда Хоппера, изображающая людей, сидящих в центре города. закусочная поздно ночью. Это не только самая известная картина Хоппера, но и одна из самых узнаваемых в американском искусстве. В настоящее время находится в коллекции Художественный институт Чикаго. Сцена была вдохновлена закусочная (снесен) в Деревня Гринвич, Дом Хоппера в Манхэттен. Хоппер начал писать его сразу после нападение на Перл-Харбор. После этого события над страной возникло чувство мрачности, которое изображено на картине. Городская улица за пределами закусочной пуста, и внутри никто из трех посетителей явно не смотрит и не разговаривает с другими, а погружается в собственные мысли. Это изображение современной городской жизни как пустой или одинокой - общая тема всей работы Хоппера.

Динамика для художников в Европе в 1930-е годы быстро ухудшалась по мере роста власти нацистов в Германии и по всей Восточной Европе. Климат стал настолько враждебным для художников и искусства, связанного с Модернизм и абстракция многие уехали в Америку. Дегенеративное искусство был термин, принятый Нацистский режим в Германии практически для всех современное искусство. Такое искусство было запрещено на том основании, что оно было антигерманским или Еврейский большевик в природе, и те, кого считали дегенеративными художниками, подвергались санкциям. К ним относились увольнение с преподавательских должностей, запрет на выставку или продажу своего искусства, а в некоторых случаях - запрет на создание произведений искусства.

Дегенеративное искусство так называлась выставка, устроенная нацистами в Мюнхен в 1937 году, состоящий из хаотично развешенных модернистских произведений искусства, сопровождаемых текстовыми этикетками, высмеивающими это искусство. Созданная для того, чтобы разжечь общественное мнение против модернизма, выставка впоследствии побывала в нескольких других городах Германии и Австрии. Немецкий художник Макс Бекманн и множество других бежали из Европы в Нью-Йорк. В Нью-Йорке появилось новое поколение молодых и интересных художников-модернистов во главе с Аршил Горки, Виллем де Кунинг, а другие только начинали достигать совершеннолетия.

Аршил Горки портрет того, кто может быть Виллем де Кунинг (см. выше) является примером эволюции абстрактный экспрессионизм из контекста фигурной живописи, кубизм и сюрреализм. Вместе со своими друзьями де Кунингом и Джон Д. Грэм Горький создавал биоморфные и абстрактные фигуративные композиции, которые к 1940-м годам превратились в совершенно абстрактные картины. Работа Горького кажется тщательным анализом памяти, эмоций и формы, с использованием линий и цвета для выражения чувств и природы.

К середине века

Эдвард Хоппер 1942, Американская картина сцены

1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовали триумф американского абстрактный экспрессионизм, модернистское движение, которое объединило уроки, извлеченные из Анри Матисс, Пабло Пикассо, Сюрреализм, Жоан Миро, Кубизм, Фовизм, и ранний модернизм через великих американских учителей, таких как Ганс Хофманн и Джон Д. Грэм. Американские художники извлекли выгоду из присутствия Пит Мондриан, Фернан Леже, Макс Эрнст и Андре Бретон группа, галерея Пьера Матисса и Пегги Гуггенхайм галерея Искусство этого века, а также другие факторы. Фигуративная работа Френсис Бэкон, Фрида Кало, Эдвард Хоппер, Люсьен Фрейд, Эндрю Уайет и другие служили своеобразной альтернативой абстрактному экспрессионизму.

Американская живопись после Второй мировой войны под названием «Абстрактный экспрессионизм» включала таких художников, как Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Аршил Горки, Марк Ротко, Ганс Хофманн, Клиффорд Стилл, Франц Клайн, Адольф Готтлиб, Марк Тоби, Барнетт Ньюман, Джеймс Брукс, Филип Гастон, Роберт Мазервелл, Конрад Марка-Релли, Джек Творков, Уильям Базиотес, Ричард Пузетт-Дарт, Ад Рейнхардт, Хедда Стерн, Джимми Эрнст, Эстебан Висенте, Брэдли Уокер Томлин, и Теодорос Стамос, среди прочего. Американский абстрактный экспрессионизм получил свое название в 1946 году от искусствоведа. Роберт Коутс. Он рассматривается как сочетание эмоциональной напряженности и самоотречения немецких экспрессионистов с антифигуративной эстетикой европейских абстрактных школ, таких как футуризм, то Баухаус и синтетический кубизм. Абстрактный экспрессионизм, картина действия, и Цветовое поле живопись являются синонимами Нью-Йоркская школа.

Технически сюрреализм был важным предшественником абстрактного экспрессионизма с его упором на спонтанность, автоматический или подсознательное творение. Джексон Поллок Капание краски на холст, лежащий на полу, - это техника, уходящая корнями в Андре Массон. Еще одно важное раннее проявление того, что стало абстрактным экспрессионизмом, - это работы американского северо-западного художника. Марк Тоби, особенно его холсты с «белым письмом», которые, хотя в целом небольшие по размеру, предвосхищают «повсюду» вид капельных картин Поллока.

Абстрактный экспрессионизм

Основные статьи: Абстрактный экспрессионизм, Живопись действия, Живопись цветового поля, и Лирическая абстракция
Джексон Поллок, Синие поляки, 1952, Национальная галерея Австралии

Вдобавок у абстрактного экспрессионизма есть образ мятежного, анархического, в высшей степени идиосинкразического и, как некоторые считают, довольно нигилистического. На практике этот термин применяется к любому количеству художников, работающих (в основном) в Нью-Йорке, которые придерживаются совершенно разных стилей, и даже применяется к работе, которая не является особенно абстрактной или экспрессионистской. Энергичный Поллока »картины действия ", с их" занятым "чувством, технически и эстетически отличаются от жестоких и гротескных Женщины серия Виллем де Кунинг. Как видно выше в галерее Женщина V - одна из шести картин, созданных де Кунингом в период с 1950 по 1953 год, на которых изображена женская фигура в три четверти длины. Он начал первую из этих картин, Женщина I коллекция: Музей современного искусства, Нью-Йорк, в июне 1950 года, неоднократно меняя и раскрашивая изображение до января или февраля 1952 года, когда картина осталась незавершенной. Искусствовед Мейер Шапиро вскоре после этого увидел картину в мастерской де Кунинга и призвал художника проявить настойчивость. В ответ Де Кунинг начал три других картины на ту же тему; Женщина II коллекция: Музей современного искусства, Нью-Йорк, Женщина III, Тегеранский музей современного искусства, Женщина IV, Музей искусств Нельсона-Аткинса, Канзас-Сити, штат Миссури. Летом 1952 г. провел в East Hampton Де Кунинг исследовал эту тему с помощью рисунков и пастели. Возможно, он закончил работу над Женщина I к концу июня или, возможно, уже в ноябре 1952 года, и, вероятно, остальные три фотографии женщин были сделаны примерно в то же время.[60] В Женская серия решительно фигуративные картины. Другой важный художник Франц Клайн, как показывает его картина Главная улица, 1950 как с Джексон Поллок и других абстрактных экспрессионистов, называли «художником-экшеном» из-за его, казалось бы, спонтанного и интенсивного стиля, меньше или совсем не сосредотачивающегося на фигурах или образах, а на фактических мазках кисти и использовании холста.[61][62][63][64]

см текст
Роберт Мазервелл, Элегия Испанской республике № 110

Клиффорд Стилл, Барнетт Ньюман, Адольф Готтлиб, и безмятежно мерцающие цветные блоки в Марк Ротко работы (которые обычно не называются экспрессионистскими и которые, как отрицал Ротко, были абстрактными), классифицируются как абстрактные экспрессионисты, хотя Клемент Гринберг назвал Цветовое поле направление абстрактного экспрессионизма. Обе Ганс Хофманн и Роберт Мазервелл (галерея) можно спокойно охарактеризовать как практикующих картина действия и рисование цветового поля.

Абстрактный экспрессионизм имеет много стилистических сходств с русскими художниками начала 20 века, такими как Василий Кандинский. Хотя это правда, что спонтанность или впечатление спонтанности характеризовали многие работы абстрактных экспрессионистов, большинство этих картин требовали тщательного планирования, тем более что этого требовал их большой размер. Исключением могут быть рисунки Поллока.

