История искусства - History of art

Эта статья посвящена обзору мировой истории искусства. Для академической дисциплины истории искусств см. История искусства.
Фрагмент картин пещер Ласко
История искусства
История искусства

В История искусства фокусируется на объектах, созданных людьми в визуальной форме для эстетический целей. Изобразительное искусство можно отнести к разнообразные способы, например, разделение изобразительное искусство из прикладного искусства; инклюзивное внимание к человеческому творчеству; или сосредоточиться на различных медиа, таких как архитектура, скульптура, картина, фильм, фотография, и графика. В последние годы технический прогресс привел к видео Изобразительное искусство, компьютерное искусство, исполнительское искусство, анимация, телевидение, и видеоигры.

Историю искусства часто рассказывают как хронологию шедевры создавались во время каждого цивилизация. Таким образом, это может быть оформлено как рассказ о высокая культура, воплощенный в Чудеса света. С другой стороны, просторечный художественные выражения также могут быть интегрированы в художественно-исторические повествования, называемые народное искусство или же ремесло. Чем больше искусствовед занимается этими последними формами низкая культура, тем больше вероятность того, что они сочтут свою работу проверяющей визуальная культура или же материальная культура, или как вклад в области, связанные с историей искусства, такие как антропология или же археология. В последнем случае арт-объекты могут называться археологические артефакты.

Предыстория

Основная статья: Доисторическое искусство
Этот человек прямоходящий ракушка с геометрическими насечками считается первым известным произведением искусства; около 500000 лет назад; Из Тринил (Ява ); Центр биоразнообразия Naturalis (Нидерланды )[1][2]
Резьба лошади со следами охра картина; 40 000–18 500 лет назад; от Пещера Хаоним, Левантийский ориньяк; Музей Израиля (Иерусалим ).[3][4][5][6] Это может быть одно из самых ранних известных проявлений человеческого искусства вместе с кусочки охры из Пещера Бломбос в Южная Африка, до излияния париетальное искусство в Европе.[7][8]

Гравированные ракушки, созданные человек прямоходящий были найдены еще 500000 лет назад, хотя эксперты расходятся во мнениях относительно того, можно ли эти гравюры должным образом классифицировать как «искусство».[1][2] Ряд претензий Неандерталец искусство, украшения и структуры, датируемые примерно 130000 годом до настоящего времени, предполагают, что неандертальцы, возможно, были способны символическая мысль,[9][10] но ни одно из этих утверждений не является общепринятым.[11]

Палеолит

Основные статьи: Искусство верхнего палеолита и Список искусства каменного века

Старейшее безопасное человеческое искусство, которое было обнаружено, датируется Поздний каменный век вовремя Верхний палеолит, возможно, примерно с 70 000 г. до н.э.[8] но с уверенностью примерно с 40 000 лет до нашей эры, когда первые творческие работы были сделаны из ракушек, камня и красок. Homo sapiens, используя символическую мысль.[12] Вовремя Верхний палеолит (50 000–10 000 до н.э.), люди практиковали охота и собирательство и жил в пещеры, куда наскальная живопись был развит.[13] Вовремя Период неолита (10 000–3 000 до н.э.), производство ремесла началось.

Появление творческих способностей в этих ранних обществах является примером эволюционного избирательного преимущества творческих личностей. Поскольку выживание не зависит от производства произведений искусства, люди, занимающиеся производством произведений искусства, продемонстрировали свою свободу действий по отношению к своей среде, поскольку у них было свободное время для творчества после того, как их основные обязанности, такие как охота и собирательство, были выполнены.[14] Эти предварительные художники были редкими и «очень одаренными» в своих общинах.[15] Они указали на прогресс в познании и понимании символизма.[16]

Однако самые ранние человеческие артефакты, свидетельствующие о мастерстве с художественной целью, являются предметом некоторых дискуссий. Понятно, что такое мастерство существовало около 40000 лет назад в Верхний палеолит эпохи, хотя вполне возможно, что она началась раньше.

Художественные проявления верхнего палеолита достигли своего апогея в 1969 г. Магдаленский период (± 15 000–8 000 до н. э.). Этот всплеск творческих излияний известен как «Верхнепалеолитическая революция» или «Творческий взрыв».[17] Сохранившееся искусство этого периода включает небольшие резные фигурки на камне или кости и наскальная живопись. Первые следы рукотворных объектов появились на юге Африка, то Западное Средиземноморье, Центральная и Восточная Европа (Адриатическое море ), Сибирь (Озеро Байкал ), Индии и Австралии. Эти первые следы обычно представляют собой обработанный камень (кремень, обсидиан ), дерево или кость инструменты. К краска в красный, оксид железа использовался. Цвет, узор и визуальное сходство были составляющими палеолитического искусства. Используемые образцы включали зигзаг, крест-накрест и параллельные линии.[18]

Наскальные рисунки были найдены в Франко-Кантабрийский регион. Есть картинки, которые Абстрактные а также картинки, которые натуралистический. Наскальные рисунки символически представляли деятельность, для которой требовались обученные участники - они использовались в качестве обучающих инструментов и демонстрируют повышенную потребность в общении и специализированных навыках у первых людей.[19] Животных рисовали в пещерах Альтамира, Trois Frères, Chauvet и Ласко. Скульптура представлен так называемым Фигурки Венеры, женские фигуры, которые, возможно, использовались в культы плодородия, такой как Венера Виллендорфская. [20] Существует теория, что эти фигурки могли быть сделаны женщинами как выражение их собственного тела.[21] Другими репрезентативными произведениями этого периода являются Человек из Брно[22] и Венера Брассемпуи.[23]

Функция палеолитического искусства была магической, использовавшейся в ритуалах. Художники палеолита были особыми людьми, уважаемыми в обществе, потому что их произведения искусства были связаны с религиозными верованиями. Таким образом, артефакты были символами определенных божеств или духов.[24]

Мезолит

Основная статья: Мезолит
В Любители Айн Сахри; около 9000 г. до н.э. (поздний Эпипалеолит Ближнего Востока ); кальцит; высота: 10,2 см, ширина: 6,3 см; от Айн-Сахри (около Вифлеем, Израиль ); британский музей (Лондон)

В археологии Старого Света мезолит (Греческий: μέσος, мезо "середина"; λίθος, литос «камень») - период между Верхний палеолит и Неолит. Период, термин Эпипалеолит часто используется как синоним, особенно для внешнего Северная Европа, а за соответствующий период в Левант и Кавказ. Мезолит имеет разные временные рамки в разных частях Евразии. Это относится к завершающему периоду охотник-собиратель культур в Европе и Западной Азии, между концом Последний ледниковый максимум и Неолитическая революция. В Европе он охватывает примерно 15-5 тысяч лет до нашей эры, в Юго-Западной Азии ( Эпипалеолит Ближнего Востока ) примерно от 20 000 до 8 000 до н.э. Термин реже используется в районах дальше на восток, а не за пределами Евразии и Северной Африки.

Неолит

Основная статья: Неолит

Период неолита начался около 10 000 лет до нашей эры. В наскальное искусство Иберийского Средиземноморского бассейна - датированный периодом между эпохами мезолита и неолита - содержал небольшие схематические изображения человеческих фигур с примечательными примерами в Эль Когул, Валлорта, Альпера и Минатеда.

Неолитическая живопись похожа на картины, найденные в Северной Африке (Атлас, Сахара) и в районе современной Зимбабве. Неолитическая живопись зачастую схематична, выполнена базовыми мазками (мужчины в виде Пересекать и женщины в треугольный форма). Есть также наскальные рисунки в Река Пинтурас в Аргентина, особенно Куэва-де-лас-Манос. В портативное искусство, стиль называется Кардиум керамика изготовлен, украшен оттисками ракушки. В искусстве использовались новые материалы, такие как Янтарь, кристалл, и Джаспер. В этот период появились первые следы градостроительства, такие как останки в Скажи ас-Султан (Иерихон ), Ярмо (Ирак ) и Atalhöyük (Анатолия ).[26] В Юго-Восточной Европе появилось много культур, таких как Кукутеньско-трипольская культура (из Румыния, Молдова и Украина ), а Хамангия культура (из Румыния и Болгария ). Другими регионами со многими культурами являются Китай, наиболее примечательным из которых является Яншао культура и Культура Луншань; и Египет, с Бадарян, то Naqada I, II и III культур.

Распространенные материалы неолитических скульптур из Анатолия, слоновая кость, камень, глина и кость. Многие из них антропоморфный, особенно женского пола, зооморфный одни редки. Женские фигурки бывают и толстыми, и стройными. И зооморфные, и антропоморфные резные фигурки были обнаружены в Сибирь, Афганистан, Пакистан и Китай.[27]

Металлический век

Основная статья: Металлический век
Солнечная колесница Трундхольма; c. 1400 г. до н.э .; бронза; высота: 35 см (14 дюймов), ширина: 54 см (21 дюйм); Национальный музей Дании (Копенгаген )

Последняя доисторическая фаза - эпоха металла (или Трехвозрастная система ), во время которого использование медь, бронза и утюг преобразовал древние общества. Когда люди могли плавить и ковать, металлические орудия можно было использовать для изготовления новых инструментов, оружия и предметов искусства.

в Энеолит (Медный век), мегалиты появился. Примеры включают дольмен, менгир и английский кромлех, что видно в комплексах на Ньюгрейндж и Стоунхендж.[28] В Испании Los Millares культура, которая характеризовалась Стакан культуры, был сформирован. В Мальта, то храмовые комплексы состоит из Чагар Ким, Мнайдра, Tarxien и Gantija были построены. в Балеарские острова, были развиты известные мегалитические культуры с различными типами памятников: Навета, гробница в виде усеченного пирамида, с удлиненной погребальной камерой; то таула два больших камня, один поставленный вертикально, а другой горизонтально друг над другом; и талайот, башня с крытой камерой и ложным купол.[29]

в Железный век, культуры Гальштат (Австрия ) и La Tène (Швейцария ) возникла в Европе. Первый был разработан между 7 и 5 веками до нашей эры и отмечен некрополи с курганными гробницами и деревянной погребальной камерой в виде дома, часто в сопровождении четырехколесной телеги. Керамика была полихромный, с геометрический украшения и аппликации из металлических орнаментов. Ла-Тен был разработан между V и IV веками до нашей эры и более известен как ранний Кельтское искусство. Он произвел много железных предметов, таких как мечи и копья, которые не дожили до 2000-х годов из-за ржавчины.[нужна цитата ]

В Бронзовый век относится к периоду, когда бронза была лучшим доступным материалом. Бронза использовалась для украшенных щиты, фибулы, и другие предметы, с разными стадиями развития стиля. На оформление повлияли Греческий, Этрусский и Скифское искусство.[30]

Античность

Основная статья: Древнее искусство
Статуя Гудеа I, посвященный богу Нингишзида; 2120 г. до н.э. ( Неошумерский период); диорит; высота: 46 см, ширина: 33 см, глубина: 22,5 см; Лувр

В первый период письменной истории искусство совпало с письмо. Великие цивилизации Ближний Восток: Египет и Месопотамия возникла. Во всем мире именно в этот период у крупных рек появились первые крупные города: Нил, Тигр и Евфрат, Инд и Желтая река.

Одним из величайших достижений этого периода было письмо, которое возникло из традиции общения с помощью изображений. Первой формой письма были Символы Цзяху из Неолитический Китай, но первое правдивое письмо было клинопись, возникшие в Месопотамия c. 3500 г. до н.э., написано на глина таблетки. Он был основан на пиктографический и идеографический элементы, а позже Шумеры развитый слоги для письма, отражающего фонология и синтаксис из Шумерский язык. В Египте иероглифическое письмо был разработан с использованием изображений, появляющихся на таких произведениях искусства, как Палитра Нармер (3100 г. до н.э.). В Цивилизация долины Инда лепные печати с короткими текстами, украшенные изображениями животных и людей. Между тем Ольмеки вылепленный колоссальные головы и украсил другие скульптуры свои иероглифы. В те времена письменность была доступна только избранным.

Месопотамия

Основная статья: Месопотамское искусство

Месопотамское искусство был разработан в районе между Тигр и Евфрат Реки в современной Сирии и Ираке, где с 4-го тысячелетия до нашей эры существовало множество различных культур, таких как Шумер, Аккад, Аморит и Халдея. Месопотамская архитектура характеризовался использованием кирпичи, перемычки, и конус мозаика. Яркими примерами являются зиккураты, большой храмы в виде ступенчатые пирамиды. Гробница представляла собой камеру, покрытую ложным купол, как в некоторых примерах, найденных на Ура. Были также дворцы обнесенный стеной с террасой в виде зиккурата, где сады были важной особенностью. В Висячие сады Семирамиды был одним из Семь чудес древнего мира.

Облегчение скульптура была разработана в дерево и камень. Скульптура изображала религиозные, военные и охотничьи сцены, в том числе фигуры людей и животных. в Шумерский период, были изготовлены небольшие статуи людей. Эти статуи имели угловую форму и были изготовлены из цветного камня. У фигур обычно была лысина со сложенными на груди руками. в Аккадский период статуи изображали фигуры с длинными волосами и бородой, такие как стела из Нарам-Син. в Аморитский период (или же Неосумериец ), статуи изображали королей из Гудеа из Лагаш, с мантии и тюрбанами на головах и руками на груди. В течение Вавилонский правило, стела Хаммурапи было важно, поскольку он изображал великого царя Хаммурапи выше письменная копия введенных им законов. Ассирийская скульптура примечателен своим антропоморфизм крупного рогатого скота и крылатый джинн, который изображен в полете на многих рельефах, изображающих сцены войны и охоты, например, в Черный Обелиск из Шалманасар III.[31]

Египет

Основная статья: Древнеегипетское искусство

Одна из первых великих цивилизаций возникла в Египет, в котором были тщательно продуманные и сложные произведения искусства, созданные профессиональными художниками и мастерами. Искусство Египта было религиозным и символическим. Учитывая, что культура имела высокоцентрализованную структуру власти и иерархию, большое количество произведений искусства было создано, чтобы чтить фараон, в том числе великие памятники. Египетское искусство и культура подчеркивали религиозную концепцию бессмертия. Позднее египетское искусство включает Коптский и византийский Изобразительное искусство.

В архитектура характеризуется монументальными сооружениями, построенными из крупных каменных блоков, перемычек и прочных столбцы. Включены погребальные памятники мастаба, гробницы прямоугольной формы; пирамиды, в которую вошли ступенчатые пирамиды (Саккара ) или гладкие пирамиды (Гиза ); и гипогей, подземные гробницы (Долина королей ). Другими великими зданиями были храм, которые, как правило, были монументальными комплексами, которым предшествовал проспект сфинксы и обелиски. Храмы использовались пилоны и трапеция стены с гипаэтрос и гипостиль залы и святыни. Храмы Карнак, Луксор, Philae и Эдфу хорошие примеры. Другой тип храма - это скальный храм, в виде гипогей, нашел в Абу-Симбел и Дейр-эль-Бахари.

В живописи египетской эпохи использовалось сопоставление перекрывающихся плоскостей. Изображения были представлены иерархически, то есть фараон крупнее обычных предметов или врагов, изображенных рядом с ним. Египтяне рисовали контур головы и конечностей в профиль, а туловище, руки и глаза - спереди. Прикладного искусства были разработаны в Египте, в частности изделия из дерева и металлоконструкции. Есть прекрасные примеры, такие как кедр мебель инкрустированный с черное дерево и слоновая кость которые можно увидеть в гробницах на Египетский музей. Другие примеры включают части, найденные в Тутанхамон Могилы, которые представляют большую художественную ценность.[32]

Цивилизация долины Инда (Хараппан)

Основная статья: Цивилизация долины Инда § Искусство и ремесла
Смотрите также: Mehrgarh
В Танцовщица; 2400–1900 гг. До н. Э .; бронза; высота: 10,8 см (41⁄4 в.); Национальный музей (Нью-Дели, Индия)

Обнаружен намного позже современных цивилизаций Месопотамия и Египет, то Цивилизация долины Инда или цивилизация Хараппа (около 2400–1900 гг. до н.э.) теперь признан чрезвычайно развитым, во многом сопоставимым с этими культурами.