Почему этот стиль получил широкое распространение в 1950-х годах, остается предметом споров. Американец Социальный реализм был мейнстримом в 1930-е годы. На него повлияли не только Великая депрессия но также Соцреалисты Мексики, например Давид Альфаро Сикейрос и Диего Ривера. Политический климат после Второй мировой войны не выдерживал социальных протестов этих художников. Абстрактный экспрессионизм возник во время Второй мировой войны и начал демонстрироваться в начале 1940-х годов в галереях Нью-Йорка. Галерея "Искусство этого века". С конца 1940-х до середины 1950-х годов наступил период Эпоха Маккарти. Это было после Второй мировой войны и в период политического консерватизма и крайней художественной цензуры в Соединенных Штатах. Некоторые люди предполагают, что, поскольку предмет часто был полностью абстрактным, абстрактный экспрессионизм стал для художников безопасной стратегией, чтобы следовать этому стилю. Абстрактное искусство можно было рассматривать как аполитичное. Или, если искусство было политическим, сообщение было в основном для инсайдеров. Однако таких теоретиков меньшинство. Как первая по-настоящему оригинальная школа живописи в Америке, абстрактный экспрессионизм продемонстрировал жизнеспособность и креативность страны в послевоенные годы, а также ее способность (или необходимость) развивать эстетическое чувство, которое не ограничивалось европейскими стандартами. красоты.

Хотя абстрактный экспрессионизм быстро распространился по США, основными центрами этого стиля были Нью-Йорк и Калифорния, особенно в Нью-Йоркская школа, и район залива Сан-Франциско. Картины абстрактных экспрессионистов имеют определенные характеристики, в том числе использование больших полотен, "повсюду" подход, при котором все полотно рассматривается с равной важностью (в отличие от центра, представляющего больший интерес, чем края). Холст как арена стало кредо экшн-живописи, а целостность картинной плоскости стало кредо художников Цветного поля. Многие другие художники начали выставлять свои абстрактные экспрессионистские картины в 1950-х годах, в том числе Альфред Лесли, Сэм Фрэнсис, Джоан Митчелл, Хелен Франкенталер, Сай Твомбли, Милтон Резник, Майкл Голдберг, Норман Блюм, Рэй Паркер, Николя Кароне, Грейс Хартиган, Фридель Дзубас, и Роберт Гудноу среди прочего.

В 1950-х годах живопись Цветового поля первоначально относилась к определенному типу абстрактный экспрессионизм, особенно работа Марк Ротко, Клиффорд Стилл, Барнетт Ньюман, Роберт Мазервелл и Адольф Готтлиб. По сути, это были абстрактные картины с большими плоскими цветовыми пространствами, которые выражали чувственные и визуальные ощущения и свойства больших областей нюансированной поверхности. Искусствовед Клемент Гринберг воспринимается рисование цветового поля как связанное с рисованием в действии, но отличное от него. Общий объем и гештальт работ ранних художников цветового поля говорят о почти религиозном опыте, трепетном перед лицом расширяющейся вселенной чувственности, цвета и поверхности. В период с начала до середины 1960-х гг. Живопись цветового поля стали относиться к стилям художников, таких как Жюль Олицки, Кеннет Ноланд, и Хелен Франкенталер, чьи работы были связаны с абстрактным экспрессионизмом второго поколения, и с более молодыми художниками, такими как Ларри Зокс, и Фрэнк Стелла, - все движется в новом направлении. Такие артисты, как Клайффорд Стилл, Марк Ротко, Ганс Хофманн, Моррис Луи, Жюль Олицки, Кеннет Ноланд, Хелен Франкенталер, Ларри Зокс, и другие часто использовали сильно сокращенные ссылки на природу, и они рисовали с четко сформулированным и психологическим использованием цвета. В целом эти художники устранили узнаваемые образы. В Горы и море, с 1952 года, плодотворная работа Цветовое поле живопись Хелен Франкенталер художник впервые применил технику морилки.

В Европе было продолжение сюрреализма, кубизма, дадаизма и творчества Матисс. Также в Европе, Ташизм (европейский эквивалент абстрактного экспрессионизма) захватило новейшее поколение. Сергей Поляков, Николя де Сталь, Жорж Матье, Виейра да Силва, Жан Дюбюффе, Ив Кляйн и Пьер Сулаж среди прочих считаются важными фигурами в послевоенной европейской живописи.

Со временем абстрактная живопись в Америке превратилась в такие движения, как Нео-дада, Живопись цветового поля, Пост живописная абстракция, Оп-арт, жесткая окраска, Минимальное искусство, формованный холст картина, Лирическая абстракция, Неоэкспрессионизм и продолжение абстрактного экспрессионизма. В ответ на тенденцию к абстракции образы возникли в результате различных новых движений, в частности Поп-арт.

Поп-арт

Основная статья: Поп-арт

Ранее в Англии в 1956 году термин Поп-арт использовался Лоуренс Аллоуэй для картин, воспевающих потребительство эпохи после Второй мировой войны. Это движение отвергло абстрактный экспрессионизм и его ориентацию на герменевтический и психологический интерьер в пользу искусства, которое изображало и часто прославляло материальную культуру потребления, рекламу и иконографию эпохи массового производства.[65] Ранние произведения Дэвид Хокни и работы Ричард Гамильтон Питер Блейк и Эдуардо Паолоцци считались основополагающими примерами в движении.

Поп-арт в Америке изначально был в значительной степени вдохновлен работами Джаспер Джонс, Ларри Риверс, и Роберт Раушенберг. Хотя картины Джеральд Мерфи, Стюарт Дэвис и Чарльз Демут в 1920-е и 1930-е годы накрыл стол для поп-арта в Америке. В Нью-Йорке в середине 1950-х гг. Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс создавали произведения искусства, которые поначалу казались продолжением Абстрактный экспрессионист картина. Собственно их работы и работы Ларри Риверс, были радикальным отходом от абстрактного экспрессионизма, особенно в использовании банальных и буквальных образов, а также включении и объединении обыденных материалов в свои работы. Инновации в том, что Джонс использует различные изображения и предметы, такие как стулья, числа, мишени, пивные банки и американский флаг; Картины рек, изображающие предметы из популярной культуры, такие как Джордж Вашингтон пересекая Делавэр, и его вкрапления изображений из рекламы, например, верблюда из Сигареты Camel и удивительные конструкции Раушенберга, в которых использовались вкрапления предметов и изображений, взятых из массовой культуры, хозяйственных магазинов, свалок, городских улиц и таксидермия дали начало радикальному движению в Американское искусство. В конце концов, к 1963 году это движение стало известно во всем мире как поп-арт.

Примером американского поп-арта являются художники: Энди Уорхол, Клаас Ольденбург, Уэйн Тибо, Джеймс Розенквист, Джим Дайн, Том Вессельманн и Рой Лихтенштейн среди прочего. Возможно, самая важная работа Лихтенштейна Ваам! (1963, Тейт Модерн, Лондон[66]), один из самых ранних известных примеров поп-арт адаптировал комикс панель из выпуска 1962 г. Комиксы DC ' Всеамериканские мужчины войны.[67] На картине изображен истребитель, запускающий ракету по вражескому самолету с красно-желтым взрывом. Мультяшный стиль усиливается за счет использования звукоподражательный надпись "Ваам! " и заголовок в рамке «Я нажал кнопку управления огнем ... и впереди меня полетели ракеты ...»[66] Поп-арт объединяет популярную и массовую культуру с изобразительным искусством, привнося в смесь юмор, иронию, узнаваемые образы и содержание. В октябре 1962 г. Сидни Дженис Галерея смонтирована Новые реалисты первая крупная групповая выставка поп-арта в художественной галерее на окраине Нью-Йорка. Сидни Дженис разместил выставку в магазине на 57-й улице возле своей галереи на 15 E. 57-й улице. Шоу вызвало потрясение в Нью-Йоркская школа и разнесся по всему миру. Ранее осенью 1962 года исторически важный и новаторский Новая картина общих объектов выставка поп-арта, куратор Уолтер Хоппс на Художественный музей Пасадены послал ударные волны по западным Соединенным Штатам.

В то время как в центре города в Нью-Йорке Ист-Виллидж Галереи 10-й улицы художники формулировали американскую версию Поп-арт. Клаас Ольденбург имел свою витрину и делал расписные предметы, а Зеленая Галерея на 57-я улица начал показывать Том Вессельманн и Джеймс Розенквист. Потом Лео Кастелли выставлял других американских художников, включая большую часть карьеры Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна и его использование точек Бендея, техники, используемой в коммерческом воспроизведении. Существует связь между радикальными работами Дюшана и Ман Рэй бунтующие дадаисты - с чувством юмора; и поп-артисты любят Алекс Кац (прославившийся пародиями на портретную фотографию и пригородную жизнь), Клаас Ольденбург, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другие.

В то время как на протяжении 20 века многие художники продолжали практиковать пейзажную и фигуративную живопись с современными предметами и твердой техникой, например Милтон Эйвери, Джон Д. Грэм, Фэрфилд Портер, Эдвард Хоппер, Balthus, Френсис Бэкон, Николя де Сталь, Эндрю Уайет, Люсьен Фрейд, Франк Ауэрбах, Филип Перлштейн, Дэвид Парк, Натан Оливейра, Дэвид Хокни, Малькольм Морли, Ричард Эстес, Ральф Гоингс, Одри Флэк, Чак Клоуз, Сьюзан Ротенберг, Эрик Фишль, Вия Целминс и Ричард Дибенкорн.

Фигура, пейзаж, натюрморт, морской пейзаж, реализм

В течение 1930-1960-х годов абстрактная живопись в Америке и Европе превратилась в такие движения, как абстрактный экспрессионизм, Живопись цветового поля, Пост живописная абстракция, Оп-арт, жесткая окраска, Минимальное искусство, формованный холст живопись и Лирическая абстракция. Другие художники отреагировали на тенденцию к абстракции, позволив образным образам продолжаться в различных новых контекстах, таких как Фигуративное движение Bay Area в 1950-е годы и новые формы экспрессионизм с 1940-х по 1960-е гг. В Италии в это время Джорджио Моранди был выдающимся художником натюрморта, исследовавшим самые разные подходы к изображению повседневных бутылок и кухонных принадлежностей.[68] На протяжении ХХ века многие художники практиковали Реализм и использованы выразительные образы; практикуя пейзажную и фигуративную живопись с современными предметами и твердой техникой, а также уникальную выразительность, такую ​​как натюрморт художник Джорджио Моранди, Милтон Эйвери, Джон Д. Грэм, Фэрфилд Портер, Эдвард Хоппер, Эндрю Уайет, Balthus, Френсис Бэкон, Леон Коссофф, Франк Ауэрбах, Люсьен Фрейд, Филип Перлштейн, Виллем де Кунинг, Аршил Горки, Грейс Хартиган, Роберт Де Ниро, старший, Элейн де Кунинг и другие. Вместе с Анри Матисс, Пабло Пикассо, Пьер Боннар, Жорж Брак, и другие мастера ХХ века. В частности, Милтон Эйвери за счет использования цвета и интереса к морским пейзажам и пейзажным картинам, связанным с аспектом цветового поля абстрактного экспрессионизма, как проявляется Адольф Готтлиб и Марк Ротко а также уроки, которые американские художники извлекли из творчества Анри Матисс.[69][70]

Глава VI, 1949 г. - картина художника ирландского происхождения. Френсис Бэкон и является примером послевоенного европейского Экспрессионизм. В работе представлена ​​искаженная версия Портрет Иннокентия X нарисованный испанским художником Диего Веласкес в 1650 году. Работа является одним из серии вариантов картины Веласкеса, которую Бэкон выполнял в 1950-х и начале 1960-х годов, всего сорок пять работ.[71] Когда его спросили, почему он был вынужден так часто возвращаться к этой теме, Бэкон ответил, что не имеет ничего против Пап, что он просто «хотел оправдания для использования этих цветов, и вы не можете придать обычной одежде такой фиолетовый цвет, не войдя в нее. вроде ложь fauve манера. "[72] Папа в этой версии кипит гневом и агрессией, а темные цвета придают изображению гротескно-кошмарный вид.[73] Складчатые занавески на заднем плане сделаны прозрачными и, кажется, ниспадают через лицо Папы.[74]Итальянский художник Джорджио Моранди был важным пионером минимализма в 20 веке. Рожден в Болонья, Италия В 1890 году на протяжении всей своей карьеры Моранди сосредоточился почти исключительно на натюрмортах и ​​пейзажах, за исключением нескольких автопортретов. С большой чувствительностью к тону, цвету и композиционному балансу он снова и снова изображал одни и те же знакомые бутылки и вазы на картинах, отличающихся простотой исполнения. Моранди выполнил 133 гравюры, значительный объем работ сам по себе, а его рисунки и акварели часто приближаются к абстракции в своей экономии средств. Благодаря своим простым и повторяющимся мотивам и экономному использованию цвета, ценности и поверхности, Моранди стал дальновидным и важным предшественником Минимализм. Он умер в Болонье в 1964 году.

После Второй мировой войны термин Школа Парижа часто упоминается Ташизм, европейский эквивалент американского абстрактного экспрессионизма, и эти художники также связаны с Кобра. Важные сторонники Жан Дюбюффе, Пьер Сулаж, Николас де Сталь, Ханс Хартунг, Сергей Поляков, и Жорж Матье, среди нескольких других. В начале 1950-х гг. Dubuffet (который всегда был фигуративным художником), и де Сталь, отказался от абстракции и вернулся к образности через фигуру и пейзаж.Работы де Стаэля быстро получили признание в послевоенном мире искусства, и он стал одним из самых влиятельных художников 1950-х годов. Его возвращение к представлению (морские пейзажи, футболисты, джазовые музыканты, чайки) в начале 1950-х годов можно рассматривать как влиятельный прецедент для американского общества. Фигуративное движение Bay Area, как многие из этих абстрактных художников любят Ричард Дибенкорн, Дэвид Парк, Элмер Бишофф, Уэйн Тибо, Натан Оливейра, Джоан Браун и другие сделали аналогичный шаг; возвращение к изображениям в середине 1950-х годов. Большая часть поздних работ де Стаэля - в частности, его разбавленные и разбавленные маслом абстрактные пейзажи середины 1950-х годов предсказывают живопись Цветового поля и Лирическая абстракция 1960-х и 1970-х годов. Николя де Сталь Смелый и очень яркий цвет в его последних картинах предсказывает направление большей части современной живописи, которая пришла после него, включая поп-арт 1960-х годов.

Арт-брют, Новый Реализм, Фигуративное движение Bay Area, нео-дадаизм, фотореализм

В течение 1950-х и 1960-х годов абстрактная живопись в Америке и Европе превратилась в такие движения, как Цветовое поле картина, пост-живописная абстракция, оп-арт, жесткая окраска, минимальное искусство, формованный холст картина, Лирическая абстракция, и продолжение Абстрактный экспрессионизм. Другие художники отреагировали на тенденцию к абстракции с помощью арт брют,[75] как показано на Court les rues, 1962 г., автор Жан Дюбюффе, флюксус, нео-дадаизм, Новый Реализм, позволяя изображениям снова появляться в различных новых контекстах, таких как поп-арт, то Фигуративное движение Bay Area (яркий пример - Дибенкорн Городской пейзаж I, (Пейзаж № 1), 1963, холст, масло, 60 1/4 x 50 1/2 дюйма, коллекция: Музей современного искусства Сан-Франциско ), а позже в 1970-х гг. Неоэкспрессионизм. Фигуративное движение в районе залива Дэвид Парк, Элмер Бишофф, Натан Оливейра и Ричард Дибенкорн чья картина Городской пейзаж 11963 год является типичным примером процветания влиятельных членов в 1950-х и 1960-х годах в Калифорнии. Хотя на протяжении 20 века художники продолжали заниматься Реализм и использовать образы, практикуя пейзажную и фигуративную живопись с современными предметами и твердой техникой, а также уникальной выразительностью, такой как Милтон Эйвери, Эдвард Хоппер, Жан Дюбюффе, Френсис Бэкон, Франк Ауэрбах, Люсьен Фрейд, Филип Перлштейн, и другие. Более молодые художники практиковали использование образов новыми и радикальными способами. Ив Кляйн, Боевой Райс, Ники де Сен-Фалль, Вольф Фостелл, Дэвид Хокни, Алекс Кац, Малькольм Морли, Ральф Гоингс, Одри Флэк, Ричард Эстес, Чак Клоуз, Сьюзан Ротенберг, Эрик Фишль, Джон Бэдер и Вия Целминс были некоторые из них, которые стали заметными между 1960-ми и 1980-ми годами. Фэрфилд Портер был в основном самоучкой и производил репрезентативную работу в самый разгар Абстрактный экспрессионист движение. Его предметами были в основном пейзажи, домашние интерьеры и портреты семьи, друзей и коллег-художников, многие из которых были связаны с Нью-Йоркская школа писателей, в том числе Джон Эшбери, Фрэнк О'Хара, и Джеймс Шайлер. Многие из его картин были установлены в семейном летнем доме на Грейт-Спрус-Хед-Айленд, штат Мэн.