Различные скульптуры, печати, бронзовые сосуды. керамика, золотые украшения и анатомически детализированные фигурки в терракота, бронза, стеатит обнаружены на раскопках.[33]

Ряд золотых, терракотовых и каменных фигурок девушек в танцевальных позах свидетельствует о наличии какой-то танцевальной формы. Эти терракотовые фигурки изображали коров, медведей, обезьян и собак. Животное, изображенное на большинстве тюленей на участках зрелого периода, четко не идентифицировано. Наполовину бык, наполовину зебра с величественным рогом, это было источником предположений. Пока нет достаточных доказательств для обоснования утверждений о том, что изображение имело религиозное или культовое значение, но преобладание изображения поднимает вопрос о том, являются ли животные на изображениях цивилизации религиозными символами.[34]

Реалистичные статуэтки были найдены на территории цивилизации долины Инда. Одна из них - знаменитая бронзовая статуэтка стройного Танцовщица украшенный браслетами, найденный в Мохенджо-Даро. Две другие реалистичные статуэтки были найдены в Хараппа в надлежащих слоистых раскопках, которые показывают почтиКлассический лечение человеческого облика: статуэтка танцора который кажется мужчиной, и мужской торс из красной яшмы, оба сейчас в Национальном музее Дели. Археолог Сэр Джон Маршалл с удивлением отреагировал, когда увидел эти две статуэтки из Хараппы:[35]

Когда я впервые увидел их, мне было трудно поверить, что они были доисторическими; они, казалось, полностью опровергли все устоявшиеся представления о раннем искусстве и культуре. Подобное моделирование было неизвестно в древнем мире вплоть до эллинистической эпохи Греции, и поэтому я подумал, что определенно должна была быть сделана некоторая ошибка; что эти фигуры попали на уровни примерно на 3000 лет старше тех, к которым они принадлежали ... Теперь, в этих статуэтках, именно анатомическая истина поражает; Это заставляет нас задаться вопросом, могли ли скульпторы далекой эпохи на берегах Инда предвосхитить греческое искусство в этом важнейшем деле.[35]

Эти статуэтки остаются спорными из-за их передовой техники. Что касается туловища из красной яшмы, первооткрыватель, Чаны, утверждает, что это дата Хараппа, но Маршалл счел эту статуэтку, вероятно, исторической, датируемой Гупта период, сравнивая его с гораздо более поздним Торс лоханипура.[36][37] Вторая довольно похожая статуэтка танцующего мужчины из серого камня была также найдена примерно в 150 метрах от безопасного слоя зрелого хараппа. В целом антрополог Грегори Поссель склонен считать, что эти статуэтки, вероятно, являются вершиной искусства Инда в период зрелого Хараппа.[36]

В Мохенджо-Даро были найдены печати, изображающие фигуру, стоящую на голове, и еще одну, сидящую, скрестив ноги, в том, что некоторые называют йога -подобная поза, такая как так называемая Пашупати. Эта фигура была идентифицирована по-разному. Сэр Джон Маршалл определил сходство с индуистским богом, Шива.[38] Если это будет подтверждено, это будет свидетельством того, что некоторые аспекты индуизма предшествуют самым ранним текстам, Веда.[нужна цитата ]

Древний Китай

Основные статьи: Китайское искусство § Бронзовое литье, Китайские ритуальные изделия из бронзы, и Sanxingdui
Дальнейшая информация: Династия Шан и Династия Чжоу

Вовремя Китайский бронзовый век (в Шан и Чжоу династий) придворные ходатайства и общение с духовным миром проводил шаман (возможно, сам король). в Династия Шан (ок. 1600–1050 до н.э.) верховным божеством было Шангди, но аристократические семьи предпочитали контактировать с духами своих предков. Они приготовили для них изысканные обеды и напитки, подогрели и подали в бронзовые ритуальные сосуды. Бронзовые сосуды использовались в религиозных ритуалах, чтобы укрепить авторитет Дханга, и когда столица Шан пала примерно в 1050 г. до н.э., его завоеватели, Чжоу (ок. 1050–156 до н. Э.), Продолжали использовать эти сосуды в религиозных ритуалах, но в основном для еды. а не пить. Суд Шан был обвинен в чрезмерном пьянстве, а Чжоу - в пропаганде имперского Тиан («Небеса») как первостепенная духовная сила, а не предки, ограничили вино в религиозных обрядах в пользу еды. Использование ритуальных бронз продолжалось в ранний Династия Хан (206 г. до н.э. – 220 г. н.э.).

Одним из наиболее часто используемых мотивов был красотка, стилизованное лицо, разделенное по центру на две почти зеркальные половины, с ноздрями, глазами, бровями, челюстями, щеками и рогами, окруженными резными узорами. Ли красотка изображенные реальные, мифологические или полностью вымышленные существа не могут быть определены.

Загадочная бронза Sanxingdui, возле Гуанхан (в Провинция Сычуань ), являются свидетельством таинственной религиозной системы жертвоприношений, не похожей ни на что другое в древний Китай и сильно отличается от искусства современного Шан на Аньян. Раскопки в Саньсиндуй с 1986 года выявили 4 ямы, содержащие артефакты бронза, нефрит и золото. Там была найдена большая бронзовая статуя человеческой фигуры, стоящая на постаменте, украшенном абстрактными головами слона. Помимо стоящей фигуры, первые 2 ямы содержали более 50 бронзовых голов, некоторые в головных уборах и 3 с фронтальным покрытием сусальное золото.

Греческий

Основная статья: Древнегреческое искусство

Даже в древности искусство Греции признавалось другими культурами как выдающееся. Латинский поэт Гораций, писать в возрасте Римский император Август (1 век до н.э. - 1 век нашей эры), как известно, отмечал, что, хотя и побеждена на поле битвы, «плененная Греция победила своего дикого завоевателя и принесла искусство в деревенский Рим». Сила греческого искусства заключается в том, что оно изображает человеческую фигуру и сосредотачивается на людях и антропоморфных богах как главных предметах. Вовремя Классический период (V-IV вв. До н.э.), реализм и идеализм были тонко сбалансированы. Для сравнения, работы более ранних геометрических (9-8 вв. До н.э.) и архаических (7-6 вв. До н.э.) эпох иногда кажутся примитивными, но у этих художников были разные цели: натуралистическое изображение не обязательно было их целью. Римское искусство Любитель собирал древнегреческие оригиналы, римские реплики греческого искусства или недавно созданные картины и скульптуры, выполненные в различных греческих стилях, таким образом сохраняя для потомков произведения искусства, которые иначе были бы утеряны. Настенные и панно, скульптуры и мозаики украшали общественные пространства и зажиточные частные дома. Греческие изображения также появлялись на римских украшениях, сосудах из золота, серебра, бронзы и терракоты и даже на оружии и торговых грузах. Поскольку эпоха Возрождения, искусство Древней Греции, переданное через Римская империя, послужили основой западного искусства.[39]

Доклассический

Дальнейшая информация: Кикладское искусство и Минойское искусство

Греческий и Этрусский художники опирались на художественные основы Египта, развивая искусство скульптуры, живописи, архитектуры и керамики. Греческое искусство началось как меньше и проще, чем египетское искусство, и влияние египетского искусства на греков началось на Кикладских островах между 3300 и 3200 годами до нашей эры. Кикладский статуи были простыми, без черт лица, кроме носа.

  • Арфистка, самый знаковый Кикладский произведение искусства; 2750-2200 до н.э .; мрамор; высота: 29,5 см; говорят, что из Керос (в Киклады ); Национальный археологический музей (Афины )

  • Женская кикладская фигурка; 2700–2600 гг. До н.э .; мрамор; высота: 37,1 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Камарес изделия кувшин с клювом; 1850–1675 гг. До н.э .; керамический; высота: 27 см; из Фест (Крит, Греция); Археологический музей Ираклиона (Греция)

  • В Маска Агамемнона, самый знаковый Микенский произведение искусства; 1675-1600 гг. До н.э .; золото; высота: 25 см, ширина: 27 см, вес: 169 г; Национальный археологический музей (Афины)

  • В Минойский фреска названа Бычья фреска; 1675-1460 гг. До н.э .; известковая штукатурка; высота: 0,8 м, ширина: 1 м; из дворца в Кносс (Крит); Археологический музей Ираклиона

  • Минойский богиня змей; 1460-1410 гг. До н.э. (из минойского нео-дворцового периода); фаянс; высота: 29,5 см; из Храмового хранилища в Кноссе; Археологический музей Ираклиона

  • Три микенские женские фигуры; 1400-1300 гг. До н.э .; терракота; рост: 10,8 см, 10,8 см и 10,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Микенское ожерелье; 1400-1050 гг. До н.э .; позолоченная терракота; диаметр розеток: 2,7 см, с вариациями около 0,1 см, длина кулона 3,7 см; Метрополитен-музей

Геометрический

После распада Микенское общество возник стиль греческого искусства, который ясно иллюстрирует разрыв в культуре и искусстве между Бронзовый век и последующий Железный век. В Протогеометрический (около 1050–900 до н.э.) и последующие Геометрический (примерно 900–700 гг. до н.э.) стили характеризуются абсолютной простотой декора, поскольку старые цветочные и морские мотивы были заменены абстрактными узорами. В новых стилях узор был строго применен к форме, каждый декоративный элемент подчинялся целому, но усиливал его. Поверхности были украшены треугольниками, линиями и полукругами и концентрическими кругами, сделанными с помощью множественной кисти, прикрепленной к циркулю. В меандр (греческий ключ) шаблон были популярны, как и шахматные доски, бриллианты, шевроны и звезды. Геометрические фигуры, нарисованные или вылепленные, соответствуют абстрактной эстетике. Несмотря на то, что они имеют узнаваемые формы, люди и животные состоят из комбинации кругов, треугольников и прямоугольников, а не из органических, реалистичных форм.[40]

Классический и эллинистический

Основные статьи: Классическая Греция и Эллинистическое искусство

Человеческая фигура оставалась самым значительным изображением в греческой скульптуре классического периода (V-IV вв. До н.э.). Художники стремились уравновесить идеализированную красоту тела и все более реалистичную анатомию, имитируя природу, точно передавая связки, мускулатуру и изгибы человеческого тела.[41]

Финикийский

Основная статья: Финикии § Искусство
В Фигурки Библоса, Финикийские статуэтки из Библ; 19–18 века до нашей эры; бронза, вероятно, позолоченная; Национальный музей Бейрута (Ливан)

Финикийскому искусству не хватает уникальных характеристик, которые могли бы отличить его от современников. Это связано с сильным влиянием зарубежных художественных культур: в первую очередь Египет, Греция и Ассирия. Финикийцы, которых учили на берегу Нил и Евфрат приобрели большой художественный опыт и, наконец, пришли к созданию собственного искусства, которое представляло собой смесь зарубежных моделей и перспектив.[43] В статье из Нью-Йорк Таймс опубликованное 5 января 1879 года, финикийское искусство описывалось следующим образом:

Он участвовал в трудах других людей и максимально использовал свое наследие. В Сфинкс Египта стал Азиатский, и его новая форма была пересажена на Ниневия с одной стороны, и с Грецией - с другой. Розетки и другие узоры Вавилонский цилиндры были введены в дело рук Финикии и переданы на Запад, в то время как герой древних Халдейский эпос стал первым Tyrian Мелькарт, а затем Геракл из Эллада.

Этрусский

Основные статьи: Этрусское искусство и Этрусская роспись ваз

Этрусское искусство был произведен Этрусская цивилизация в Центральная Италия между 9 и 2 веками до нашей эры. Примерно с 600 г. до н.э. на него сильно повлияли Греческое искусство, который был импортирован этрусками, но всегда сохранял отличительные черты. Особенно сильными в этой традиции были фигурные скульптуры из терракоты (особенно в натуральную величину на саркофаги или храмы), настенная живопись и металлообработка особенно в бронзе. Ювелирные изделия и гравированные драгоценные камни высокого качества.[44]

Этрусская скульптура из литой бронзы была известна и широко экспортировалась, но сохранилось относительно немного крупных экземпляров (материал был слишком ценным и был переработан позже). В отличие от терракоты и бронзы, этрусских скульптур из камня было относительно мало, несмотря на то, что этруски контролировали прекрасные источники мрамора, в том числе Каррарский мрамор, который, похоже, не использовался до римляне.

Подавляющее большинство уцелевших вещей происходило из гробниц, которые обычно были забиты саркофаги и погребальный инвентарь, и терракотовые фрагменты архитектурной скульптуры, большей частью вокруг храмов. Гробницы произвели все фреска настенные росписи, на которых изображены сцены застолий и сюжеты некоторых мифологических сюжетов.

Дак

Основная статья: Дакийское искусство
Смотрите также: Дакийские браслеты

Дакийское искусство это искусство, связанное с народами, известными как Даки или же Северные фракийцы (геты); Даки создали художественный стиль, в котором влияние Скифы и греков видно. Они были высококвалифицированными в обработке золота и серебра, а также в гончарном деле. Керамика была белой с красными украшениями с цветочными, геометрическими и стилизованными мотивами животных. Подобные украшения были выполнены из металла, особенно фигура лошади, которая была обычна на дакийских монетах.[45] Сегодня большая коллекция дачических шедевров находится в Национальный музей истории Румынии (Бухарест ), одним из самых известных является Шлем Coțofeneti.

Гето-даки жили на очень большой территории, простирающейся от Балканы на север Карпаты и из Черное море и река Тирас к Тиса простой, иногда даже Средний Дунай.[46] Между 15 и 12 веками культура даков-гетов находилась под влиянием бронзового века. Курчавый -Урнфилд воины.[47]

Доримский иберийский

Смотрите также: Иберийская скульптура

Доримское иберийское искусство относится к стилям, разработанным Иберы от Бронзовый век вверх к Римское завоевание. По этой причине его иногда называют «иберийским искусством».

Почти все дошедшие до нас произведения иберийской скульптуры заметно отражают Греческий и Финикийский влияния, и Ассирийский, Хеттов и Египтянин влияния, от которых они произошли; все же у них есть свой уникальный характер. В рамках этого сложного стилистического наследия отдельные работы могут быть помещены в спектр влияний - некоторые из них имеют более очевидное финикийское происхождение, а некоторые настолько похожи на греческие произведения, что они могли быть напрямую импортированы из этого региона. В целом степень влияния коррелирует с регионом происхождения произведения, и поэтому они классифицируются на группы на этом основании.

Хеттов

Основная статья: Хеттское искусство

Хеттское искусство было произведено Хеттская цивилизация в древности Анатолия, в наши дни индюк, а также простираясь на Сирия во втором тысячелетии до нашей эры, с девятнадцатого века до двенадцатого века до нашей эры. Этот период относится к анатолийским Бронзовый век. Для него характерна давняя традиция канонизированных образов и мотивов, перестраиваемых, но при этом узнаваемых, художниками, чтобы донести смысл до в значительной степени неграмотного населения:

Из-за ограниченного словаря фигуральных типов [и мотивов] изобретение хеттского художника обычно сводилось к объединению единиц и манипулированию ими для формирования более сложных композиций.[48]

Многие из этих повторяющихся изображений вращаются вокруг изображения Хеттские божества и ритуальные практики. Также преобладают сцены охоты в хеттских рельефах и изображениях животных. Большая часть искусства происходит из таких поселений, как Алаца Хёюк, или хеттская столица Хаттуса почти современный Boazkale. Ученые действительно испытывают трудности с датированием значительной части хеттского искусства, ссылаясь на тот факт, что там нет надписей, а большая часть найденного материала, особенно из мест захоронения, была перемещена с их первоначальных мест и распределена между музеями в девятнадцатом веке.

Бактриан

Основная статья: Bactria–Margiana Archaeological Complex § Art

В Bactria–Margiana Archaeological Complex (a.k.a. the Oxus civilisation) is the modern archaeological designation for a Бронзовый век цивилизация из Центральная Азия, датированный c. 2300–1700 BC, in present-day northern Афганистан, восточная Туркменистан, южный Узбекистан и западный Таджикистан, centred on the upper Амударья (Oxus River). Its sites were discovered and named by the Советский археолог Viktor Sarianidi (1976).[нужна цитата ] Monumental urban centers, palaces and cultic buildings were uncovered, notably at Gonur-depe in Turkmenistan.

BMAC materials have been found in the Цивилизация долины Инда, на Иранское плато, а в Персидский залив.[49] Finds within BMAC sites provide further evidence of trade and cultural contacts. They include an Эламит -type cylinder seal and a Хараппан seal stamped with an elephant and Indus script found at Gonur-depe.[50] Отношения между Altyn-Depe and the Indus Valley seems to have been particularly strong. Among the finds there were two Хараппан seals and ivory objects. The Harappan settlement of Шортугай in Northern Afghanistan on the banks of the Амударья probably served as a trading station.[51]

A famous type of Bactrian artworks are the "Bactrian princesses" (a.k.a. "Oxus ladies"). Wearing large stylized dresses with puffed sleeves, as well as headdresses that merge with the hair, they embody the ranking goddess, character of the central Asian mythology that plays a regulatory role, pacifying the untamed forces. These statuettes are made by combining and assembling materials of contrasting colors. The preferred materials are хлорит (or similar dark green stones), a whitish limestone or mottled алебастр or marine shells from the Индийский океан.[52] The different elements of body and costume were carved separately and joined, as in a puzzle, by tenon and mortices glue.