Также в 1960-х и 1970-х годах была реакция против живописи. Критики, такие как Дуглас Кримп, оценивали работы художников как Ад Рейнхардт, и объявил «смерть живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Известность приобрели новые движения, некоторые из которых: Fluxus, Происходит, Видео арт, Монтажное искусство Почтовое искусство, то ситуационисты, Концептуальное искусство, Постминимализм, Земное искусство, искусство повера, исполнительское искусство и боди-арт среди прочего.[76][77]

Нео-дада - это также движение, начавшееся в 1950-х и 1960-х годах и связанное с абстрактным экспрессионизмом только с помощью образов. Благодаря появлению комбинированных произведенных предметов с материалами художников, отойдя от прежних традиций живописи. Примером этого направления в искусстве являются работы Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, чьи «комбайны» в 1950-е годы были предшественниками поп-арта и Монтажное искусство, и использовал сборку крупных физических объектов, включая чучела животных, птиц и коммерческую фотографию. Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Ларри Риверс, Джон Чемберлен, Клаас Ольденбург, Джордж Сигал, Джим Дайн, и Эдвард Кинхольц среди прочих были важными пионерами как абстракции, так и поп-арта; создание новых традиций художественного творчества; они сделали приемлемым в серьезных кругах современного искусства радикальное включение маловероятных материалов в свои произведения искусства.

Новая абстракция 1950-1980-х годов

Живопись цветового поля ясно указывал на новое направление в американской живописи, уходящее от абстрактный экспрессионизм. Рисование цветового поля связано с пост-живописная абстракция, супрематизм, абстрактный экспрессионизм, жесткая окраска и Лирическая абстракция.В течение 1960-х и 1970-х годов абстрактная живопись продолжала развиваться в Америке в различных стилях. Геометрическая абстракция, Оп-арт, жесткая окраска, Окраска цветового поля и минимальный живопись, были некоторые взаимосвязанные направления для продвинутой абстрактной живописи, а также некоторые другие новые направления. Моррис Луи был важным пионером в передовых Цветовое поле живопись, его работы могут служить мостом между абстрактный экспрессионизм, Рисование цветового поля и минимальное искусство. Два влиятельных учителя Йозеф Альберс и Ганс Хофманн познакомил новое поколение американских художников с их передовыми теориями цвета и пространства. Йозеф Альберс лучше всего помнят за его работу в качестве Геометрический абстракционист художник и теоретик. Самыми известными из них являются сотни картин и гравюр, из которых состоит серия. Посвящение площади. В этой строгой серии, начатой ​​в 1949 году, Альберс исследовал хроматические взаимодействия с плоскими цветными квадратами, расположенными концентрически на холсте. Теории Альберса об искусстве и образовании стали определяющими для следующего поколения художников. Его собственные картины составляют основу обоих жесткая окраска и оп-арт.

Йозеф Альберс, Ганс Хофманн, Илья Болотовский, Бургойн Диллер, Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Фрэнк Стелла, Моррис Луи, Кеннет Ноланд,[78] Эллсуорт Келли, Барнетт Ньюман, Ларри Пунс, Рональд Дэвис, Ларри Зокс, Аль-Хельд и некоторым другим нравится Мино Ардженто,[79] художники тесно связаны с Геометрическая абстракция, Оп-арт, живопись цветового поля, а в случае с Хофманном и Ньюманом - абстрактный экспрессионизм.

В 1965 году выставка под названием Отзывчивый глаз под кураторством Уильяма С. Зейтца. музей современного искусства, в Нью-Йорке. Представленные работы были обширными и включали Минимализм из Фрэнк Стелла, оп-арт Ларри Пуна, работы Александр Либерман, наряду с мастерами движения оп-арта: Виктор Вазарели, Ричард Анушкевич, Бриджит Райли и другие. Выставка была посвящена перцептивным аспектам искусства, которые возникают как из иллюзии движения, так и из взаимодействия цветовых отношений. Оп-арт, также известный как оптическое искусство, - это стиль, присутствующий в некоторых картинах и других произведениях искусства, в которых используется оптические иллюзии. Оп-арт также очень близок геометрическая абстракция и жесткая окраска. Хотя иногда для этого используется термин перцептивная абстракция.

Оп-арт - это метод живописи, касающийся взаимодействия между иллюзией и картинной плоскостью, между пониманием и видением.[80] Произведения оп-арта абстрактны, многие из наиболее известных произведений выполнены только в черно-белых тонах. Когда зритель смотрит на них, создается впечатление движения, скрытых изображений, мерцания и вибрации, узоров или, альтернативно, вздутия или деформации.

Живопись Цветового поля стремилась избавить искусство от лишней риторики. Исполнители любят Клиффорд Стилл, Марк Ротко, Ганс Хофманн, Моррис Луи, Жюль Олицки, Кеннет Ноланд, Хелен Франкенталер, Джон Хойланд, Ларри Зокс, и другие часто использовали сильно сокращенные ссылки на природу, и они рисовали с четко сформулированным и психологическим использованием цвета. В целом эти художники устранили узнаваемые образы. Некоторые художники цитировали ссылки на прошлое или настоящее искусство, но в целом живопись цветового поля представляет абстракцию как самоцель. Следуя этому направлению современное искусство художники хотели представить каждую картину как единое, связное, монолитное изображение.

Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Эллсуорт Келли, Барнетт Ньюман, Рональд Дэвис, Нил Уильямс, Роберт Мангольд, Чарльз Хинман, Ричард Таттл, Дэвид Новрос и Эл Ловинг - примеры художников, связанных с использованием формованный холст в период с начала 1960-х гг. Много Геометрические абстрактные художники, минималисты, и Жесткий край художники предпочли использовать края изображения для определения формы картины, вместо того, чтобы принимать прямоугольный формат. Фактически, использование формованный холст в первую очередь ассоциируется с картинами 1960-х и 1970-х годов, которые холодно Абстрактные, формалистический, геометрический, объективный, рационалистический, четкий, резко очерченный или минималист в характере. Галерея Андре Эммериха, Лео Кастелли Галерея, Галерея Ричарда Фейгена и Галерея Park Place были важными витринами для Цветовое поле картина, формованный холст живопись и Лирическая абстракция в Нью-Йорке в 1960-е годы. Есть связь с пост-живописная абстракция, который отреагировал на абстрактные экспрессионизмы 'мистицизм, гипер-субъективность и акцент на том, чтобы сделать сам акт живописи драматически видимым, а также торжественное принятие плоского прямоугольника как почти ритуальной предпосылки для серьезной живописи. В течение 1960-х годов живопись Цветового поля и Минимальное искусство часто были тесно связаны друг с другом. На самом деле к началу 1970-х оба движения стали явно разнообразными.

Вашингтонская школа цвета, Формованный холст, Абстрактный иллюзионизм, Лирическая абстракция

Еще одно родственное движение конца 1960-х, Лирическая абстракция (термин введен Ларри Олдричем, основателем Музей современного искусства Олдрича, Риджфилд, Коннектикут), охватило то, что, по словам Олдрича, он видел в студиях многих художников того времени.[81] Это также название выставки, которая возникла в музее Олдрича и прошла в Музей американского искусства Уитни и другие музеи по всей территории Соединенных Штатов с 1969 по 1971 год.[82]

Лирическая абстракция в конце 1960-х годов характерны полотна Дэн Кристенсен, Ронни Лэндфилд, Питер Янг и другие, а также флюксус движение и постминимализм (термин, впервые введенный Роберт Пинкус-Виттен на страницах Artforum в 1969 г.)[83] стремился расширить границы абстрактной живописи и минимализма, сосредоточившись на процессе, новых материалах и новых способах выражения. Постминимализм часто включает промышленные материалы, сырье, изготовление, найденные объекты, установку, серийное повторение, и часто со ссылками на Дадаизм и Сюрреализм лучше всего иллюстрируется скульптурами Ева Гессе.[83] Лирическая абстракция, концептуальное искусство, постминимализм, Земное искусство, видео, исполнительское искусство, инсталляция вместе с продолжением флюксуса, абстрактный экспрессионизм, Цветовое поле картина, жесткая окраска, минимальное искусство, оп-арт, поп-арт, фотореализм и Новый Реализм расширил границы современное искусство в середине 1960-х - 1970-х гг.[84] Лирическая абстракция - это тип свободной абстрактной живописи, возникший в середине 1960-х годов, когда абстрактные художники вернулись к различным формам живописного, живописного, экспрессионизма с преобладающим акцентом на процесс, гештальт и повторяющиеся композиционные стратегии в целом.