кельтская

Основная статья: Кельтское искусство

Celtic art is associated with the peoples known as Кельты; those who spoke the Кельтские языки in Europe from pre-history through to the modern period. It also refers to the art of ancient peoples whose language is uncertain, but have cultural and stylistic similarities with speakers of Celtic languages.

Celtic art is a difficult term to define, covering a huge expanse of time, geography and cultures. A case has been made for artistic continuity in Europe from the Бронзовый век, and indeed the preceding Neolithic age; however archaeologists generally use "Celtic" to refer to the culture of the Европейский железный век from around 1000 BC onwards, until the conquest by the Римская империя of most of the territory concerned, and art historians typically begin to talk about "Celtic art" only from the La Tène period (broadly 5th to 1st centuries BC) onwards.[53] Early Celtic art is another term used for this period, stretching in Britain to about 150 AD.[54] В Раннее Средневековье art of Britain and Ireland, which produced the Келлская книга and other masterpieces, and is what "Celtic art" evokes for much of the general public in the English-speaking world, is called Островное искусство в истории искусства. This is the best-known part, but not the whole of, the Celtic art of the Early Middle Ages, which also includes the Pictish art Шотландии.[55]

Ахемениды

Основная статья: Persian art § Achaemenids

Achaemenid art includes фриз reliefs, metalwork, decoration of palaces, glazed brick masonry, fine craftsmanship (masonry, carpentry, etc.), and gardening. Most survivals of court art are monumental sculpture, above all the рельефы, double animal-headed Persian column capitals and other sculptures of Персеполис.[56]

Although the Persians took artists, with their styles and techniques, from all corners of their empire, they produced not simply a combination of styles, but a synthesis of a new unique Persian style.[57] Кир Великий in fact had an extensive ancient Iranian heritage behind him; the rich Achaemenid gold work, which inscriptions suggest may have been a specialty of the Мидяне, was for instance in the tradition of earlier sites.

There are a number of very fine pieces of jewellery or inlay in precious metal, also mostly featuring animals, and the Сокровище Оксуса has a wide selection of types. Small pieces, typically in gold, were sewn to clothing by the elite, and a number of gold торс выжили.[56]

Рим

Основная статья: Римское искусство
В Maison Carrée в Ним (France), one of the best conserved Ancient Roman temples, photoed from two angles

Римское искусство is sometimes viewed as derived from Greek precedents, but also has its own distinguishing features. Roman sculpture is often less idealized than the Greek precedents, being very realistic. Roman architecture often used конкретный, and features such as the round арка и купол были изобретены. Luxury objects in metal-work, гравировка на драгоценном камне, ivory carvings, и стекло are sometimes considered in modern terms to be minor forms of Roman art,[58] although this would not necessarily have been the case for contemporaries.

Roman artwork was influenced by the nation-state's interaction with other people's, such as ancient Иудея. A major monument is the Arch of Titus, which was erected by the Emperor Тит. Scenes of Romans looting the Jewish храм в Иерусалиме are depicted in low-relief sculptures around the arch's perimeter.

Древнеримская керамика was not a luxury product, but a vast production of "fine wares" in terra sigillata were decorated with reliefs that reflected the latest taste, and provided a large group in society with stylish objects at what was evidently an affordable price. Римские монеты were an important means of propaganda, and have survived in enormous numbers.

Ольмек

Основная статья: Olmecs § Art

The olmecs were the earliest known major civilization in Мезоамерика following a progressive development in Soconusco. Olmec is the first to be elaborate as a pre-Columbian civilization of Mesoamerica (c. 1200–400 BC) and one that is thought to have set many of the fundamental patterns evinced by later American Indian cultures of Mexico and Central America, notably the Maya and the Aztec.

They lived in the tropical lowlands of south-central Mexico, in the present-day states of Веракрус и Табаско. It has been speculated that the Olmecs derive in part from neighboring Mokaya или же Mixe – Zoque. The Olmecs flourished during Мезоамерика с formative period, dating roughly from as early as 1500 BC to about 400 BC. Pre-Olmec cultures had flourished in the area since about 2500 BC, but by 1600–1500 BC, early Olmec culture had emerged, centered on the San Lorenzo Tenochtitlán участок недалеко от побережья на юго-востоке Веракруса.[59] They were the first Mesoamerican civilization, and laid many of the foundations for the civilizations that followed.

The Olmec culture was first defined as an art style, and this continues to be the hallmark of the culture.[60] Wrought in a large number of media – jade, clay, basalt, and greenstone among others – much Olmec art, such as Рестлер, is naturalistic. Other art expresses fantastic антропоморфный creatures, often highly stylized, using an iconography reflective of a religious meaning.[61] Общий мотивы include downturned mouths and a cleft head, both of which are seen in representations of were-jaguars.[60]

Ближневосточный

Доисламская Аравия

Основные статьи: Pre-Islamic Arabia § Art, и Ancient South Arabian art
Pre-Islamic Arabian art in the британский музей (Лондон)

Искусство Доисламская Аравия is related to that of neighbouring cultures. Доисламский Йемен produced stylized алебастр heads of great aesthetic and historic charm. Most of the pre-Islamic sculptures are made of алебастр.

Археология has revealed some early settled civilizations in Саудовская Аравия: the Дильмун civilization on the east of the Arabian Peninsula, Тамуд к северу от Hejaz, и Kindah kingdom and Al-Magar civilization in the central of Arabian Peninsula.The earliest known events in Arabian history are migrations from the peninsula into neighbouring areas.[62] In antiquity, the role of Южноаравийский societies such as Saba (Шева ) in the production and trade of aromatics not only brought such kingdoms wealth but also tied the Аравийский полуостров into trade networks, resulting in far-ranging artistic influences.

It seems probable that before around 4000 BC the Arabian climate was somewhat wetter than today, benefitting from a monsoon system that has since moved south.[нужна цитата ] During the late fourth millennium BC permanent settlements began to appear, and inhabitants adjusted to the emerging dryer conditions. In south-west Arabia (modern Йемен ) a moister climate supported several kingdoms during the second and first millennia BC. The most famos of these is Шева, the kingdom of the biblical Царица савская. These societies used a combination of trade in spices and the natural resources of the region, including aromatics such as frankincense and myrrh, to build wealthy kingdoms. Mārib, то Сабейский capital, was well positioned to tap into Mediterranean as well as Near Eastern trade, and in kingdoms to the east, in what is today Оман, trading links with Месопотамия, Персия and even India were possible. The area was never a part of the Ассирийский или же Персидские империи, и даже Вавилонский control of north-west Arabia seems to have been relatively short-lived. Later Roman attempts to control the region's lucrative trade foundered. This impenetrability to foreign armies doubtless augmented ancient rulers' bargaining power in the spice and incense trade.

Although subject to external influences, south Arabia retained characteristics particular to itself. The human figure is typically based on strong, square shapes, the fine modeling of detail contrasting with a stylized simplicity of form.

Исламский

Основная статья: Исламское искусство
Смотрите также: Арабески, Мукарнас, Исламские геометрические узоры, Вклад исламского мира в средневековую Европу, и Китайское влияние на исламскую керамику

Some branches of Islam forbid depictions of people and other sentient beings, as they may be misused as idols. Religious ideas are thus often represented through geometric designs and каллиграфия. However, there are many Islamic paintings which display religious themes and scenes of stories common among the three Abrahamic монотеистический faiths of ислам, христианство, и Иудаизм.

Влияние Китайская керамика has to be viewed in the broader context of the considerable importance of Chinese culture on Исламское искусство в целом.[63] В Изникская керамика (названный в честь Изник, a city from индюк ) is one of the best well-known types of Islamic pottery. Its famous combination between blue and white is a result of that Османский суд в Стамбул who greatly valued Chinese blue-and-white porcelain.

  • Manuscript page; 950–1000; paper, ink, gold, watercolours and leather; height: 55 cm, width: 38 cm; Al-Sabah Collection (Кувейт )

  • Box with a Куфический inscription on the lid offering wishes and the date; 966; carved ivory and engraved silver; Лувр

  • Brazier; second half of the 13th century; brass, cast, chased, inlaid with silver and black compound; height: 35.2 cm, width: 39.4 cm; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Mosque lamp; shortly after 1285; enameled and gilded glass; height: 26.4 cm; Метрополитен-музей

  • Михраб (prayer niche); 1354–1355; mosaic of polychrome-glazed cut tiles on stonepaste body, set into mortar; 343.1 × 288.7 cm, weight: 2041.2 kg; из Исфахан (Иран ); Метрополитен-музей

  • Персидская миниатюра из Mi'raj of the Prophet by Султан Мухаммед, showing Chinese-influenced clouds and angels; 1539–1543; gouache and ink on paper; height: 28.7 cm; Британская библиотека (Лондон)

  • Изник dish; 16th century; stonepaste, polychrome-painted under transparent glaze; height: 6 cm, diameter: 27.9 cm; Метрополитен-музей

  • Carpet; 17th century; cotton (warp and weft) and wool (pile), asymmetrically knotted pile; length: 247.65 cm, width: 142.87 cm; Метрополитен-музей

Siberian-Eskimo

Смотрите также: Old Bering Sea; Сибирский юпик; Коренные малочисленные народы Севера, Сибири и Дальнего Востока; Дальний Восток России; и Коренные народы Сибири
Юпик mask; 19 век; из Аляска; Musée du Quai Branly (Париж)

The art of the Eskimo people from Siberia is in the same style as the Инуитское искусство из Аляска and north Canada. This is because the Native Americans traveled through Siberia to Alaska, and later to the rest of the Americas.[нужна цитата ]

в Дальний Восток России, население Сибирь numbers just above 40 million people. As a result of the 17th-to-19th-century Русское завоевание Сибири и последующие population movements during the Soviet era, то demographics of Siberia today is dominated by native speakers of русский. There remain a considerable number of местный groups, between them accounting for below 10% of total Siberian population, which are also genetically related to Indigenous Peoples of the Americas.

Америка

Основные статьи: Доколумбовое искусство, Индейское искусство, и Painting in the Americas before Colonization
Kunz Axe; 1000–400 BC; жадеит; height: 31 cm (12​3⁄16 in.), width 16 cm (6​5⁄16 in.), 11 cm (4​5⁄16 in.); Американский музей естественной истории (Вашингтон, округ Колумбия ). The jade Kunz Axe, first described by Джордж Кунц in 1890. Although shaped like an axe head, with an edge along the bottom, it is unlikely that this artifact was used except in ritual settings. At a height of 28 cm (11 in), it is one of the largest jade objects ever found in Mesoamerica.[64]

The history of art in the Americas begins in доколумбовый times with Культуры коренных народов. Art historians have focused particularly closely on Мезоамерика during this early era, because a series of stratified cultures arose there that erected grand architecture and produced objects of fine workmanship that are comparable to the arts of Western Europe.

Доклассический

The art-making tradition of Mesoamerican people begins with the Ольмек around 1400 BC, during the Preclassic era. These people are best known for making colossal heads but also carved jade, erected monumental architecture, made small-scale sculpture, and designed mosaic floors. Two of the most well-studied sites artistically are San Lorenzo Tenochtitlán и Ла Вента. After the Olmec culture declined, the Цивилизация майя became prominent in the region. Sometimes a transitional Эпи-Ольмек period is described, which is a hybrid of Olmec and Maya. A particularly well-studied Epi-Olmec site is La Mojarra, which includes hieroglyphic carvings that have been partially deciphered.

Классический

Сапотек bat effigy; circa 50 BC; жадеит and shell; height: 28 cm; Национальный музей антропологии (Мехико )[65]

By the late pre-Classic era, beginning around 400 BC, the Olmec culture had declined but both Central Mexican and Maya peoples were thriving. Throughout much of the Classic period in Central Mexico, the city of Теотиуакан was thriving, as were Xochicalco и Эль Тажин. These sites boasted grand sculpture and architecture. Other Central Mexican peoples included the Mixtecs, то Сапотеки, and people in the Долина Оахаки. Maya art was at its height during the "Classic" period—a name that mirrors that of Classical European antiquity —and which began around 200 CE. Major Maya sites from this era include Copan, where numerous stelae were carved, and Киригуа where the largest stelae of Mesoamerica are located along with зооморфный altars. A complex система письма был разработан, и Иллюминированные рукописи майя были выпущены в большом количестве на бумаге из кора дерева. Многие сайты "рухнул" около 1000 г. н.э.

Постклассический

Во время Испанское завоевание Юкатана в 16-17 веках майя все еще были могущественны, но многие общины платили дань уважения Общество ацтеков. Последняя культура процветала, и в нее входили искусство такие как скульптура, живопись и мозаика из перьев. Пожалуй, самым известным произведением ацтекского искусства является календарь камень, который стал национальным символом государства Мексика. Вовремя Испанское завоевание Империи ацтеков, многие из этих художественных объектов были отправлены в Европу, где они были размещены в шкафы раритетов, а затем перераспределен в западные художественные музеи. Империя ацтеков базировалась в городе Теночтитлан который был в значительной степени разрушен в колониальную эпоху. То, что от него осталось, было похоронено под Мехико. Несколько построек, например, фундамент Темпло Майор с тех пор были обнаружены археологами, но находятся в плохом состоянии.

Искусство в Америке

Искусство в Америке с момента завоевания характеризуется смесью местных и иностранных традиций, в том числе европейских, африканских и азиатских поселенцев. После завоевания процветали многочисленные местные традиции. Например, Равнинные индейцы созданный квиллинг, вышивка бисером, зима имеет значение, бухгалтерская книга, и типис в эпоху до резервации, а затем ассимилировалась в мир модерна и современного искусства через такие институты, как Индийская школа Санта-Фе который побуждал студентов развивать уникальный индейский стиль. Многие картины этой школы, которые теперь называются «Студийный стиль», выставлялись в Музей искусств Филбрука во время его ежегодного индийского фестиваля, проводившегося с 1946 по 1979 год.

Ацтеков

Основная статья: Ацтеки § Искусство и культурная продукция
Кукурузное божество (Chicomecoatl ); 15 - начало 16 века; базальт; общие: 35,56 × 18,11 × 8,89 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

Возникнув из самых скромных групп кочевых «нецивилизованных» странников, ацтеки создали крупнейшую империю в истории Мезоамерики, просуществовавшую с 1427/1428 по 1521 год. Дань завоеванных государств предоставила экономические и художественные ресурсы для преобразования их столицы. Теночтитлан (0ld Мехико ) в одно из чудес света. Художники со всей Мезоамерики создавали потрясающие произведения искусства для своих новых мастеров, создавая изящные золотые предметы личного украшения и грозные скульптуры свирепых богов.

Ацтеки вошли в долину Мексики (территория современной Мехико ) в 1325 году и в течение столетия взял под свой контроль этот пышный регион, наполненный могущественными городами-государствами. Их сила была основана на непоколебимой вере в видение своего божества-покровителя. Уицилопочтли, бог войны и несравненная военная доблесть.

Грандиозность ацтекского государства отражалась в поведении знати и воинов, отличившихся в сражениях. Их тонко сотканная и богато украшенная одежда подчеркивалась переливающимися перьями тропических птиц и декоративными украшениями из золота, серебра, полудрагоценных камней и редких ракушек.

Искусство ацтеков может быть прямым и драматичным или тонким и деликатным, в зависимости от функции произведения. Лучшие изделия, от монументальных скульптур до масок и золотых украшений, демонстрируют выдающееся мастерство и эстетическую изысканность. Эта же изощренность характеризует ацтекскую поэзию, славившуюся своей лирической красотой и духовной глубиной. Праздники ацтеков не обходились без соревновательного обмена словесным мастерством между хорошо одетыми знатными гостями.

майя

Основная статья: Древнее искусство майя

Искусство древних майя относится к материальным искусствам Цивилизация майя, восточная и юго-восточная Мезоамериканец культура, сформировавшаяся в ходе поздних Доклассический период (500 г. до н.э. - 200 г. н.э.). Его величайший художественный расцвет пришелся на семь веков н. Э. Классический период (ок. 200–900 гг. н. э.). Затем искусство древних майя прошло длительную постклассическую фазу, прежде чем потрясения XVI века разрушили придворную культуру и положили конец художественной традиции майя. Существовало множество региональных стилей, которые не всегда совпадали с изменяющимися границами политик майя. Ольмеки, Теотиуакан и Тольтеки все оказали влияние на искусство майя. Традиционные формы искусства сохранились в основном в ткачестве и дизайне крестьянских домов.