Лирическая абстракция имеет сходство с живописью цветового поля и абстрактным экспрессионизмом. Лирическая абстракция на примере 1968 г. Ронни Лэндфилд картина Для Уильяма Блейка, (вверху) особенно при свободном использовании краски - текстуры и поверхности. Прямой рисунок, каллиграфическое использование линий, эффекты нанесенной кистью, разбрызганной, окрашенной, выдавленной, разлитой и разбрызганной краски внешне напоминают эффекты, наблюдаемые в абстрактном экспрессионизме и живописи цветового поля. Однако стили заметно отличаются. Отделяя его от абстрактный экспрессионизм и картина действия 1940-1950-х годов - подход к композиции и драматургии. Как видно в живописи действия, акцент делается на мазках, высокой композиционной драматургии, динамическом композиционном напряжении. В то время как в «Лирической абстракции» присутствует ощущение композиционной случайности всей композиции, сдержанная и расслабленная композиционная драма и упор на процесс, повторение и всеобщую чувствительность.,[85][86]

Жесткая живопись, минимализм, постминимализм, монохромная живопись

Брайс Марден, 1966/1986, Монохромная живопись
Ричард Таттл, 1967, Постминимализм

Агнес Мартин, Роберт Мангольд, Брайс Марден, Джо Баер, Роберт Райман, Ричард Таттл, Нил Уильямс, Дэвид Новрос, Пол Могенсон, Чарльз Хинман примеры художников, связанных с Минимализм и (за исключением Мартина, Бэра и Мардена) использование формованный холст также в период с начала 1960-х гг. Много Геометрические абстрактные художники, минималисты и жесткий край художники предпочли использовать края изображения для определения формы картины, вместо того, чтобы принимать прямоугольный формат. Фактически, использование формованный холст в первую очередь ассоциируется с картинами 1960-х и 1970-х годов, которые являются холодно абстрактными, формалистическими, геометрическими, объективными, рационалистическими, четкими линиями, дерзко острыми краями или минималист в характере. В Bykert Галерея, а Галерея Park Place были важными витринами для Минимализм и формованный холст живопись в Нью-Йорке в 1960-е годы.

В течение 1960-х и 1970-х годов такие художники, как Роберт Мазервелл, Адольф Готтлиб, Филипп Густон, Ли Краснер, Сай Твомбли, Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Ричард Дибенкорн, Йозеф Альберс, Элмер Бишофф, Агнес Мартин, Аль-Хельд, Сэм Фрэнсис, Эллсуорт Келли, Моррис Луи, Хелен Франкенталер, Джин Дэвис, Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Джоан Митчелл, Фридель Дзубас и более молодые исполнители, такие как Брайс Марден, Роберт Мангольд, Сэм Гиллиам,[87] Джон Хойланд, Шон Скалли, Пэт Стейр, Элизабет Мюррей, Ларри Пунс, Уолтер Дарби Бэннард, Ларри Зокс, Ронни Лэндфилд, Рональд Дэвис, Дэн Кристенсен, Джоан Снайдер, Росс Блекнер, Арчи Рэнд, Сьюзан Крайл, и десятки других написали самые разные картины.

В 1960-е и 1970-е годы возникла реакция против абстрактной живописи. Некоторые критики оценили работы художников как Ад Рейнхардт, и объявил «смерть живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Известность приобрели новые движения, некоторые из которых: постминимализм, Земное искусство, видеоарт, инсталляция, искусство повера, исполнительское искусство, боди-арт, флюксус, происходит, мейл-арт, то ситуационисты и концептуальное искусство среди прочего.

Однако другие важные инновации в абстрактной живописи произошли в 1960-х и 1970-х годах, характеризуемых монохромная живопись и жесткая окраска вдохновленный Адом Рейнхардтом, Барнетт Ньюман, Милтон Резник, и Эллсуорт Келли. Такие разные артисты, как Агнес Мартин, Аль Хельд, Ларри Зокс, Фрэнк Стелла, Ларри Пунс, Брайс Марден и другие исследовали силу упрощения. Конвергенция Цветовое поле картина, минимальное искусство, жесткая покраска, Лирическая абстракция, а постминимализм размыл различия между движениями, которые стали более очевидными в 1980-х и 1990-х годах. В неоэкспрессионизм движение связано с более ранними разработками в абстрактный экспрессионизм, нео-дадаизм, Лирическая абстракция и постминимальная живопись.

Нео Экспрессионизм

В конце 1960-х гг. абстрактный экспрессионист художник Филип Гастон помогли осуществить переход от абстрактного экспрессионизма к Неоэкспрессионизм в живописи отказался от так называемой «чистой абстракции» абстрактного экспрессионизма в пользу более мультяшных изображений различных личных символов и предметов. Эти работы вдохновили новое поколение художников, заинтересованных в возрождении выразительного образа. Его картина Живопись, Курение, Еда 1973 год, показанный выше в галерее, является примером последнего и убедительного возвращения Гастона к репрезентации.

В конце 1970-х - начале 1980-х годов также произошло возвращение к живописи, которое произошло почти одновременно в Италии, Германии, Франции и других странах. Британия. Эти движения назывались Трансавангардия, Neue Wilde, Figuration Libre,[88] Неоэкспрессионизм, школа Лондона, а в конце 1980-х Застрявшие соответственно. Эти картины отличались большими форматами, свободным выразительным нанесением знаков, фигурацией, мифом и воображением. Все работы в этом жанре получили маркировку неоэкспрессионизм. Критическая реакция разделилась. Некоторые критики считали, что это вызвано стремлением крупных коммерческих галерей получить прибыль. Этот вид искусства продолжает оставаться популярным в 21 веке, даже после арт-краха в конце 1980-х годов. Ансельм Кифер является ведущей фигурой в Европе Неоэкспрессионизм к 1980-м годам тематика Кифера расширилась от акцента на роли Германии в цивилизации до судьбы искусства и культуры в целом. Его работы стали более скульптурными и включают в себя не только национальную идентичность и коллективную память, но и оккультизм символизм, богословие и мистика. Тема всей работы - травма, которую переживают целые общества, а также постоянное возрождение и обновление жизни.

В конце 1970-х годов в Соединенных Штатах художники, которые начали работать с оживленными поверхностями и вернулись к изображениям, таким как Сьюзан Ротенберг приобрели популярность, особенно, как видно выше на таких картинах, как Лошадь 2, 1979. В 80-е американские художники любили Эрик Фишль, Дэвид Салле, Жан-Мишель Баския (который начинал как художник граффити ), Джулиан Шнабель, и Кит Харинг, а итальянские художники любят Миммо Паладино, Сандро Чиа, и Энцо Кукки, среди прочего, определили идею Неоэкспрессионизм в Америке.

Неоэкспрессионизм был стилем современное живопись, которая стала популярной в конце 1970-х и доминировала на рынке искусства до середины 1980-х. Он возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистичный искусство 1960-1970-х гг. Неоэкспрессионисты вернулись к изображению узнаваемых объектов, таких как человеческое тело (хотя иногда и в практически абстрактной манере), грубо и эмоционально, используя яркие цвета и банальные цветовые гармонии. Художники-ветераны Филип Гастон, Франк Ауэрбах, Леон Коссофф, Герхард Рихтер, А. Р. Пенк и Георг Базелиц, наряду с более молодыми артистами, такими как Ансельм Кифер, Эрик Фишль, Сьюзан Ротенберг, Франческо Клементе, Жан-Мишель Баския, Джулиан Шнабель, Кит Харинг, и многие другие стали известны своей работой в этом интенсивном экспрессионистском стиле живописи.

Живопись по-прежнему занимает почетное место в современное искусство. Искусство - это открытое поле, которое больше не разделяется дихотомией объективного и беспредметного. Художники могут добиться успеха у критиков, независимо от того, являются ли их изображения репрезентативными или абстрактными. Что имеет значение, так это удовлетворение, исследование границ среды и отказ от повторения работ прошлого как конечной цели.