В нефрит произведения искусства считаются одними из самых замечательных произведений искусства, которые оставили нам майя. Большинство найденных предметов относятся к Классический период, но все больше и больше артефактов, относящихся к Доклассический открываются. К самым ранним из них относятся простые бусы без украшений, найденные в захоронениях в Cuello (Белиз ), относящиеся к периоду между 1200 и 900 годами до нашей эры. В то время резка камня была уже очень развита среди Ольмеки, которые уже работали с нефритом еще до майя. В Мезоамерика, нефрит встречается исключительно как жадеит; нефрит другой разновидности, известной как нефрит, там не существует. Однако в этой области Мезоамерики «нефрит» - собирательный термин для ряда других зеленых или синих камней. Нефритовые предметы помещали в погребения, использовали в ритуалах и, конечно же, в качестве украшений. Помимо того, что они использовались для изготовления бус, которые часто нанизывали вместе, чтобы сделать богато украшенные подвески и ожерелья, они также использовались для катушек для ушей, браслетов для рук, голеней и ступней, ремней, грудных мышц (нагрудных украшений) и для украшения одежды и головных уборов. .

Искусство древних майя славится своей эстетической красотой и повествовательным содержанием. Из всех средств массовой информации, в которых работали художники майя, их картины на керамике являются одними из самых впечатляющих из-за их технической и эстетической изысканности. Эти сложные живописные сцены, сопровождаемые иероглифическими текстами, рассказывают об исторических событиях классического периода и раскрывают религиозную идеологию, на которой майя построили великую цивилизацию.

  • Сидящая курильница в форме короля; 4 век; керамический; высота: 80 см, ширина: 31,1 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Нефритовая мемориальная доска короля майя; 400-800 (классический период); высота: 14 см, ширина: 14 см; найдено в Теотиуакан; британский музей (Лондон)

  • Статуя связанного узника; 600-900 гг. Нашей эры; известняк; из Тонина (Мексика); Музей на набережной Бранли - Жак Ширак (Париж)

  • Портрет Кинич Джанааб Пакаля I; 615–683; лепнина; высота: 43 см; Национальный музей антропологии (Мехико)

  • Ваза в стиле кодекса с мифологической сценой; VII – VIII века; керамический; высота: 19 см, диаметр: 11,2 см; Метрополитен-музей

  • Сосуд с тронной сценой; конец VII – VIII вв .; керамический; 21,59 см; Метрополитен-музей

  • Одна из перемычек Йашчилана, на которой изображен ритуал кровопускания, совершенный королем Яшчилана и его женой, леди К'аб'ал Зук; 723–726; известняк; высота: 108 см, ширина: 78 см; британский музей

  • Рельеф, на котором Ай Чак Маакс представляет пленников правителю Ицамнаджу Б'аламу III Яшчилан; 22 августа 783 г .; известняк со следами пигмента; высота: 1,15 м; Художественный музей Кимбелла (Форт-Уэрт, Техас, США)

Коста-Рика и Панама

Долгое время считавшиеся заводью культуры и эстетического самовыражения, динамичные общества Центральной Америки теперь признаны надежными и новаторскими участниками искусства древней Америки. Люди доколумбовой эпохи Никарагуа, Коста-Рика и Панама разработали свои собственные отличительные стили, несмотря на то, что регион тысячелетиями был перекрестком дорог. Его народы не подвергались влиянию извне, а вместо этого создавали, принимали и адаптировали всевозможные идеи и технологии в соответствии со своими потребностями и темпераментом. Самобытные культурные традиции, религиозные верования и социально-политические системы региона отражены в уникальных произведениях искусства. Фундаментальным духовным принципом был шаманизм, центральный принцип которого гласил, что в состоянии транса, трансформировавшись в форму своего духовного спутника, человек может войти в сверхъестественное царство и обрести особую силу, чтобы влиять на мирские дела. Художники из Центральной Америки изобрели изобретательные способы изобразить эту трансформацию, объединив в одну фигуру человеческие и животные черты; то ягуар, змея и птичий рапорт (сокол, орел или гриф) были основными формами духа.

Колумбия

Дальнейшая информация: Муиска искусство

Золото - вечно блестящий металл статуса, богатства и власти - вдохновил испанцев на исследование земного шара и был важным атрибутом престижа, авторитета и религиозной идеологии среди народов Центральной Америки и Колумбии.

В Колумбии золото было важно из-за его связи с божественной силой солнца. Это было частью сложной идеологии универсальных бинарных противоположностей: мужской и женский, светлый и темный, земной и духовный миры. Золотые украшения для тела были отлиты в сложной форме, их иконография передавала социальную, политическую и духовную мощь через изображения могущественных шаманов-правителей, тотемов родословной и сверхъестественных духов-защитников.

  • Yotoco кулон в виде головы животного; I – VII века; золото; высота: 6,35 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Quimbaya емкость для извести; V – IX века; золото; высота: 23 c; Метрополитен-музей

  • Муиска мужская фигура (Тунджо ); X – середина XVI века; золото; высота: 14,9 см; Метрополитен-музей

  • Тайрона кулон; 10–16 века; золото; высота: 14 см; Метрополитен-музей

Андские регионы

Дальнейшая информация: Чавин культура § Искусство, Культура Паракас, Культура Наска, Культура моче § Материальная культура, Сиканская культура § Искусство и идеология, Тиуанако § Структуры, и Империя инков § Искусство и технологии

Древние цивилизации Перу и Боливия хранит уникальные художественные традиции, в том числе одну из самых эстетически впечатляющих традиций волоконного искусства в мире, которую можно увидеть на артефактах, от одежды до погребальных саван и архитектурных украшений. Истоки Андской цивилизации восходят к 3000 г. до н.э. Осваивая сложные природные условия, включая самую засушливую прибрежную пустыню в мире, пустынные, продуваемые ветрами высокогорья и грозные горы, жители Анд преуспели в сельском хозяйстве, морском рыболовстве и животноводстве. К 1800 г. до н.э. ритуальные и общественные здания, возведенные на массивных глинобитных платформах, преобладали в крупных поселениях, особенно в прибрежных долинах рек. Две из первых важных культур этой страны - это Чавин и Культура Паракас.

В Моче контролировали речные долины северного побережья, а Наска южных Перу господствовали в прибрежных пустынях и прилегающих горах, унаследовав технологические достижения - в сельском хозяйстве и архитектуре, - а также художественные традиции более ранних Паракас люди. Обе культуры процветали примерно в 100–800 годах нашей эры. Керамика моче - одна из самых разнообразных в мире. Использование технология пресс-форм очевидно. Это позволило бы массовое производство определенных форм. После упадка Моче в регионе Анд возникли две большие сосуществующие империи. На севере Вари (или Хуари) Империя. Вари известны своей каменной архитектурой и скульптурными достижениями, но наибольшим мастерством они занимались керамикой. Вари производил великолепные большие керамические изделия, многие из которых изображали изображения Посох Бог.

Чиму предшествовал простой керамический стиль, известный как Сикан (700–900 гг. Н.э.), который становился все более декоративным, пока в начале второго тысячелетия не стал узнаваемым как Чиму. Чиму создавали прекрасные портретные и декоративные работы из металла, особенно золота, но особенно серебра. Чиму также известны своей работой с перьями, изготовив множество эталонов и головных уборов из различных тропических перьев, которые были сделаны в виде запеканок и рыб, оба из которых были в почете у чиму.

Амазония и Караиббы

Тропический климат Карибских островов и тропических лесов Амазонки не благоприятствует сохранению артефактов, сделанных из дерева и других материалов. То, что сохранилось, показывает сложные общества, люди которых создавали искусство, богатое мифологическим и духовным смыслом.

В Тайно люди, оккупировавшие Карибские острова, когда прибыли испанцы, были земледельцами, чье общество было сосредоточено на потомственных вождях, называемых касики. В их городах были впечатляюще построенные церемониальные площади, на которых играли в мяч и проводились религиозные ритуалы, связывающие их культуру с культурой майя с древних времен. Полуостров Юкатан. Большая часть искусства таино была связана с шаманскими ритуалами и религией, включая ритуал, в котором шаман или касик входит в гипнотическое состояние, вдыхая галлюциногенные Cohoba пудра. Скульптуры, изображающие бога-творца Йокаху, часто изображают обнаженную мужскую фигуру в положение на корточках со слегка вогнутой тарелкой на макушке, чтобы удерживать Cohoba пудра. Другие фигуры (всегда мужчины) стоят прямо перед собой, демонстративная демонстрация их гениталий явно свидетельствует о важности фертильности. Целью этих ритуалов было общение с предками и духовным миром. Вожди и шаманы (часто один и тот же человек) иногда заступались за духовных существ со скульптурного стула или дух.

Между тем Культура Марахоара процветал на Остров Мараджо в устье река Амазонка, в Бразилии. Археологи нашли сложные керамика в своих раскопках на острове. Эти большие предметы тщательно расписаны и вырезаны изображениями растений и животных. Это стало первым свидетельством существования сложного общества на Мараджо. Доказательство того курган далее предполагает, что на этом острове возникли густонаселенные, сложные и сложные поселения, поскольку только такие поселения считались пригодными для таких масштабных проектов, как крупные земляные работы.[66] Керамика, которую они сделали, украшена абстрактными линиями и спиралями, что наводит на мысль, что они, вероятно, употребляли галлюциногенные растения. Культура Марахоара произвела множество видов сосудов, включая урны, кувшины, бутылки, чашки, миски, тарелки и тарелки.

США и Канада

Основные статьи: Керамика коренных народов Америки, Индейские украшения, и Индейская керамика
Дальнейшая информация: Кваквака'вакв искусство

Самый известный индейский художественный стиль из Соединенные Штаты и Канада один из Северо-западное побережье, известный своими тотемами и цветовыми сочетаниями.

Искусство Хайда, Тлинкит, Heiltsuk, Цимшян и другие более мелкие племена, живущие в прибрежных районах Штата Вашингтон, Орегон, и британская Колумбия, характеризуется чрезвычайно сложной стилистической лексикой, выраженной в основном в технике резьбы по дереву. Известные примеры включают тотемные столбы, маски трансформации, и каноэ. В дополнение к изделиям из дерева, двумерная живопись и украшения с гравировкой из серебра, золота и меди стали важными после контакта с европейцами.

В Восточные леса, или просто леса, культуры населяли регионы Северной Америки к востоку от Река Миссисипи по крайней мере, с 2500 г. до н.э. Хотя существовало много разных культур, между ними была обычная торговля, и у них была общая практика хоронить своих мертвецов в земляных холмах, что сохранило большую часть их искусства. Из-за этой черты культуры все вместе известны как Строители курганов.

  • Тотем кваквака'вакв в Оттава (Канада)

  • Моголлон чаша с геометрическим рисунком и вилорогом антилопа; 1000–1150; фаянсовая посуда; диаметр: 31,2 см, общий: 12,5 × 32 см; Кливлендский художественный музей (Огайо, НАС)

  • Кваквака'вакв фигура кита; 19 век; кедровое дерево, кожа, хлопковый шнур, гвозди и пигмент; 60 × 72,4 × 206 см; Бруклинский музей (Нью-Йорк)

  • Маска трансформации Thunderbird; 19 век; кедр, пигмент, кожа, гвозди и металлическая пластина; 121,9 × 180,3 × 38,1 см; Бруклинский музей

  • Модель каноэ с аксессуарами; до 1845 г .; береста, дерево, растительное волокно, птичье перо и шелк; высота: 6,4 см, ширина: 8,3 см, длина: 40,6 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Бандольерская сумка; 1880-е годы; шерстяные и хлопчатобумажные торговые ткани, шерстяная пряжа, стекло и металл; высота: 87,6 см, ширина: 30,5 см; Метрополитен-музей

  • Маска Komokwa; 1880–1890; дерево и пигмент; высота: 38,1 см, ширина: 30,5 см; Метрополитен-музей

  • Погремушка; начало 1900-х годов; дерево и пигмент; общие: 31,8 × 9,3 × 11,2 см; Кливлендский художественный музей (Огайо, НАС)

Инуиты

Основная статья: Инуитское искусство

Искусство инуитов относится к произведение искусства произведено Инуиты люди, то есть народы Арктики, ранее известные как Эскимосы, термин, который сейчас часто считается оскорбительным за пределами Аляска. Исторически их предпочтительной средой была моржовая кость, но с момента создания южных рынков инуитского искусства в 1945 году, отпечатки и фигурные работы, вырезанные из относительно мягкого камня, такие как мыльный камень, серпентинит, или же аргиллит также стали популярными. Цветовая гамма холодная, чаще всего встречаются: черный, коричневый, серый, белый и серо-голубой.

В Виннипегская картинная галерея имеет большую публичную коллекцию современного искусства инуитов.[67] В 2007 г. Музей инуитского искусства открыт в Торонто,[68] но закрылся из-за нехватки ресурсов в 2016 году.[69] Carvings Nunavut, принадлежащая Inuk Lori Idlout, открылась в 2008 году и выросла до самой большой частной коллекции в Нунавуте. Галерея, принадлежащая и управляемая инуитами, включает в себя широкий выбор произведений искусства инуитов, инвентарь которых насчитывает миллионы.[70]

Азиатское искусство

Основная статья: История восточного искусства

Восточная цивилизация широко включает Азию, а также сложную традицию создания искусства. Один подход к История восточного искусства делит поле по нациям, с акцентом на Индийское искусство, Китайское искусство, и Японское искусство. Из-за размеров континента можно ясно увидеть различие между Восточной Азией и Южной Азией в контексте искусства. В большей части Азии гончарное дело было распространенным видом искусства. Керамика часто украшается геометрическими узорами или абстрактными изображениями животных, людей или растений. Другими очень распространенными видами искусства были скульптура и живопись.

Центральная Азия

Искусство древней и средневековой Средней Азии отражает богатую историю этой обширной территории, где проживает огромное разнообразие народов, религий и образов жизни. Художественные остатки региона демонстрируют замечательное сочетание влияний, которое иллюстрирует мультикультурный характер центральноазиатского общества.

С конца второго тысячелетия до нашей эры и до недавнего времени луга Центральной Азии, простирающиеся от Каспийское море в центральный Китай и из юга России в северную Индию - были домом для мигрирующих пастухов, которые вели смешанную экономику на окраинах оседлых обществ. Доисторическое искусство «звериного стиля» этих кочевников-скотоводов не только демонстрирует их зооморфную мифологию и шаманские традиции, но и их гибкость в включении символов оседлого общества в их собственные произведения искусства.

Центральная Азия всегда была перекрестком культурного обмена, центром так называемого Шелковый путь - сложная система торговых путей, простирающихся от Китая до Средиземного моря. Уже в Бронзовый век (3-е и 2-е тысячелетия до нашей эры), растущие поселения составляли часть обширной торговой сети, связывающей Центральную Азию с Инд Долина, Месопотамия и Египет.[71]

Индийский

Основная статья: Индийское искусство

Рано Буддисты в Индии разработаны символы, связанные с Будда. Основные пережитки буддийского искусства начинаются в период после Маурьяны, в Северной Индии Кушанское искусство, то Греко-буддийское искусство из Гандхара и, наконец, «классический» период Гупта искусство. Большое количество скульптур сохранилось с некоторых ключевых мест, таких как Санчи, Bharhut и Амаравати, некоторые из которых остаются на месте, с другими в музеях Индии и всего мира. Ступы были окружены церемониальными оградами с четырьмя обильно вырезанными тораны или орнаментальные ворота, обращенные по сторонам света. Они выполнены из камня, но явно принимают формы, созданные из дерева. Они и стены самой ступы могут быть сильно украшены рельефами, в основном иллюстрирующими жизнь Будды. Постепенно вылеплялись фигуры в натуральную величину, сначала в глубоком рельефе, но затем отдельно стоящие.[73] Матхура искусство был самым важным центром в этом развитии, которое относилось как к индуистскому, так и к джайнскому искусству, а также к буддизму.[74] Фасады и интерьеры из камня Чайтья молельные залы и монастырские вихарас сохранились лучше, чем аналогичные отдельно стоящие конструкции в других местах, которые долгое время были в основном деревянными. Пещеры в Аджанта, Карле, Бхаджа и в других местах содержат ранние скульптуры, часто превосходящие по численности более поздние работы, такие как культовые фигуры Будды и бодхисаттвы, которые не встречаются по крайней мере до 100 года нашей эры.

Непальский, бутанский и тибетский

Основные статьи: Newa Art, Бутанское искусство, и Тибетское искусство

Более тысячи лет Тибетские художники сыграли ключевую роль в культурной жизни Тибета. От дизайна расписной мебели до сложных фресок в религиозных зданиях, их усилия пронизали практически все аспекты жизни на Земле. Тибетское плато. Подавляющее большинство сохранившихся произведений искусства, созданных до середины 20 века, посвящено изображению религиозных сюжетов, причем основными формами являются тханка, смута картины на ткани, Тибетские буддийские настенные росписи и маленькие статуи из бронзы, или большие из глины, лепнина или дерево. Они были заказаны религиозными учреждениями или благочестивыми людьми для использования в практике Тибетский буддизм и были изготовлены в больших мастерских монахами и мирскими художниками, которые в большинстве своем неизвестны.