Современная живопись в 21 веке

Основные статьи: Современное искусство, Постмодернистское искусство, и Поздний модернизм

В начале 21 века современная живопись и современное искусство в целом продолжается в нескольких смежных формах, характеризующихся идеей плюрализм. «Кризис» в живописи и актуальном искусстве и современном художественная критика сегодня вызвано плюрализм. В отношении репрезентативного стиля эпохи нет единого мнения, да и в этом нет необходимости. Существует все идет преобладающее отношение; синдром «все происходит» и, следовательно, «ничего не происходит»; это создает эстетическую пробку без четкого и четкого направления и с каждой полосой художественного супермагистраль заполнен до отказа. Следовательно, великолепные и важные произведения искусства продолжают создаваться, хотя и в самых разных стилях и эстетических темпераментах, а рыночная площадь остается для оценки их достоинств.

Покраска с твердой кромкой, геометрическая абстракция, присвоение, гиперреализм, фотореализм, экспрессионизм, минимализм, Лирическая абстракция, поп-арт, оп-арт, абстрактный экспрессионизм, Цветовое поле картина, монохромная живопись, неоэкспрессионизм, коллаж, промежуточный картина, сборка картина, цифровая живопись, постмодерн картина, нео-дадаизм картина, формованный холст живопись, экология настенная живопись, традиционный фигура картина, пейзаж, портретная живопись, это несколько продолжающихся и актуальных направлений в живописи начала 21 века.

Америка

Вечный Отец, рисующий Богородицу Гваделупскую. Приписывается Хоакину Вильегасу (1713 г. - работал в 1753 г.) (мексиканец) (художник, Museo Nacional de Arte.
Основные статьи: Индейское искусство, Искусство майя, Доколумбовое искусство, Живопись в Америке до колонизации, Картина из равнины, и Гроссбух арт

В период до и после европейских исследований и заселения Америки, включая Северную Америку, Центральную Америку, Южную Америку и острова Карибского моря, Антильские острова, то Малые Антильские острова и другие группы островов, культуры коренных народов создали творческие произведения, включая архитектуру, керамика, керамика, ткачество, резьба, скульптура, живопись и фрески а также другие предметы религиозного и утилитарного характера. На каждом американском континенте были общества, представлявшие уникальные и индивидуально развитые культуры; здесь производились тотемы, произведения религиозной символики, декоративные и выразительные росписи. Африканское влияние было особенно сильным в искусстве Карибского бассейна и Южной Америки. Искусство коренных народов Америки оказало огромное влияние на Европейское искусство и наоборот во время и после Эпоха исследований. Испания, Португалия, Франция, Нидерланды и Англия были могущественными и влиятельными колониальные державы в Америке во время и после 15 века. К 19 веку культурное влияние начало течь в обе стороны через Атлантику.

Мексика и Центральная Америка

Южная Америка

Северная Америка

Соединенные Штаты

Канада

Карибский бассейн

Исламский

Основные статьи: Исламское искусство, Арабская миниатюра, Персидская миниатюра, и Арабески

Изображение людей, животных или любых других образных предметов запрещено в исламе, чтобы помешать верующим идолопоклонство Таким образом, в мусульманской культуре нет религиозно мотивированных традиций живописи (или скульптуры). Живописная деятельность была сведена к Арабески, в основном Абстрактные, с геометрический конфигурация или цветочные и растительные узоры. Сильно связан с архитектурой и каллиграфия, его можно широко увидеть как использованный для росписи плитка в мечетях или в иллюминациях вокруг текста Корана и других книг. На самом деле абстрактное искусство - это не изобретение современного искусства, но оно присутствует в доклассический, варвар и незападных культур за много веков до этого и, по сути, является декоративным или прикладное искусство. Известный иллюстратор М. К. Эшер находился под влиянием этого геометрического искусства, основанного на узорах. Искусство модерн (Обри Бердсли и архитектор Антонио Гауди ) повторно ввел абстрактные цветочные узоры в западное искусство.

Обратите внимание, что, несмотря на табу на образную визуализацию, некоторые мусульманские страны действительно культивировали богатые традиции живописи, хотя и не сами по себе, а в качестве дополнения к письменному слову. Иранское или персидское искусство, широко известное как персидская миниатюра, концентрируется на иллюстрации эпических или романтических литературных произведений. Персидские иллюстраторы сознательно избегали использования теней и перспективы, хотя они были знакомы с ними по доисламской истории, чтобы соблюдать правило не создавать никаких реалистичных иллюзий реального мира. Их целью было не изобразить мир таким, какой он есть, а создать образы идеального мира вневременной красоты и совершенного порядка.

Иран

Основные статьи: Персидская живопись, Персидская каллиграфия, Список персидских художников, и Иранское искусство

Восточный историк Бэзил Грей считает, что «Иран предложил особенно уникальную [sic ] искусство миру, превосходное в своем роде ». Пещеры в иранской провинции Лорестан демонстрируют нарисованные изображения животных и сцен охоты. Некоторым из них, например, в провинции Фарс и Сиалке, не менее 5000 лет. Считается, что живопись в Иране имеет достигла апогея в эпоху Тамерлана, когда выдающиеся мастера, такие как Камаледдин Бехзад, дали начало новому стилю живописи.

Картины периода Каджаров представляют собой сочетание европейских влияний и сефевидских миниатюрных школ живописи, например, представленных Реза Аббаси и классические произведения Михр Али. Мастера, такие как Камал-ол-молк еще больше подтолкнуло европейское влияние в Иране. Это было в эпоху Каджаров, когда появилась «живопись кофейни». Сюжеты этого стиля часто носили религиозный характер, изображали сцены из шиитских эпосов и тому подобное.

Пакистан

Основная статья: Культура Пакистана

Океания

Основная статья: Искусство Океании

Австралия

Основные статьи: Искусство аборигенов, Искусство Австралии, Список австралийских художников, и Изобразительное искусство Австралии

Новая Зеландия

Основные статьи: Искусство Новой Зеландии и Список художников Новой Зеландии

Африка

Основные статьи: Африканское искусство, Маски африканских племен, и Тингатинга (живопись)

Африканская традиционная культура и племена, похоже, не проявляют большого интереса к двухмерным изображениям в пользу скульптуры и облегчение. Однако декоративная живопись в африканской культуре часто бывает абстрактной и геометрической. Еще одно живописное проявление Роспись по телу, и раскраска лица присутствует например в Масаи и Kĩkũy культуры в их церемониальных ритуалах. Церемониальный наскальная живопись в некоторых деревнях все еще используются. Обратите внимание, что Пабло Пикассо и другие современные художники находились под влиянием Африканская скульптура и маски Современные африканские художники следуют западным художественным направлениям, и их картины мало чем отличаются от произведений западного искусства.

Суданский

Крещение Христа по средневековью Нубийский картина из Старый Донгола

В Королевство Куш в древности Нубия (т.е. современные Судан ), граничащая Древний Египет, произвел широкий спектр произведений искусства, в том числе настенные росписи и расписные предметы. На суданском сайте Kerma, центр Керма культура это предшествовало Королевство Куш, фрагментарная картина из царской гробницы около 1700 г. до н.э. изображает парусник и дома с лестницами, похожие на сцены на барельефах времен правления Египетская царица Хатшепсут (ок. 1479–1458 до н. э.).[89][90] Древняя традиция настенных росписей, впервые описанная Абу Салихом в 12 веке нашей эры, продолжалась и в период средневековая Нубия.[91]

Эфиопский

Основная статья: Эфиопское искусство
An Эфиопский освещенный Портрет евангелиста из Марк евангелист, из эфиопского Евангелия от Гарима, 6 век нашей эры, Королевство Аксум

В Христианская традиция живописи в Эфиопия восходит к 4 веку нашей эры, во времена древнего Королевство Аксум.[92] Во время ссылки в Аксум, последователи VII века Мухаммад описал картины, украшающие Церковь Девы Марии Сионской.[93] Однако самые ранние сохранившиеся образцы церковной росписи в Эфиопия происходят из церкви Дебре Селам Микаэль в Тыграйский район, датируемый XI веком нашей эры.[93] Эфиопские картины в иллюминированные рукописи предшествуют самым ранним сохранившимся церковным росписям. Например, эфиопский Евангелия от Гарима IV-VI вв. н.э. содержат освещенные сцены подражая современному Византийский световой стиль.[94]