Искусство Тибета можно изучать с точки зрения влияний, которые оказывали на него на протяжении столетий другие Китайский, Непальский, Индийский, и священный стили. Многие изделия из бронзы в Тибете предполагают Пала влияние, считается, что они были созданы индийскими скульпторами или привезены из Индии.[75]

Бутанское искусство похож на искусство Тибета. Оба основаны на Буддизм ваджраяны, с его пантеоном божественных существ. Основные направления буддизма в Бутане: Друкпа Кагью и Ньингма. Первый - это филиал Школа Кагью и известен картинами, документирующими родословную буддийских мастеров и 70-х гг. Дже Кхенпо (руководители бутанского монашеского истеблишмента). Орден Ньингма известен изображениями Падмасамбхава, которому приписывают распространение буддизма в Бутане в 7 веке. Согласно легенде, Падмасамбхава спрятал священные сокровища для будущих буддийских мастеров, особенно Пема Лингпа, найти. В искатели сокровищ (Tertön ) также часто встречаются в искусстве ньингма.

Китайский

Основная статья: Китайское искусство
Смотрите также: Китайское влияние на исламскую керамику и Китайская буддийская скульптура

В Восточной Азии живопись возникла из практики каллиграфии, а портреты и пейзажи писались на шелковой ткани. Большинство картин представляют собой пейзажи или портреты. Самые эффектные скульптуры - это ритуальные изделия из бронзы и бронзовые скульптуры из Sanxingdui. Очень известный пример китайского искусства - это Терракотовая армия, изображающие армии Цинь Ши Хуан, первый император Китая. Это форма погребальное искусство похоронен вместе с императором в 210–209 гг. до н.э., цель которого заключалась в защите императора в его загробной жизни.

Китайское искусство является одним из старейших непрерывных традиционных искусств в мире, и для него характерна необычайная степень преемственности и осознания этой традиции, которой не хватает эквивалента западному краху и постепенному возрождению классических стилей. СМИ, которые обычно засекречивались на Западе со времен эпоха Возрождения как декоративное искусство чрезвычайно важны в китайском искусстве, и большая часть лучших работ была произведена в больших мастерских или на фабриках практически неизвестными художниками, особенно в Китайская керамика. Ассортимент и качество товаров, которыми украшали китайские дворцы и дома, а также их жителей, поражают воображение. Материалы поступали со всего Китая и далеко за его пределы: золото и серебро, перламутр, слоновая кость и рог носорога, дерево и лак, нефрит и мыльный камень, шелк и бумага.

Японский

Основная статья: Японское искусство
Цветущая вишня и осенние клены с отрывками из стихотворений; к Тоса Мицуоки; 1654–1681; пара шестипанельных экранов: тушь, цвет, золото и серебро на шелке; высота: 144 см, ширина: 286 см; Художественный институт Чикаго (Чикаго, НАС)

Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и медиа, в том числе древняя керамика, скульптура, живопись тушью и каллиграфия на шелке и бумаге, укиё-э картины и гравюры на дереве, керамика, оригами, и совсем недавно манга - современный японский рисование и комиксы - наряду с множеством других типов.

Первые поселенцы Японии, Jōmon люди (ок. 11 000–300 до н. э.). Они создали богато украшенные сосуды для хранения керамики, глиняные фигурки под названием Dogū. Япония стала объектом внезапных нашествий новых идей, за которыми последовали длительные периоды минимальных контактов с внешним миром. Со временем японцы развили способность впитывать, подражать и, наконец, ассимилировать те элементы иностранной культуры, которые дополняли их эстетические предпочтения. Самое раннее сложное искусство в Японии было создано в 7-8 веках в связи с буддизм. В 9 веке, когда японцы начали отворачиваться от Китая и развивать местные формы самовыражения, светское искусство становилось все более важным; до конца 15 века процветало как религиозное, так и светское искусство. После Онинская война (1467–1477) Япония вступила в период политических, социальных и экономических потрясений, которые длились более века. В государстве, возникшем под руководством Сёгунат Токугава организованная религия играла гораздо менее важную роль в жизни людей, а сохранившиеся искусства были в основном светскими.

Корейский

Основная статья: Корейское искусство
Передний
Надпись
Королевский тюлень с набалдашником в виде черепахи; конец 16–17 вв .; литая бронза с позолотой; 6,98 × 15,24 × 15,24 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (Лос-Анджелес, НАС)

Корейское искусство включают традиции каллиграфии, музыки, живописи и гончарного дела, часто отмеченные использованием природных форм, отделки поверхностей и ярких цветов или звуков.

Самые ранние образцы корейского искусства состоят из Каменный век работы, датируемые 3000 годом до нашей эры. В основном они состоят из обетные скульптуры и совсем недавно петроглифы, которые были заново открыты. За этим ранним периодом последовали художественные стили различных корейских королевств и династий. Корейские художники иногда видоизменяются Китайские традиции с естественным предпочтением простой элегантности, непосредственности и признательности к чистоте природы.

В Корё Династия (918–1392 гг.) Была одним из самых плодотворных периодов для широкого круга дисциплин, особенно гончарного. Корейский арт-рынок сосредоточен в Insadong район Сеул где проходят выставки более 50 небольших галерей, а иногда и аукционы изобразительного искусства. Галереи создаются совместно, они небольшие и часто содержат тщательно продуманные и тщательно продуманные экспонаты. В каждом городе есть небольшие региональные галереи с местными художниками, показывающими традиционные и современные средства массовой информации. В художественных галереях обычно используются разные средства массовой информации. Попытки вывести западное концептуальное искусство на передний план обычно имели наибольший успех за пределами Кореи в Нью-Йорке, Сан-Франциско, Лондоне и Париже.

  • Статуя Майтрейи в медитации; 6-7 века; позолоченная бронза; высота: 83,2 см; Национальный музей Кореи (Сеул )

  • Водяная луна Квансеумам; начало 14 века; развешивание свитка, туши и красок на шелке; 1,14 × 0,55 м; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

  • Семья тигров; 17-го века; бумага, тушь и цвет; высота: 584,20 мм, ширина: 371,47 мм; Денверский художественный музей (Денвер, Колорадо, НАС)

  • Будда Сокгамони (Шакьямуни) проповедует собранию на вершине стервятника; 1755; без оправы, тушь и цвет на шелке; примерно 335,28 × 406,4 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес

Юго восточный азиат

Дальнейшая информация: Вьетнамское искусство, Тайское искусство, Камбоджийское искусство, Кхмерская скульптура, Индонезийское искусство, и Искусство на Филиппинах
Смотрите также: Кхмерский театр теней
Прамбанан панель; начало 9 века; вулканический камень; высота: около 23 см. Эта панель украшает Candi Loro Jonggrang, или Храм Стройной Девы, главный памятник храмового комплекса Прамбанан в Центральной Ява (Индонезия ). Здесь находится статуя Дурга, супруга Шива в ее жестоком аспекте

Искусство Юго-Восточной Азии, региона, простирающегося от Бирма (он же Мьянма) и индонезийский остров Суматра на западе в Папуа - Новая Гвинея и Филиппины на востоке, необычайно богат и разнообразен, во многом благодаря культурному влиянию Индия это произошло с введением индуизм и буддизм в первые века нашей эры. Здесь живут популяции самого разного этнического происхождения, говорящие на сотнях разных языков и существующие на разных этапах культурной эволюции. За немногими исключениями, эти народы в течение своей долгой истории подвергались внешнему культурному влиянию различной интенсивности, начиная с Исламский мир, Китай и с Запада, а также из Индии. Большая часть искусства Юго-Восточной Азии носит религиозный характер. Проникновение индуистских и буддийских влияний из Индии было особенно глубоким в континентальных странах Индии. Бирма, Таиланд, Камбоджа и Лаос. Христианские влияния преобладают в Филиппины и Тимор-Лешти. Китайское влияние было более ограниченным, за исключением Вьетнам, который находился под китайской гегемонией со 2 века до нашей эры до десятого века нашей эры.

Ранние правители Юго-Восточной Азии строили государственные храмы, чтобы утвердить свою легитимность и материально выразить свою власть и власть. Они часто украшались рельефными скульптурами большой живости и оригинальности, которые, тем не менее, всегда соответствовали установленным иконографическим традициям изображения индуистских и буддийских тем.

Художники Юго-Восточной Азии издавна преуспели в фресковой живописи и росписи по лаку, особенно в буддийских странах материка и в индуизме. Бали. Фрески и вообще расписаны на внутренних стенах галерей, окружающих ограды храма, в то время как крашеный лак в основном наносится на деревянные предметы: панели, шкафы, сундуки, двери и ставни. Сюжет обеих форм живописи обычно ограничивается изображениями индуистских божеств; рассказы из индуистских эпосов, Рамаяна и Махабхарата; эпизоды из жизни исторического Будда и сказки его прошлых жизней (джатаки ); и другие индуистские и буддийские темы.

Африка

Основная статья: Африканское искусство
Дальнейшая информация: Искусство игбо, Yoruba art, Benin art, Kuba art, и Люба арт
African artworks exhibited in the Музей Ритберга из Цюрих (Швейцария ), in August 2011

African art includes both скульптура, typified by the brass castings of the Benin people, а также народное искусство. Concurrent with the European Middle Ages, in the eleventh century AD a nation that made grand architecture, gold sculpture, and intricate jewelry was founded in Великий Зимбабве. Impressive sculpture was concurrently being cast from brass by the Люди йоруба of what is now Nigeria. Such a culture grew and was ultimately transformed to become the Benin Kingdom, where elegant altar tusks, brass heads, plaques of brass, and palatial architecture was created. The Benin Kingdom was ended by the British in 1897, and little of the culture's art now remains in Nigeria. Today, the most significant arts venue in Africa is the Johannesburg Biennale.

Sub-Saharan Africa is characterized by a high density of cultures. Notable are the, Люди догонов из Мали; Эдо, Йоруба, Игбо people and the Nok civilization из Нигерия; Куба и Люба люди из Центральная Африка; Люди ашанти из Гана; Зулусский народ из Южная Африка; и Клыки людей из Экваториальная Гвинея (85%), Cameroon and Gabon; то Sao civilization people from Chad; Kwele people from eastern Gabon, Республика Конго and Cameroon.

The myriad forms of African art are components of some of the most vibrant and responsive artistic traditions in the world and are integral to the lives of African people. Created for specific purposes, artworks can reveal their ongoing importance through physical transformations that enhance both their appearance and their potency. Many traditional African art forms are created as conduits to the spirit world and change appearance as materials are added to enhance their beauty and potency. The more a work is used and blessed, the more abstract it becomes with the accretion of sacrificial matter and the wearing down of original details.

Океания

Основная статья: Искусство Океании
Смотрите также: Rongo-rongo

The Art of Oceania includes the geographic areas of Микронезия, Полинезия, Australia, New Zealand, and Меланезия. One approach treats the area thematically, with foci on происхождение, warfare, the body, gender, trade, religion, and туризм. Unfortunately, little ancient art survives from Oceania. Scholars believe that this is likely because artists used perishable materials, such as wood and feathers, which did not survive in the tropical climate, and there are no historical records to refer to most of this material. The understanding of Oceania's artistic cultures thus begins with the documentation of it by Westerners, such as Captain Джеймс Кук, в 18 веке. At the turn of the 20th century the French artist Поль Гоген spent significant amounts of time in Tahiti, living with local people and making modern art — a fact that has become intertwined with Tahitian visual culture to the present day.[нужна цитата ] The indigenous art of Australia often looks like abstract modern art, but it has deep roots in local culture.

Искусство Океания is the last great tradition of art to be appreciated by the world at large. Despite being one of the longest continuous traditions of art in the world, dating back at least fifty millennia, it remained relatively unknown until the second half of the 20th century.

The often ephemeral materials of Aboriginal art of Australia makes it difficult to determine the antiquity of the majority of the forms of art practised today. The most durable forms are the multitudes of rock engravings and rock paintings which are found across the continent. In the Arnhem Land escarpment, evidence suggests that paintings were being made fifty thousand years ago, antedating the Palaeolithic rock paintings of Альтамира & Ласко в Европе.

Европейский

Основная статья: Искусство Европы

Средневековый

Основная статья: Средневековое искусство

With the decline of the Римская империя, то Средневековая эпоха began, lasting for a millennium. Early Christian art begins the period, followed by Византийское искусство, Англосаксонское искусство, Искусство викингов, Оттонское искусство, Романское искусство и Готическое искусство, с Исламское искусство dominating the eastern Mediterranean.

In Byzantine and Готика art of the Средний возраст, the dominance of the church resulted in a large amount of religious art. There was extensive use of gold in paintings, which presented figures in simplified forms.

византийский

Основная статья: Византийское искусство
Two pages of the Gospel Book with Commentaries: Portrait of Mark; 1000–1100; ink, темпера, золото, пергамент and leather binding; sheet: 28 × 23 cm; Кливлендский художественный музей (Кливленд, Огайо, НАС)
Byzantine collier; late 6th–7th century; gold, an изумруд, а sapphire, amethysts и жемчуг; diameter: 23 cm; из Константинополь мастерская; Antikensammlung Берлин (Берлин, Germany)

Byzantine art refers to the body of Christian Greek artistic products of the Восточно-римский (Byzantine) Empire,[81] as well as the nations and states that inherited culturally from the empire. Though the empire itself emerged from Rome's decline and lasted until the Падение Константинополя в 1453 г.,[82] the start date of the Byzantine period is rather clearer in art history than in political history, if still imprecise. Много Восточно-православный states in Eastern Europe, as well as to some degree the Мусульманин states of the eastern Средиземноморье, preserved many aspects of the empire's culture and art for centuries afterward.

Иконки (от Греческий εἰκών eikōn "image", "resemblance") are the most important visual elements in Byzantine religious practice, central to Orthodox worship since the end of Иконоборчество in the ninth century. Consistent in their format in order to preserve a sense of portraiture and the familiarity of favoured images, they have nevertheless transformed over time. An unusual characteristic of Byzantine art are the golden backgronds. Clear glass was often backed with gold leafs to create a rich, shimmering effect.

Carried by patriarchs in Eastern processions, read by monks in secluded caves and held by emperors at important ceremonies, sacred books, often beautifully illustrated, were central to Byzantine belief and ritual. Few manuscripts seem to have been produced in the Early Byzantine period between the sixth and eighth centuries CE, but there was a flourishing of painted books in the ninth century, following the end of Iconoclasm.

Jewelry, worn by men, women and children, was a clear indication of rank and wealth in Byzantine society. Styles varied from bold, heavy goldwork with striking large cabochon stones to extraordinarily delicate gold filigree and granulation. Ornament ranged from decorative patterning to floral and animal motifs to complex Christian iconography. Often jewellery was attached to ceremonial dress that did not often require cleaning. A popular technique from the 3rd to 7th centuries was opus interrasile или же diatrita, in which fine thin sheets of gold were pierced, creating a lace-like effect that is both beautiful and economical, as it reduces the weight of gold used. By the 5th century, stimulated by trade with the East, colored precious and semi-precious stones, polished rather than cut, were incorporated. Decorative designs were picked out in gold priced work, highlighted in dark чернь (a silver sulphide that contrasted to gold and silver) or, from the 9th century, depicted in эмаль.[83]

Англосаксонский

Основная статья: Англосаксонское искусство

Anglo-Saxon art covers art produced within the Англосаксонский period of English history, beginning with the Период миграции style that the Anglo-Saxons brought with them from the continent in the 5th century, and ending in 1066 with the Норман Конквест of a large Anglo-Saxon nation-state whose sophisticated art was influential in much of northern Europe. The two periods of outstanding achievement were the 7th and 8th centuries, with the metalwork and jewellery from Саттон Ху and a series of magnificent illuminated manuscripts, and the final period after about 950, when there was a revival of English culture after the end of the Викинг вторжения. By the time of the Conquest the move to the Романский style is nearly complete. The important artistic centres, in so far as these can be established, were concentrated in the extremities of England, in Нортумбрия, especially in the early period, and Уэссекс и Кент недалеко от южного побережья.

Оттонский

Основная статья: Оттонское искусство

Ottonian art is a стиль в pre-romanesque Немецкое искусство, covering also some works from the Низкие страны, northern Italy and eastern France. It was named by the art historian Hubert Janitschek после Оттонская династия which ruled Germany and northern Italy between 919 and 1024 under the kings Генрих I, Otto I, Отто II, Отто III и Генрих II.[84] С Оттонская архитектура, it is a key component of the Оттонский ренессанс (c. 951–1024). However, the style neither began nor ended to neatly coincide with the rule of the dynasty. It emerged some decades into their rule and persisted past the Ottonian emperors into the reigns of the early Salian dynasty, which lacks an artistic "style label" of its own.[85] In the traditional scheme of art history, Ottonian art follows Каролингское искусство и предшествует Романское искусство, though the transitions at both ends of the period are gradual rather than sudden. Like the former and unlike the latter, it was very largely a style restricted to a few of the small cities of the period, and important монастыри, as well as the court circles of the emperor and his leading вассалы.

Искусство викингов

Основная статья: Искусство викингов

Viking art, also known commonly as Norse art, is a term widely accepted for the Изобразительное искусство из Скандинавский Скандинавы и Викинг settlements further afield—particularly in the Британские острова и Исландия -вовремя Эпоха викингов of the 8th–11th centuries CE. Viking art has many design elements in common with кельтская, Германский, позже Романский and Eastern European art, sharing many influences with each of these traditions.[86]

Романский

Основная статья: Романское искусство
Весь гобелен Байе
The entire Bayeux Tapestry. Individual images of each scene are at Bayeux Tapestry tituli. (Swipe left or right.)

В Романский was the first pan-European style to emerge after the Римская империя, spanning the mid-tenth century to the thirteenth. The period saw a resurgence of monumental stone structures with complex structural programmes.

Романский churches are characterized by rigid articulation and geometric clarity, incorporated into a unified volumetric whole. The architecture is austere but enlivened by decorative sculpting of capitals and portals, as well as frescoed interiors. Geometric and foliate patterning gives way to increasingly three-dimensional figurative sculpture.

From the mid-eleventh to the early thirteenth centuries, Romanesque paintings were two-dimensional, defined by bold, linear outlines and geometry, particularly in the handling of drapery; symmetry and frontality were emphasised. Virtually all Western churches were painted, but probably only a few wall painters were monks; instead, itinerant artists carried out most of this work. Basic blocking out was done on wet штукатурка with earth colours. A limited palette, dominated by white, red, yellow ochres and azure, was employed for maximum visual effect, with dense colouring forming a backdrop of bands, a practice that originated in late Classical art as an attempt to distinguish earth and sky.

During the later eleventh and twelfth centuries, the great age of Western monasticism, Europe experienced unprecedented economic, social and political change, leading to burgeoning wealth among landowners, including monasteries. There was increasing demand for books, and economic wealth allowed many manuscripts to be richly освещенный.

One of the outstanding artefacts of the age is the 70m long Гобелен из Байе.[87][88][89] It depicts the events leading up to the Нормандское завоевание Англии with protagonists Уильям, герцог Нормандии, и Harold, Earl of Wessex, later King of England, and culminating in the Битва при Гастингсе. It is thought to date from the 11th century. It tells the story from the point of view of the conquering Normans, but is now agreed to have been made in England most likely by women, although the designer is unknown. Он расположен в Франция.

Готика

Основная статья: Готическое искусство
В Wilton Diptych; 1395–1459; tempera and gold on panel; 53 × 37 cm; Национальная галерея (Лондон)

Gothic art developed in Northern France out of Romanesque in the 12th century AD, and led by the concurrent development of Готическая архитектура. It spread to all of западная Европа, и большая часть Южный и Центральная Европа, never quite effacing more classical styles in Italy. In the late 14th century, the sophisticated court style of Интернациональная готика developed, which continued to evolve until the late 15th century.

The imposing Gothic cathedrals, with their sculptural programmes and stained glass windows, epitomize the Gothic style.[90] It differs from Romanesque through its rib-shaped своды, и использование ogives. Instead of the thick Romanesque walls, Gothic buildings are thin and tall. Spiral stairs in towers are specific to Gothic architecture.[91]

Gothic painting, much of it executed in темпера and, later, oils on panel, as well as fresco, and with an increasingly broad palette of secondary colours, is generally seen as more 'naturalistic' than Romanesque. The humanity of religious narrative was highlighted, and the emotional state of the characters individualized.[92] The increased urbanity of the medieval economy and the rise of the clerical and lay patron saw a change in the nature of the art market, which can be seen in developments in Gothic освещение рукописи. Workshops employed specialists for different elements of the page, such as figures or marginal vine motifs.[93]

Русский и украинский

Основная статья: Культура Древней Руси

The architectural history of Russia is conditioned by Православный Eastern Europe: unlike the West, yet similarly, if tenuously, linked with the traditions of classical antiquity (through Византия ). It has experienced from time to time westernising movements that culminated in the comprehensive reforms of Петр Великий (around 1700). From prehistoric times the material of vernacular Russian architecture was wood. Byzantine churches и architecture of Kievan Rus were characterized by broader, flatter domes without a special framework erected above the drum. In contrast to this ancient form, each drum of a Russian church is surmounted by a special structure of metal or timber, which is lined with sheet iron or tiles. Russian architecture used the dome shape not only for churches but also for other buildings. Некоторые характеристики, взятые из славянских языческих храмов, - это внешние галереи и множество башен.

The use and making of icons entered Киевская Русь following its conversion to Orthodox Christianity from the Eastern Roman (византийский ) Empire in 988 CE. As a general rule, these icons strictly followed models and formulas hallowed by usage, some of which had originated in Constantinople. As time passed, the Russians—notably Андрей Рублев и Дионисий —widened the vocabulary of iconic types and styles far beyond anything found elsewhere. The personal, improvisatory and creative traditions of Western European religious art are largely lacking in Russia before the seventeenth century, when Simon Ushakov 's painting became strongly influenced by religious paintings and engravings from Protestant as well as Catholic Europe.

эпоха Возрождения

Основная статья: Искусство эпохи Возрождения
Рождение Венеры; к Сандро Боттичелли; 1484–1485; темпера на панно; высота: 172,5 см, длина: 278,5 см; Галерея Уффици (Флоренция, Италия)

Начиная с 13 века, Италия переживает период большого художественного расцвета. Трудно, если не бесполезно, определить единый стимул для произошедших изменений, но этому способствовал ряд факторов: новое осознание древности и ее самобытности, экономическое процветание и совпадающее чувство конкуренции между меценатами и художниками, а также новое осознание естественного и светского мира.

Средневековые европейцы не заметили принципиальной разницы между своим временем и древностью. Люди были по большей части безразличны к разбросанным остаткам прошлого вокруг них, поскольку древние памятники были знакомы до такой степени, что их нельзя было увидеть. Некоторые из них считались «чудесами» из-за их размера или прекрасной резьбы, но это только наводило на них подозрения. В Пантеон в Риме, например, говорили, что он был построен демонами, и он сохранился только потому, что был преобразован в церковь.

Возобновившееся внимание к прошлому в отличие от настоящего и, что более важно, желание возродить его, происходило серией волн. В 13 веке Священный Римский Император Фридрих II (годы правления 1220–1250), правивший южной Италией, стремился возродить славу имперского Рима, в том числе его искусства. Скульптор Никола Пизано изучил свое ремесло в этой среде, прежде чем переехать на север Тоскана и вдохновляющие местных скульпторов. В 14 веке итальянский поэт Петрарка (1304–1374) постулировал окончательный разрыв между золотым веком античности и своим собственным временем упадка культуры. В 15 веке Леон Баттиста Альберти (1404–1472), в своем трактате О живописи, писал о талантливых художниках древности, по сравнению с которыми живые художники и скульпторы «ничем не уступали». Это чувство дистанции вдохновило итальянцев на просмотр Римский прошлое свежим взглядом, чтобы учиться на достижениях древних. Конкуренция также была важным мотиватором, поскольку города, правители и частные лица стремились превзойти друг друга в покровительстве государственным и частным произведениям искусства.[94]

В Последний ужин, холст, масло 7х2 метра, сохранившийся в Базилика Санта Мария Новелла, это единственная работа, подписанная Плаутилья Нелли (1524–1588), религиозный самоучка (веками женщины в Европе были исключены из уроков анатомии и искусства)

Барокко

Основные статьи: Барокко и Стиль Людовика XIV
Изнасилование сабинянок; к Николя Пуссен; 1634–1635; масло на холсте; 154,6 × 209,9 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

Барокко появился в конце эпоха Возрождения (16 век), как реакция на классические каноны следующих двух веков, 17 и 18 веков. XVII век был периодом нестабильных перемен. Астрономические открытия и научные изобретения, такие как телескоп и микроскоп, совпали с развитием географии, исследований, естествознания и философии. К смеси добавились религиозные потрясения, поскольку католическая контрреформация оспорила растущую популярность протестантской веры. В эпоху Возрождения и барокко высшая цель живописи заключалась в том, чтобы предоставить моральные образцы, изображая поучительные события из литературы, истории и мифологии. Эти работы известны как исторические картины. Художники-историки 17-го века были озабочены передачей эмоций в самый важный момент истории. В этом процессе использовались жесты и мимика, чтобы передать "страсть души". Это часто сочеталось с заботой о ясности повествования и драматической концентрации, особенно в случае Николя Пуссен. Таким образом художники усиливали драматическое воздействие повествовательных сцен, как у Пуссена. Похищение сабинянок, в котором ужас и страх, демонстрируемые женщинами, контрастируют с агрессией и решимостью мужчин, в результате чего возникают образы силы и ужасной красоты.[95]

В декоративных и прикладного искусства, Барокко впервые появилось на территории современной Италия, и распространился по всей Европе. Это был очень богато украшенный и часто экстравагантный стиль архитектуры, музыки, танцев, живописи, скульптуры и других искусств.[96] К основным декоративным мотивам можно отнести: рога изобилия, фестивали, маленькие ангелы, львиные головы с металлическим кольцом во рту, самка лица в окружении гирлянд, картуши, акант листья, классический колонны фронтоны и другие элементы Классическая архитектура лепятся на некоторых частях предметов мебели.[97]

Рококо и рокайль

Основные статьи: Рококо, Рокайль, и Стиль Людовика XV
Брак А-ля-Режим; к Уильям Хогарт; около 1743 г .; масло на холсте; Национальная галерея (Лондон)
Le Salon Oval de la Princesse; Габриэль-Жермен Бофран, Шарль-Жозеф Натори и Жан-Батист Лемуан; 1737-1729; около 9,4 × 7 м; Отель де Субиз (Париж)[100]
Schloss Münster, образец архитектуры рококо, построенный между 1767 и 1787 годами, в Мюнстер (Германия)

Утонченность, веселье, молодость и чувственность - идеалы французского языка. Рококо картина. Легкомыслие было добродетелью, и портретная живопись становилась все более востребованной в обществе, в котором очаровательное сходство было неотъемлемой частью соблазнения. Рококо, прежде всего стиль поверхностного орнамента, отводил скульптуру и живопись второстепенным ролям и использовал позолоту для разделения стен, зеркал и декоративных панелей. Этот стиль быстро распространился по Европе, а также в Османской Турции и Китае благодаря книгам с орнаментом, в которых картуши (криволинейные, часто асимметричные, панели), арабески (извилистые, переплетающиеся формы растений) и ракушечника, а также конструкции стеновых панелей и каминов.[101] Французское рококо развивалось в Régence (1715-1723), когда Людовик XV (правил с 1715 по 1774 год) был ребенком, и страной управлял Филипп Орлеанский. Он вырос из более тяжелого барочного стиля двора Людовик XIV, включающие более легкие элементы, более изящные формы, асимметрию и игривость.[102] В декоративном искусстве и архитектуре его можно узнать по огромному количеству изгибов и C -образный завитки, легкость по цвету и весу, или барельеф из лент, свитков, ракушек, цветочных венков, птиц и животных.[103] В Франция, он входит в стиль, известный как Луи Куинз, также известный как Помпадур. В отличие от барокко, рококо отказалось от симметрии.[104] Этот стиль сначала замечен в декоративном искусстве и дизайне, но его высотой около 1730 года он распространился на живопись и скульптуру. Сковорода и Венера заменены Аполлон и Геркулес в возрождении богов, богинь и героев и в отличие от порой задумчивой тьмы, связанной со стилем барокко, была подчеркнута светлая палитра. Три французских художника, с которыми чаще всего ассоциируется термин рококо: Франсуа Буше, Жан-Антуан Ватто и Жан-Оноре Фрагонар.[102]

Термин «рококо» происходит от французского рокайль, что означает «галька», имея в виду органические изображения, украшающие стены и панели, некоторые интерьеры имеют вид пещеры, например, овальный салон в Отель де Субиз из Парижа.[105]

Интерьер Отель де Субиз в Париже являются одними из самых элегантных и изысканных образцов декоративного стиля рококо. Это один из самых красивых городских особняков 18 века в Париже. Он был построен для принца и принцессы Субиза в 1375 году и реконструирован в 1704 году по указанию Франсуа де Рохан, Принц де Субиз. Здание, которое разделено на две квартиры - принца на первом этаже и принцессы на верхнем этаже, или фортепиано нобиле - на обоих этажах есть овальные салоны с видом на сад. салоны были созданы между 1735 и 1739 гг. Жермен Боффран, ученица французского архитектора Франсуа Мансар. Боффранд смягчил линии Salon Oval de la Princesse извилистыми изгибами, умножив зеркальное отражение. Стены плавно переходят в своды, а скульптурные ниши неправильной формы разделяются рокайль снаряды. Архитектура, скульптура и живопись создают богатую и гармоничную атмосферу. Восемь потолочных полотен расписаны Шарль-Жозеф Натуар между 1737 и 1739 годами иллюстрируют историю Амур и Психея. Перед своим возвращением из Италии в 1730 году Натуар провел несколько лет в Риме в Академии Франции, где изучал труды Паоло Веронезе, Антонио Корреджо и особенно, Пьетро да Кортона Художник декоративных фресок XVII века. Их влияние проявляется в гибких и элегантных композициях, световых эффектах и ​​способах адаптации фигур к ограничениям декора. Палитра розового, синего и зеленого цветов создает очаровательный аркадный эффект, воплощая в себе зрелый рококо.[100]

Португальцы были первыми европейцами, которые торговали напрямую со странами Восточная Азия, вскоре после открытия прямого маршрута вокруг Африки в 1498 году. Великобритания и Голландия последовали их примеру чуть более века спустя, основав свои компании в Ост-Индии. Протестантские вызовы могуществу Португалии, и китайский фарфор, индийские ткани и японские лаки наводнили рынки Амстердама. и Лондон. Эти предметы были востребованы как предметы престижа, символизирующие не только личное богатство, но и влияние стран, способных их импортировать. Европейское воображение подпитывалось восприятием Азии как места богатства и роскоши, и, следовательно, покровители от императоров до купцов соперничали друг с другом в украшении своих жилых помещений азиатскими товарами и украшении их в азиатских стилях. Там, где азиатские предметы было трудно достать, европейские мастера и художники вмешались, чтобы заполнить брешь, создав смесь форм рококо и аутентичных азиатских фигур, мотивов и техник. Мода на Шинуазри был повсеместным: интерьеры в азиатском стиле пронеслись по Европе из Швеция к Сицилия и процветал в Америке с Новая Англия к Новая Испания (Мексика ), Бразилия к Аргентина.[106]

Неоклассицизм

Основные статьи: Неоклассицизм, Стиль Людовика XVI, и Стиль ампир
Вид на так называемый Храм Согласия с Храмом Сатурна, справа Арка Септимия Севера; к Джованни Баттиста Пиранези; 1760–1778; травление; размер всего листа: 53,8 × 79,2 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

Возрождение классических стилей во второй половине 18 века было в некотором смысле реакцией на кажущуюся легкомыслие и упадочность рококо. Это было стимулировано повторным открытием древних стоянок Помпеи и Геркуланум, который вдохновил Греческий и Римский античность и повлияла на все виды искусства, от живописи и скульптуры до архитектуры, моды, литературы и музыки.

Самая оригинальная фаза неоклассицизма может быть связана с французская революция 1789–1799 годов, когда художники и архитекторы проводили открытые сравнения между своим желанием Liberté, Egalité et Fratenité и то, что они понимали как политические принципы классического Рима и Греции.[108] В Стиль ампир является представителем нового французского общества, возникшего в результате революции, задавшего тон во всех сферах жизни, включая искусство. Этот стиль ввел понятие промышленного производства в декоративном искусстве. Другие неоклассические стили включают: Адам (Английский) и Федеральный (Американский). Мотивы, широко используемые в неоклассике прикладное искусство находятся: фронтоны, акант листья, пальметты, фестивали, картуши, старинные трофеи и музыкальные инструменты, грифоны, химеры, сфинксы, рога изобилия, львиные головы с металлическим кольцом во рту, а иногда и крылатые женщины.[109] Большинство из них взяты из Греческий, Этрусский или же Римский объекты, интерьеры и архитектура; но некоторые из них, например картуш из эпоха Возрождения.