Влияние на западное искусство

Смотрите также: Африканский период Пикассо и Современное африканское искусство

В начале ХХ века художникам нравились Пикассо, Матисс, Поль Гоген и Модильяни осознали и вдохновились этим Африканское искусство.[95] В ситуации, когда установленный авангард пытаясь преодолеть ограничения, налагаемые служением миру явлений, африканское искусство продемонстрировало силу в высшей степени хорошо организованных форм; создается не только реакцией на способность зрения, но также, часто в первую очередь, на способность воображения, эмоций и мистического и религиозного опыта. Эти художники видели в африканском искусстве формальный совершенство и изысканность в сочетании с феноменальной выразительной силой.[96][97][98][99][100]

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ Брюс Коул; Адельхайд М. Гелт (15 декабря 1991 года). Искусство западного мира: от Древней Греции до постмодернизма. Саймон и Шустер. ISBN  978-0-671-74728-2. Получено 8 сентября 2011.
  2. ^ а б Встреча восточного и западного искусства, Исправленное и расширенное издание (в твердом переплете), автор: Майкл Салливан.
  3. ^ «Взгляд на искусство; восточное искусство глазами Запада». Нью-Йорк Таймс. 10 июля 1994 г.. Получено 30 ноября 2010.
  4. ^ а б Вихманн, Зигфрид (1999). Японизм: влияние Японии на западное искусство с 1858 г.. ISBN  978-0-500-28163-5.
  5. ^ а б Салливан, Майкл (1989). Встреча восточного и западного искусства. Калифорнийский университет Press. ISBN  978-0-520-05902-3.
  6. ^ Обсуждение роли меценатов в эпоху Возрождения. Проверено 11 ноября 2008 года.
  7. ^ История 1450–1789 гг .: художественное покровительство. Проверено 11 ноября 2008 года.
  8. ^ Britannica.com. Проверено 11 ноября 2008 года.
  9. ^ Victorianweb.org, Эстеты, декаденты и идея искусства ради искусства Джордж П. Ландоу, профессор английского языка и истории искусства Университета Брауна. Проверено 11 ноября 2008 года.
  10. ^ Сезанн Пикассо: Амбруаз Воллар, покровитель авангарда, Чикагский художественный институт. Проверено 11 ноября 2008 г. В архиве 12 октября 2008 г. Wayback Machine.
  11. ^ Фергал Макэрлин (10 февраля 2012 г.). «Первые наскальные рисунки неандертальцев, обнаруженные в Испании». Новый ученый. Получено 10 февраля 2012.
  12. ^ Амос, Джонатан (15 июня 2012 г.). "Красная точка" становится старейшим наскальным искусством'" - через www.bbc.co.uk.
  13. ^ Диас, Иисус. «Это самые ранние человеческие картины в истории». Gizmodo.
  14. ^ Такон, Пол; Mulvaney, Кен; Фуллагар, Ричард; Хед, Лесли (1999), «Брэдшоу - восточная провинция?», Исследования наскального искусства, 16 (2): 127–129
  15. ^ М. Гувер, «Искусство эпох палеолита и неолита», из Обзор истории искусства 1, Колледж Сан-Антонио (июль 2001 г., по состоянию на 11 июня 2005 г.).
  16. ^ "Холланд Коттер". Нью-Йорк Таймс. Архивировано из оригинал 9 августа 2014 г.. Получено 27 октября 2007.
  17. ^ "Open F-S: Эскиз по мотивам" Лебедя и Ирис "Сесила Лоусона". Фриер - Саклер. Архивировано из оригинал 11 июня 2007 г.
  18. ^ Сено, Александра А. (2 ноября 2010 г.). "'"Река мудрости" - самый популярный билет в Гонконге ". Журнал "Уолл Стрит.
  19. ^ «Архивная копия». Архивировано из оригинал 5 апреля 2007 г.. Получено 23 марта 2007.CS1 maint: заархивированная копия как заголовок (связь)
  20. ^ "Chinastudies - bacheloropleiding - Geesteswetenschappen - Humanities - Universiteit Leiden". www.tcc.leidenuniv.nl.
  21. ^ Нидхэм, Джозеф (1986). Наука и цивилизация в Китае: Том 4, Часть 3. Тайбэй: Caves Books, Ltd. Стр. 115.
  22. ^ «Запрос отклонен». www.asia.si.edu. Архивировано из оригинал 4 июля 2007 г.
  23. ^ «Архивная копия». Архивировано из оригинал 27 сентября 2007 г.. Получено 8 июн 2007.CS1 maint: заархивированная копия как заголовок (связь)
  24. ^ Объект Всемирного наследия ЮНЕСКО. Пещеры Аджанты, Индия: краткое описание. Проверено 27 октября 2006 года.
  25. ^ ЮНЕСКО Международный совет по памятникам и достопримечательностям. 1982 г. Пещеры Аджанты: оценка консультативного органа. Проверено 27 октября 2006 года.
  26. ^ "Амрита Шер-Гилл". mapsofindia.com.
  27. ^ «Первая леди современного холста». Индийский экспресс. 17 октября 1999 г. Архивировано с оригинал 5 марта 2011 г.
  28. ^ «Женщины-художницы». 21stcenturyindianart.com. Архивировано из оригинал 20 декабря 2007 г.
  29. ^ «Самые дорогие индийские художники». us.rediff.com.
  30. ^ «Девять мастеров». Правительственный музей и художественная галерея, Чандигарх Официальный веб-сайт. Архивировано из оригинал 4 декабря 2010 г.
  31. ^ "Витрина: Амрита Шер-Гил". Национальная галерея современного искусства.
  32. ^ "Ислас-де-лос-Пинтадос: Висайские острова". Архивировано из оригинал 27 сентября 2011 г.
  33. ^ "Культура филиппинцев: лучшее из филиппинского искусства: Часть 1". 20 сентября 2007 г.
  34. ^ «Римская живопись». art-and-archaeology.com.
  35. ^ «Римская настенная живопись». accd.edu. Архивировано из оригинал 19 марта 2007 г.
  36. ^ Putnam A.M., Geo. Убежище. Книги и их создатели в средние века. Vol. 1. Нью-Йорк: Хиллари Хаус, 1962. Печать.
  37. ^ а б c Гарднер, Х., Кляйнер, Ф. С. и Мамия, К. Дж. (2006). Искусство Гарднера сквозь века: западная перспектива. Бельмонт, Калифорния, Томсон Уодсворт: 430–437
  38. ^ Контрреформация, из Энциклопедия Britannica Online, последнее издание, полная статья.
  39. ^ Контрреформация В архиве 11 декабря 2008 г. Wayback Machine, из Колумбийская энциклопедия, Издание шестое. 2001–05.
  40. ^ Хелен Гарднер, Фред С. Кляйнер и Кристин Дж. Мамия, «Искусство Гарднера сквозь века» (Белмонт, Калифорния: Thomson / Wadsworth, 2005)
  41. ^ Эдмонд и Жюль де Гонкур, Французские художники XVIII века. Корнеллские книги в мягкой обложке, 1981, стр. 222–225. ISBN  0-8014-9218-1
  42. ^ "Uni-Heidelberg.de".
  43. ^ Новак, Барбара (2002). "Американский возвышенный артфорум". ArtForum. Архивировано из оригинал 8 июля 2012 г.. Получено 30 октября 2008.
  44. ^ Дельвай, Бернар (1971). La poésie symboliste: [антология]. ISBN  978-2-221-50161-0.
  45. ^ Рассел Т. Клемент. Четыре французских символиста. Greenwood Press, 1996. Стр. 114.
  46. ^ Джон Элдерфилд; Стивен Эндрю Робертс (1991). Техническое совещание Европейского сотрудничества в области информации и документации в области социальных наук (ECSSID), Кентский университет в Кентербери, 25–26 марта 1991 г .: отчет для отдела исследований и развития Британской библиотеки. ISBN  978-0-87070-638-7.
  47. ^ Уильям Стэнли Рубин; Джудит Казинс; Музей современного искусства Нью-Йорка (1989). Пикассо и Брак: новаторский кубизм. п.348. ISBN  0-87070-676-4.
  48. ^ "Der Blaue Reiter". Глоссарий Тейт. Архивировано из оригинал 2 августа 2011 г.. Получено 10 августа 2009.
  49. ^ "Де Стейл". Глоссарий Тейт. Тейт. Получено 31 июля 2006.
  50. ^ Curl, Джеймс Стивенс (2006). Словарь архитектуры и ландшафтной архитектуры (Мягкая обложка) (Второе изд.). Издательство Оксфордского университета. ISBN  0-19-860678-8.
  51. ^ «Неопластизм». tate.org.uk. Архивировано из оригинал 10 сентября 2008 г.. Получено 3 сентября 2008.
  52. ^ "Стиль; Голландия, 1917 г.". guggenheimcollection.org. Архивировано из оригинал 21 августа 2008 г.. Получено 30 ноября 2010.
  53. ^ Спектор, Нэнси. "Пашня, 1923–1924 гг. В архиве 25 сентября 2008 г. Wayback Machine ". Гуггенхайм отображать заголовок. Проверено 30 мая 2008 г.
  54. ^ "Постоянство памяти". Онлайн-коллекция MoMA.
  55. ^ "Макс Эрнст (1891–1976). Мужчины ничего об этом не знают, 1923 / Les Hommes n'en sauront rien". tate.org.uk. Получено 30 ноября 2010.
  56. ^ "Ассоциация художников Брюке". Музей Брюке. Получено 7 сентября 2007.
  57. ^ Файнман, Миа, Самая известная фермерская пара в мире: почему американская готика до сих пор очаровывает., Шифер, 8 июня 2005 г.
  58. ^ Льюис, Хелена. Дада становится красным. 1990. Эдинбургский университет Press. История непростых отношений между сюрреалистами и коммунистами с 1920-х по 1950-е годы.
  59. ^ "Пабло Пикассо - биография, цитаты и картины". arthistoryarchive.com. Получено 14 июн 2007.
  60. ^ "Виллем Де Кунинг: Женщина V 1952–53". Национальная галерея Австралии. Получено 30 ноября 2010.
  61. ^ «Живопись со скоростью взгляда: быстрый переход Франца Клайна». Гипераллергический. 16 марта 2013 г.
  62. ^ "Определение истории искусства: Живопись действия". ThoughtCo. Получено 4 мая 2018.
  63. ^ "Франц Клайн. Картина № 2. 1954 | МоМА". www.moma.org.
  64. ^ Рудольф Арнхейм, Сила центра: исследование композиции в изобразительном искусстве, University of California Press, 1983, стр. 71–72, ISBN  0520050150
  65. ^ Аллоуэй, Лоуренс (1975). Темы в американском искусстве: с 1945 г.. W. W. Norton. стр.119–122. ISBN  978-0-393-04401-0.
  66. ^ а б Лихтенштейн, Рой. "Ваам!". Коллекция Тейт. Получено 27 января 2008.
  67. ^ Лихтенштейн, Рой. "Ваам!". Сайт Фонда Роя Лихтенштейна. Получено 12 сентября 2009.
  68. ^ Дэвид Пайпер, стр. 635
  69. ^ Глюк, Грейс (7 января 2005 г.). "Art in Review; Милтон Эйвери -" Налетящие волны "'" - через NYTimes.com.
  70. ^ "Лето 57-го с Милтоном Эйвери, Готлибом, Ротко". 13 мая 2002 г.
  71. ^ Шмид, Виланд (1996). Фрэнсис Бэкон: приверженность и конфликт. Престел Паб. п. 17. ISBN  3-7913-1664-8.
  72. ^ Пеппиатт, Майкл (1998). เรื่อง เก่า เล่า ใหม่: รวม ข้อคิด จาก พงศาวดาร และ ตํา นาน เก่า. Westview Press. п. 147. ISBN  978-0-8133-3520-9.
  73. ^ Schmied (1996), стр.20.
  74. ^ Пеппиатт (1996), стр.148
  75. ^ Жан Дюбюффе: L'Art brut préféré aux arts culturels [1949] (на английском языке: Арт брют. Безумие и маргиналия, спецвыпуск Искусство и текст, № 27, 1987, с. 31-33)
  76. ^ Дуглас Кримп, Конец живописи, Октябрь, т. 16. Весна, 1981, с. 69–86.
  77. ^ Дуглас Кримп, На руинах музея, Кембридж, Массачусетс, 1993.
  78. ^ Фентон, Терри. «Онлайн-эссе о Кеннете Ноланде и акриловой краске». Получено 30 апреля 2007.
  79. ^ Ноэль, Фракман «Мино Ардженто создает. Эти полотна, в которых геометрические формы, квадраты, дуги и линии», журнал Arts, стр.19, декабрь 1979 г.
  80. ^ Джон Ланкастер. Представляем оп-арт, Лондон: BT Batsford Ltd, 1973, стр. 28.
  81. ^ Олдрич, Ларри. Молодые лирические художники, Искусство в Америке, т.57, №6, ноябрь – декабрь 1969 г., стр.104–113.
  82. ^ Лирическая абстракция, каталог выставки, Музей современного искусства Олдрича, Риджфилд, штат Коннектикут. 1970.
  83. ^ а б Movers and Shakers, Нью-Йорк, "Покидая C&M", Сара Дуглас, Искусство и аукцион, март 2007, V.XXXNo7.
  84. ^ Мартин, Энн Рэй и Ховард Юнкер. "Новое искусство: путь, выход", Newsweek 29 июля 1968: стр. 3,55–63.
  85. ^ Музей современного искусства Олдрича, Лирическая абстракция, выставка: 5 апреля - 7 июня 1970 г.
  86. ^ Лирическая абстракция Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, 25 мая - 6 июля 1971 г.
  87. ^ "Цветоскоп: Абстрактная живопись 1960–1979". Архивировано из оригинал 3 июля 2010 г.. Получено 30 ноября 2010.
  88. ^ «Художественные термины». Тейт.
  89. ^ Хатке, Джордж (2013). Аксум и Нубия: война, торговля и политические вымыслы в древней Северо-Восточной Африке. Библиотеки Нью-Йоркского университета: Цифровая библиотека древнего мира. По состоянию на 12 мая 2018 г.
  90. ^ Бойвин, Н. и Фуллер, Д. К. (2009). «Ракушечные кучи, корабли и семена: изучение прибрежных источников существования, морской торговли и распространения одомашненных на Аравийском полуострове и вокруг него». Журнал мировой предыстории 22: 113–80 [стр. 140].
  91. ^ Надиг, Питер К. (3 апреля 2009 г.) [16 января 2003 г.]. "Дерек А. Уэлсби, Средневековые королевства Нубии. Язычники, христиане и мусульмане Среднего Нила. Лондон: Издательство Британского музея, 2002. " Обзор классической музыки Брин Маура. По состоянию на 12 мая 2018 г.
  92. ^ «Христианское эфиопское искусство». Smarthistory. 22 декабря 2016 г.. Получено 27 июля 2017.
  93. ^ а б Тефери, Давит (2015) [1995], «Краткая история эфиопского церковного искусства», в Бриггсе, Филиппе (ред.), Эфиопия, Chalfont St Peter: Bradt Travel Guides, стр. 242, ISBN  978-1-84162-922-3.
  94. ^ Де Лоренци, Джеймс (2015), Хранители традиции: историки и писатели-историки Эфиопии и Эритреи, Рочестер: Университет Рочестера Press, стр. 15–16, ISBN  978-1-58046-519-9.
  95. ^ Мюррелл, Дениз. «Африканские влияния в современном искусстве», Метрополитен-музей, Апрель 2008 г. Проверено 31 января 2013 г.
  96. ^ Джонсон, Авиньонские красавицы Пикассо и Театр абсурда. 102–113
  97. ^ Ричардсон, Дж. Апокалиптический бордель Пикассо. 40–47
  98. ^ Релиз: Tête - Amedeo Modigliani. Пресс-релиз, Christie's Paris. 26 мая 2010 г. По состоянию на 20 октября 2011 г.
  99. ^ Матисс, возможно, купил это произведение в магазине незападных произведений Эмиля Хейменна в Париже, см. PabloPicasso.org.
  100. ^ Миллер, Артур И. (2001). «Эйнштейн, Пикассо: пространство, время и красота, порождающая хаос». Нью-Йорк Таймс. Получено 10 июн 2010. Les Demoiselles содержит следы Сезанна, Эль Греко, Гогена и Энгра, среди прочих, с добавлением концептуальных аспектов примитивного искусства, должным образом представленного с помощью геометрии.

дальнейшее чтение

внешняя ссылка