Западное искусство после 1770 года

Призрак блохи; к Уильям Блейк; 1819; темпера, золото на панно (21,4 × 16,2 см); Галерея Тейт Британия, Лондон

Многие искусствоведы относят истоки современного искусства к концу 18 века, другие - к середине 19 века. Историк искусства Х. Гарвард Арнасон заявил, что «в течение ста лет произошла постепенная метаморфоза».[110] Такие события, как эпоха просвещения, революции и демократии в Америка и Франция, а Индустриальная революция имел далеко идущие последствия в западной культуре. Люди, товары, идеи и информация могли путешествовать между странами и континентами с беспрецедентной скоростью, и эти изменения отразились на искусстве. Изобретение фотографии в 1830-х годах еще больше изменило некоторые аспекты искусства, особенно живопись. К началу XIX века был завершен долгий и постепенный сдвиг парадигмы: от готики, когда художников считали мастерами, служащими церкви и монархиям, к идее искусства ради искусства, где идеи и видения отдельные художники пользовались большим уважением и покровительством все более грамотного, богатого и городского среднего и высшего населения, которое появлялось в течение 200 лет (особенно в Париже и Лондоне). В конце 18 века начинается дихотомия между неоклассицизмом и романтизмом, которая разделила и продолжала проникать практически в каждое новое движение в современном искусстве: «Распространяясь, как волны, эти« измы »бросают вызов национальным, этническим и хронологическим границам; никогда нигде не доминируют надолго. , они соревнуются или сливаются друг с другом в бесконечно изменяющихся моделях ».[111]

Современное искусство постоянно двигалось в сторону международных влияний и обменов, от экзотического любопытства Ориентализм, более глубокое влияние Японизм, искусству Океании, Африки и Америки. И наоборот, современное искусство все больше распространяется за пределы Западной Европы. В России и США к концу XIX века искусство развивалось настолько, что соперничало с ведущими европейскими странами. Многие из основных движений появились в Латинской Америке, Австралии и Азии, а география и национальность с каждым десятилетием становились все менее значимыми. К 20-му веку во всем мире появлялись важные и влиятельные художники: например, Фуджита (Япония), Аршил Горки (Армения), Диего Ривера и Фрида Кало (Мексика), Вифредо Лам (Куба), Эдвард Мунк (Норвежский язык), Роберто Матта (Чилийский), Марк Ротко (Литовско-американский), Фернандо Ботеро Ангуло (Колумбия), Константин Брынкуши и Виктор Браунер (Румыния).[112][113][114][115][116]

  • Кенотаф Ньютона, снаружи ночью; к Этьен-Луи Булле; 1784; тушь и тушь, 40,2 × 63,3 см .; Bibliothèque Nationale, Париж

  • Собака; Франсиско де Гойя; ок. 1819–1823; Масло на гипсе, перенесено на холст, 131,5 × 79,3 см .; Музей Прадо, Мадрид

  • Смерть на бледном коне; Дж. М. В. Тернер; c. 1830; холст, масло, 60 × 76 см .; Галерея Тейт Британия, Лондон

  • Смеющийся беззубик, Шарль Филипон из среды Célébrités du Juste; Оноре Домье; 1832–33; расписная глина высотой 6,12; Музей Орсе (Париж)

  • Натюрморт со статуей Юпитера Тонана; к Луи Жак Дагер; c. 1839; дагерротип

19 век

Романтизм (ок. 1770–1860)

Основная статья: Романтизм § Изобразительное искусство
Кошмар; к Джон Генри Фузели; 1781; масло на холсте; 101,6 × 127 см; Детройтский институт искусств (Детройт, НАС)

Романтизм возник в конце 18 века и процветал в первой половине 19 века благодаря значительным международным проявлениям в музыке, литературе, поэзии и архитектуре, а также в изобразительном искусстве. Одно из самых ранних проявлений романтизма было в Английский ландшафтный сад, тщательно спроектированный, чтобы выглядеть естественно и резко контрастировать с формальными садами того времени. Концепция «естественного» английского сада была принята во всей Европе и Америке в последующие десятилетия. В архитектуре романтики часто обращались к альтернативным источникам, отличным от греческих и римских примеров, которыми восхищались неоклассицисты. Романтическая архитектура часто возрождалась Готика формы и другие стили, например, экзотические восточные модели. В Вестминстерский дворец (Здания Парламента), Лондон является примером романтической архитектуры, которую также называют Готическое возрождение.[111] Примером романтизма в живописи являются полотна А. Франсиско Гойя в Испании, Эжен Делакруа и Теодор Жерико во Франции, Уильям Блейк, Генри Фусели, Сэмюэл Палмер, и Уильям Тернер в Англии, Каспар Давид Фридрих и Филипп Отто Рунге в Германии, Франческо Хайес в Италии, Йохан Кристиан Клауссен Даль в Норвегии и Томас Коул в Америке. Примеры скульпторов романтического периода включают: Антуан-Луи Бари, Жан-Батист Карпо, Огюст Прео, и Франсуа Руд. По мере того, как романтизм развивался, некоторые аспекты движения превратились в символизм.[115][117][118]

«Неоклассицизм - это новое возрождение классической античности… в то время как романтизм относится не к определенному стилю, а к мировоззрению, которое может проявляться любым количеством способов».[111] Романтизм часто пытается обратиться к зрителю через сердце и психику, пробуждая страсти и эмоции, часто размышляя об отношениях и месте человечества в природе в промышленной революции; в отличие от симметрии, рациональности, «культа разума»[119] неоклассицизма.[117][115]

Реализм (ок. 1840–1880)

Основная статья: Реализм (художественное направление)
Монарх Глена; к Эдвин Генри Ландсир; 1851; масло на холсте; 163,80 × 168,90 см; Шотландская национальная галерея Эдинбург

Реализм возник в середине девятнадцатого века, примерно в 1840 году, и имел аналоги в скульптуре, литературе и драматургии, часто называемые Натурализм в литературе. В живописи девятнадцатого века термин «реализм» больше относится к изображаемому предмету, чем к стилю или технике. Реалистические картины обычно представляют собой обычные места и людей, занятых повседневной деятельностью, в отличие от великих, идеализированных пейзажей, мифологических богов, библейских сюжетов, а также исторических персонажей и событий, которые часто доминировали в живописи в западной культуре. Курбе сказал: «Я не могу нарисовать ангела, потому что никогда его не видел».[111] Реализм также был отчасти реакцией на часто драматические, экзотические и эмоционально заряженные произведения романтизма. Термин «реализм» применяется по отношению к идеализированным образам неоклассицизма и романтизированным образам романтизма. Художники, такие как Жан-Батист-Камиль Коро и Оноре Домье имели слабые ассоциации с реализмом, как и члены Барбизонская школа, особенно Жан-Франсуа Милле, но это было возможно Гюстав Курбе который был центральной фигурой в движении, идентифицировал себя как реалист, защищал реализм и оказывал влияние на молодых художников, таких как Эдуард Мане. Одним из важных аспектов реализма была практика рисования пейзажей. на пленэре и его последующее влияние на импрессионизм. За пределами Франции примером реализма являются такие художники, как Вильгельм Лейбль в Германии, Форд Мэдокс Браун в Англии и Уинслоу Гомер В Соединенных Штатах. Историк искусства Х. Х. Арнасон писал: «Хронологическая последовательность неоклассицизма, романтизма и реализма - это, конечно, только удобное расслоение движений или тенденций, так неразрывно связанных друг с другом и с предшествующими движениями, что невозможно сказать, где они закончились и другой начался ",[110] и это становится еще более уместным и сложным, если проследить за всеми движениями и «измами» конца 19-го и начала 20-го веков.[120][121][122][123]

Импрессионизм (ок. 1860–1890)

Основная статья: Импрессионизм
Обед на лодке; к Пьер Огюст Ренуар; 1881; масло на холсте; 130 × 175 см; Коллекция Филлипса (Вашингтон, округ Колумбия. (СОЕДИНЕННЫЕ ШТАТЫ АМЕРИКИ)

Импрессионизм зародился во Франции под влиянием Реализм, то Барбизонская школа, и на пленэре художники любят Эжен Буден, Камиль Коро, Шарль-Франсуа Добиньи, и Йохан Бартольд Йонгкинд. Начиная с конца 1850-х годов, некоторые из импрессионистов завели знакомства и подружились, будучи студентами в Париже, особенно в свободное время. Académie Suisse и Чарльза Глейра студия. Их прогрессивные работы часто отвергались консервативным жюри престижных Академия изящных искусств салоны, форум, куда многие художники обращались, чтобы установить свою репутацию, и многие из молодых художников были включены в широко разрекламированный, но очень высмеиваемый Salon des Refusés в 1863 году. В 1874 году они сформировали Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, независимое от академии, и организовали первую из нескольких выставок импрессионистов в Париже, вплоть до 1886 года, когда была проведена их восьмая и последняя выставка. Важные фигуры в движении включены Фредерик Базиль, Гюстав Кайботт, Мэри Кассат, Поль Сезанн, Эдгар Дега, Арман Гийюмин, Эдуард Мане, Клод Моне, Берта Моризо, Камиль Писсарро, Пьер Огюст Ренуар, и Альфред Сислей. Хотя импрессионизм был прежде всего движением художников, Дега и Ренуар также создавали скульптуры и другие подобные произведения. Огюст Роден и Медардо Россо иногда связаны с импрессионизмом. К 1885 году импрессионизм приобрел известность, но все же молодое поколение уже выходило за рамки импрессионизма. Художник из Россия, Австралия, Америка и Латинская Америка вскоре приняла стиль импрессионизма. Некоторые из первых импрессионистов продолжали создавать значительные работы в 1910-х и 1920-х годах.[124][125][126]

Хотя это и не было беспрецедентным, многие из используемых методов отличались от традиционных. Картины часто завершались за часы или дни, когда влажная краска наносилась на влажную краску (в отличие от мокрой краски на сухой, которая завершалась за недели и месяцы). Вместо того, чтобы наносить глазури и смешанные цвета, чистые цвета часто наносились бок о бок, толстыми, непрозрачными, импасто удары; смешивание в глазах зрителя при наблюдении на расстоянии. Черный использовался очень экономно или вообще не использовался, а определяющие линии заменялись нюансированными штрихами цвета, формирующими предметы, контуры и формы. Историк искусства Х. В. Янсон сказал, что «вместо того, чтобы добавлять иллюзию реального пространства, он усиливает единство фактической окрашенной поверхности».[111] Картины импрессионистов обычно изображают пейзажи, портреты, натюрморты, домашние сцены, повседневный досуг и ночную жизнь, все обработанные в реалистической манере. Композиции часто основывались на необычных перспективах, казались спонтанными и откровенными. Картины обычно лишены дидактического, символического или метафорического значения и редко затрагивают библейские, мифологические и исторические темы, которые так высоко ценились академиями, или более темные и психологические интересы, исследуемые символистами. Были исследованы нюансы света, тени, атмосферы и отражения цветов от поверхностей, иногда подчеркивая изменения этих элементов во времени. Сама картина была предметом картины. Это было искусство ради искусства, идея, которая витала в воздухе несколько десятилетий, но, возможно, достигла нового пика и последовательности в импрессионизме.[114][124][125][126]

Символизм (ок. 1860–1915)

Основная статья: Символизм (искусство)
Фракийская девушка с головой Орфея на лире; к Гюстав Моро; 1865; масло; 154 × 99,5 см; Musée d'Orsay (Париж)

Символизм возник во Франции и Бельгии в третьей четверти девятнадцатого века и распространился по Европе в 1870-х годах, а затем в меньшей степени в Америке. Он произошел от романтизма без четкой или определяющей точки разграничения, хотя поэзия, литература и особенно публикации Шарля Бодлера Les Fleurs du mal (Цветы зла) в 1857 г. сыграли важную роль в развитии символизма. Он получил международное выражение в поэзии, литературе, драме и музыке. В архитектуре, прикладном искусстве и символике декоративно-прикладного искусства происходили параллели и пересекались. Искусство модерн. Символизм часто неразрывно связан с другими движениями современного искусства, проявляясь и находя выражение в других стилях, таких как Пост Импрессионизм, Les Nabis, то Декадентское движение, то Fin-de Siecle, Искусство модерн, The Мюнхенский сецессион, The Венский Сецессион, Экспрессионизм, и даже Прерафаэлиты, которые сформировались раньше и также повлияли на символизм. Художник столь же разнообразен, как Джеймс Эббот Макнил Уистлер, Эжен Каррьер, Фердинанд Ходлер, Фернан Кнопф, Джованни Сегантини, Люсьен Леви-Дурмер, Жан Делвиль, и Джеймс Энсор все в той или иной степени связаны с символизмом. Историк искусства Роберт Л. Делевой писал: «Символизм был не столько школой, сколько атмосферой того времени».[127] Он быстро начал исчезать с наступлением Фовизм, Кубизм, Футуризм и в значительной степени рассеялся с началом Первой мировой войны, однако он нашел некоторое устойчивое развитие и актуальность в метафизическая школа, что, в свою очередь, оказало глубокое влияние на сюрреализм.[127][114][128]

Сюжеты, темы и значения символического искусства часто завуалированы и неясны, но в лучшем случае им удается глубоко резонировать на психологическом или эмоциональном уровне. Субъекты часто представлены как метафоры или же аллегории, стремясь вызвать у зрителя очень субъективные, личные, интроспективные эмоции и идеи, без четкого определения или прямого обращения к предмету. Поэт Стефан Малларме написал "изображать не вещь, а эффект, который она производит"[129] и «Назвать объект - значит подавить три четверти удовольствия от стихотворения, которое нужно понимать понемногу».[128] Английский художник Джордж Фредерик Уоттс заявил: «Я рисую идеи, а не вещи».[127][114][128]

Движение искусств и ремесел (ок. 1860–1915)

Основная статья: Движение искусств и ремесел
Образец обоев; к Уильям Моррис; 1915–1917; печатная бумага; 54,6 × 36,8 см; Бруклинский музей (Нью-Йорк)

В Искусства и ремесла movement mostly worked in architecture and the decorative arts, where it promoted traditional craftsmanship, the use of locally available materials, and integrity in the way in which things were made. It began in the late-19th century Британия, when writers such as Джон Раскин и Уильям Моррис rejected mass-production and the often poor quality, machine-made items that were found in many homes and shops. Моррис, in particular, believed in the importance of the individual craftsman, and advocated a return to hand craftsman, which, he argued, would not only produce better furniture, pottery, textiles, and other items, but would also help people to lead better, more fulfilling lives. Mass-production, he maintained, was responsible for a decline in values. Many Arts and Crafts designers drew upon the influence of medieval craftsmanship, and their objects and interiors exploited the distinctive qualities of natural materials, from beautifully finished дуб to hand-woven tapestries. Others, however, looked further afield for inspiration, incorporating vivid colours inspired by Исламское искусство, или же древнеегипетский motifs in their work. Knots, swirls, Celtic crosses, and entrelac (interlanced designs) inspired by ancient Кельтское искусство featured in the work of many Arts and Craftsdesigners, notably Арчибальд Нокс, especially on metalwork.

Widely exhibited in Europe, the Arts and Crafts style's simplicity inspired artists such as Карл Ларссон and wife, Karin Bergöö Larsson, designers like Генри ван де Вельде and styles such as Искусство модерн, голландцы Де Стейл группа, Венский Сецессион, и в конечном итоге Баухаус стиль. Николаус Певснер regarded the style as a prelude to Модернизм, which used simple forms without ornamentation.[130] The Vienna Secession encouraged in part Central European artists and writers under Правило Габсбургов to return to their national and folk roots. In Poland this gave rise to the flowering of "Młoda Polska" (Молодая Польша ), whose noted exponents included Яцек Мальчевски, Jan Stanisławski, Юзеф Мехоффер, Юзеф Панкевич, Леон Вычулковски, Ольга Бознаньская, Stanisław Wyspiański, Войцех Герсон и Войцех Коссак.[131]

Постимпрессионизм (ок. 1885–1905)

Основная статья: Пост Импрессионизм
В Мулен Руж; к Анри де Тулуз-Лотрек; 1892; oil on canvas, 123 × 140.5 cm.; Art Institute of Chicago (USA)

Post-Impressionism is a rather imprecise term applied to a diverse generation of artists. In its strictest sense, it pertains to four highly influential artists: Поль Сезанн,[132][133] Поль Гоген,[134][135] Georges Seurat,[136][137] и Винсент Ван Гог.[138][139] Each passed through an impressionist phase, but ultimately emerged with four very original but different styles. Collectively, their work anticipated, and often directly influenced, much of the авангард art that appear before the First World War including fauvism, cubism, expressionism, and early abstraction. Cézanne (particularly influential on cubism) and Van Gogh worked in relative isolation, away from Paris, at critical points in their careers, while Seurat and Gauguin worked in groups, more collaboratively, at key points in their development. Another important artist of the period is Тулуз-Лотрек, an influential painter as well as graphic artist.[140][141] In a broader sense, post-impressionism includes a generation of predominantly French and Belgian artist who worked in a range of styles and groups. Most had come under the sway of impressionism at some point, but pushed their work beyond it into a number of factions as early as the mid 1880s, sometimes as a logical development of impressionism, other times as a reaction against it. Post-Impressionists typically depicted impressionist subjects, but the work, particularly synthetism, often contained symbolism, spiritualism, and moody atmospheres that rarely appeared in impressionism. Unnatural colors, patterns, flat plains, odd perspectives and viewpoints pushed to extremes, all moved the center of modernism a step closer to abstraction with a standard for experimentation.[110][142][116]

Neo-Impressionism (Дивизионизм или же Пуантилизм, c. 1884–1894) explored light and color based on scientific color theories, creating mosaics of brush strokes in pure colors, sometimes laid out in rhythmic patterns with lines influenced by Искусство модерн. The leading artists were Georges Seurat и Paul Signac, others include Анри-Эдмон Кросс, Максимилиан Люс, Albert Dubois-Pillet, and for a period Pissarro и Ван Гог. It was influential on fauvism, and elements of the style appeared in expressionism, cubism, and early abstraction. Синтетизм (Перегородчатость c. 1888–1903) Cloisonnism was conceived by Эмиль Бернар and immediately taken up and developed by Поль Гоген and others while at an artists' colony in Pont-Aven (Brittany, France). The style resembled cloisonné enamel или же витраж, with flat, bold colors outlined in black or dark colors. Synthetism, exemplified in the work of Gauguin and Поль Серюзье, is slightly a broader term with less emphasis on dark outlines and cloisonné qualities. Other artist include Куно Амьет, Louis Anquetin, Чарльз Филигер, Jacob Meyer de Haan, Чарльз Лаваль, и Armand Seguin. Their work greatly influenced fauvism and expressionism. Les Nabis (c. 1890–1905: Hebrew for prophets or illuminati) was a larger movement in France and Belgium that eclectically drew on progressive elements in synthetism, neo-impressionism, symbolism, and Art Nouveau. Perhaps more influential than the art, were the numerous theories, manifestoes, and infectious enthusiasm for the avant-garde, setting the tone for the proliferation of movements and "isms" in the first quarter of the 20th century. La Revue Blanche often published Les Nabis and symbolist content. Работа Эдуард Вюйар[143][144] и Пьер Боннар[145][146] ок. 1890–1910 is exemplary of Les Nabis, though both evolved in their styles and produced significant work into the 1940s. Other artist include Maurice Denis, Максим Детомас, Meyer de Haan, Анри-Габриэль Ибельс, Жорж Лакомб, Аристид Майоль, Пол Рэнсон, Ker-Xavier Roussel, Armand Séguin, Поль Серюзье, Félix Vallotton, Ян Веркаде, и другие.[110][142][116]

Начало 20 века

Смотрите также: Западная живопись 20 века

История Искусство 20 века is a narrative of endless possibilities and the search for new standards, each being torn down in succession by the next. The art movements of Фовизм, Экспрессионизм, Кубизм, абстрактное искусство, Дадаизм и Сюрреализм led to further explorations of new creative styles and manners of expression. Увеличение Глобальный interaction during this time saw an equivalent influence of other cultures into Western art, such as Пабло Пикассо being influenced by Иберийская скульптура, Африканская скульптура и Примитивизм. японизм, и японский гравюры на дереве (which had themselves been influenced by Western Renaissance draftsmanship) had an immense influence on Impressionism and subsequent artistic developments. The influential example set by Поль Гоген 's interest in Океаническое искусство and the sudden popularity among the знатоки in early 20th century Paris of newly discovered African fetish sculptures and other works from non-European cultures were taken up by Picasso, Анри Матисс, and many of their colleagues. Later in the 20th century, Поп-арт и Абстрактный экспрессионизм came to prominence.

Модерн (ок. 1890–1915)

Основная статья: Искусство модерн
The Peacock Room; к James McNeil Whistler; 1876–1877; Галерея искусств Freer (Вашингтон, округ Колумбия., СОЕДИНЕННЫЕ ШТАТЫ АМЕРИКИ)
Comparison between a mid-19th century Japanese vase from the, in the Музей искусств округа Лос-Анджелес (USA), and a French Art Nouveau vase from circa 1885, in the Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Comparison between flower clusters of Wisteria frutescens, и Тиффани стекло Art Nouveau table Lamp from circa 1902, in the Virginia Museum of Fine Arts (Ричмонд, СОЕДИНЕННЫЕ ШТАТЫ АМЕРИКИ)

Art Nouveau is an international стиль of art, architecture and applied art, особенно декоративное искусство, characterised by its two main sources of inspiration: use of plant-shaped ornaments (sinuous curves); and historical art styles (like Готика, кельтская, византийский, Рококо и Барокко ), especially Японское искусство.

The cult of nature, with its sinuous curves and tendrils of ivy that almost appear to take root within an item of furniture or decorative arts, was a popular theme for Art Nouveau. It was through this medium that women were most often portrayed as stylised objects rather than people. Through the use of nature as an idiom, designers hoped to incorporate all aspects of life into a single object or interior: the outside was brought inside and the human relationship with the environment was explored.

In Spain, Italy, Russia and the US artists and designers added to the novel and fascinating interpretations of Art Nouveau. Every culture drew on different sources of inspiration including Готика, кельтская, византийский, Рококо и Барокко. While historical influences were present they could not be justified unless they were approached with innovation rather than tradition. The portrayal of women in art at the turn of the century highlights another important challenge to contemporary societies. In many instances women were depicted as fantasy figures, interplaying with nature, united with it. By contrast, the gritty realism of paintings by Анри де Тулуз-Лотрек demonstrated that women could be portrayed as genuine people involved in mundane aspects of their daily lives.[147]

The earliest influences of Art Nouveau began to emerge in England among figures such as Джон Раскин, то Братство прерафаэлитов, Эдвард Бёрн-Джонс, Уильям Моррис и Движение искусств и ремесел, which paralleled some aspects of symbolist sensibilities in France and Belgium at that time. Art Nouveau is closely allied and intermingled with symbolism. The term Art Nouveau is most often applied to architecture, crafts, and decorative arts, while symbolism is more commonly used for fine arts like painting and sculpture as well as poetry and literature, however there are no hard, defining lines between the two. Art Nouveau was an international movement that spread throughout Europe and North America reaching its peak around 1890–1905. It perhaps found its greatest expressions in architecture, influenced by theorist and historian Эжен Виолле-ле-Дюк, and seen in the work of Виктор Орта, Гектор Гимар, Луи Салливан, и Антони Гауди. However extraordinary examples of the style appeared in interior design, furniture, wallpaper, textiles, mosaics, ceramics, metalworking, jewelry, art glass, stain glass windows, and other decorative and applied arts produced by Чарльз Ренни Макинтош, Питер Карл Фаберже, Émile Gallé, Рене Лалик, Луи Комфорт Тиффани, и много других. Japanese art, particularly the woodcut prints, with design concepts that were new to Europeans began to appear and found receptive audiences there, where graphic artist such as Обри Бердсли, Жюль Шере, Уолтер Крейн, Eugène Grasset, Альфонс Муха, и Анри де Тулуз-Лотрек designed innovative posters, advertising, fashions, book binding, frontispieces, and illustrations.[148][149]

Art Nouveau often abandoned geometric forms and angles in favor of arabesque lines suggestive of vegetation, winding vines, and other elements of nature. Many artisans sought to breakdown the divide between fine art, applied art, and decorative art and merge them all into every aspect of daily life. Individual artist frequently moved back and forth between various disciplines and worked in several media. It was not unusual for architects to produce the furniture and other furnishings for the houses and building they designed, for painters to design advertising posters and book illustrations, or jewelers to produce art glass, and stain glass windows.[148][149]

Фовизм (ок. 1898–1908)

Основная статья: Фовизм
Life Class at the École des Beaux-Arts; к Альбер Марке; 1898; oil on canvas, 73 × 50 cm; Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, France

Fauvism emerged from post-impressionism, gradually developing into the first major movement of the 20th century. Its genesis was in 1895 when Анри Матисс, the oldest and central figure, entered the studio of Гюстав Моро на Ecole des Beaux-Arts. There he met Georges Rouault, Charles Camoin, Анри Манген, и Альбер Марке. Marquet said "As early as 1898 Matisse and I were working in what was later to be called the Fauve manner. The first exhibitions at the Indepéndants in which we were, I believe, the only ones to paint in pure tones, go back to 1901."[151] By 1902–03 the circle of like-minded artist had grown to include Жорж Брак, André Derain, Рауль Дюфи, Отон Фриес, Жан Метцингер, Жан Пюи, Louis Valtat, Кес ван Донген, и Морис де Вламинк. During this period a number of influential retrospective exhibitions were held in Paris: Seurat (1900, 1905), Van Gogh (1901, 1905), Toulouse-Lautrec (1902), Gauguin (1906), Cezanne (1907), all relatively unknown to the public at that time. Matisse and Derain collected African carvings, a novel but growing curiosity of the time. Matisse spent the summer of 1904 in Сен-Тропе painting with the neo-impressionist Paul Signac и Анри-Эдмон Кросс, followed in1905 by Camoin, Manguin, and Marquet. The artist exhibited regularity at the Salon des Indepéndants и Осенний салон 1903–1908 and in 1905 their work created a sensation and a scandal. Matisse stated "We were exhibiting at the Salon d'Automne, Derain, Manguin, Marquet, Puy, and a few others were hung together in one of the larger galleries. In the center of this room the sculptor Marque exhibited a bust of a child very much in the Italian style. Vauxcelles [art critic for Гил Блас ] entered the room and said, Well! well! Донателло in the mist of wild beasts! [Donatello chez les fauves]."[152] The movement had not been perceived as an entity by the public, but once published the name stuck. Unlike the impressionist and their long struggle for acceptance, the avant-garde had an eager audience by 1906–1907 and the fauvist were attracting collectors from America to Russia. Однако в 1908 году фовизм в значительной степени растворился, когда появился кубизм, большинство художников начали исследовать другие стили и двигаться в разных направлениях. Только Матисс и Дюфи продолжали исследовать фовизм до 1950-х годов.[151][152][153][154][155]

Пейзажи, написанные фовистами на пленэре, интерьеры, фигуры и натюрморты по образцам реализма, импрессионизма и постимпрессионизма. Краску они наносили рыхлыми мазками густыми, неестественными, часто контрастными, яркими цветами, иногда прямо из тюбика. Влияние Гогена с его исследованием выразительных ценностей и пространственных аспектов узоров с плоскими чистыми цветами, а также его интерес к примитивизм были значительными, как и неоимпрессионизм. Матисс объяснил - долгое время цвет служил дополнением дизайна, художники эпохи Возрождения строили картину по линиям, добавляя потом локальный колорит - писали: «Из Делакруа Ван Гогу и главным образом Гогену через импрессиониста, который расчистил почву, и Сезанна, который дал последний импульс и представил цветные тома, мы можем проследить эту реабилитацию функции цвета, это восстановление его эмоциональной силы "[151] Фовизм стал кульминацией перехода от рисунка и линий как фундаментальных основ дизайна в живописи к цвету, и они изображали свои предметы на грани абстракции.[151][152][153][154][155]

  • Le bonheur de vivre, к Анри Матисс; 1905–1906; масло на холсте; 175 × 241 см; Фонд Барнса

  • Дома в Шату; к Морис де Вламинк; ок. 1905; холст, масло, 81 × 101 см; Институт искусств Чикаго (США)

  • Фовский пейзаж; к Луи Валтат; 1905–1906; масло на холсте; Музей скоростного искусства, Луисвилл, Кентукки

  • Мост Чаринг-Кросс, Лондон; к Андре Дерен; 1906; холст, масло, 80,3 × 100,3 см .; Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия.

  • La Ciotat; к Отон Фриес; 1907; холст, масло 65,7 х 81 см .; коллекция неизвестна

Экспрессионизм (ок. 1905–1933)

Основная статья: Экспрессионизм
Девушка под японским зонтом; к Эрнст Людвиг Кирхнер; 1906; холст, масло 36,5 × 31,5; Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Дюссельдорф, Германия

Экспрессионизм был международным движением в живописи, скульптуре, графике, поэзии, литературе, театре, кино и архитектуре. Некоторые связывают Вторая венская школа и другая музыка того периода с движением. Большинство историков относят начало экспрессионизма к 1905 году с основанием Die Brücke. Однако некоторые художники создали влиятельные работы в духе экспрессионизма 1885–1905 годов, в том числе Ловис Коринф, Джеймс Энсор, Кете Кольвиц, Паула Модерзон-Беккер, Эдвард Мунк, Эмиль Нольде, и Кристиан Рольфс среди прочего. Многие из этих художников позже выставлялись и ассоциировались с различными группами экспрессионистов. Для экспрессионистской живописи характерны рыхлые, спонтанные, часто толстые, импасто манера письма. Он часто передавал, как художник относился к своему предмету, в отличие от того, как он выглядел, ставя интуицию и интуицию над реалистичными представлениями или теориями искусства. Экспрессионизм часто был наполнен тревогой или радостью, а также общим интересом к современной жизни и социальным вопросам, который часто отсутствовал в фокусе фовизма на дизайне и цвете, применяемом к нейтральным предметам. Гравюры на дереве особенно примечательны в экспрессионизме. Экспрессионизм иногда может пересекаться и интегрироваться с другими стилями и движениями, такими как символизм, фовизм, кубизм, футуризм, абстракция и дада. Несколько групп и фракций экспрессионистов появлялись в разное время и в разных местах.[110][116][156][157][158]

Die Brücke (Мост: 1905-1913) стремился соединить «все революционные и скачущие элементы».[157] Он был основан четырьмя студентами-архитекторами. Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хекель, Карл Шмидт-Ротлуф, и Фриц Блейл. В одной студии в Дрездене они создавали картины, резьбу, гравюры и организовывали выставки, а летом отделялись друг от друга, чтобы работать самостоятельно. Их первая выставка была в 1905 году, позже к ней присоединились Эмиль Нольде и Макс Пехштейн в 1906 г. и Отто Мюллер в 1910 г. и др. Влияния включены Готическое искусство, примитивизм, Искусство модерн, и события в Париже, особенно Ван Гог и фовизм. Группа переехала в Берлин в 1911 году, а затем распалась в 1913 году. Der Blaue Reiter (Синий всадник: 1911–1914), основан Василий Кандинский и Франц Марк, была относительно неформальной группой, которая организовывала выставки искусства из Парижа и Европы, а также свои собственные. Это была одна из ряда прогрессивных групп, отделяющихся от Академии художеств в Мюнхене, включая Мюнхенский Сецессион в 1892 году (реалист и импрессионист), Фалангу в 1901 году (постимпрессионист), Neue Kunstler Vereiningung в 1909 г. и «Синий всадник» в 1911 г. Художники, связанные с двумя последними группами, включали Бурлюк братья Генрих Кампендонк, Алексей фон Явленский, Пауль Клее, Август Маке, Габриэле Мюнтер, и Марианна фон Веревкин. Благозвучный альманах Der Blaue Reiter, сборник влиятельных эссе, и Кандинского О духовном в искусстве его идеи о беспредметном искусстве были опубликованы в 1912 году. «Синий всадник» закончился началом Первой мировой войны, в которой погибли Макке и Марк.[110][116][156][157][158]

Мать с мертвым ребенком; к Кэте Коллвиц; 1903; травление; Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия.

Другие художники, такие как Оскар Кокошка, Эгон Шиле, и Ричард Герстль возникла в Австрии. Французский художник Жорж Руо и Хаим Сутин имел сходство с движением. Скульпторы включают Эрнст Барлах, Вильгельм Лембрук, Герхард Маркс, и Уильям Вауэр. Архитекторы, связанные с экспрессионизмом, включают: Макс Берг, Герман Финстерлин, Иоганн Фридрих Хёгер, Мишель де Клерк, Эрих Мендельсон, Ганс Поелциг, Ганс Шарун, Рудольф Штайнер, и Бруно Таут. Der Sturm (The Storm 1910–1932) был журналом с большим количеством экспрессионистского содержания, основанным Херварт Уолден, с ассоциированной галереей в Берлине, открывшейся в 1912 году, и театральной труппой и школой в 1918 году. Фильмы, которые считаются экспрессионистскими, некоторые считаются классическими, включают Кабинет доктора Калигари (Роберт Виен, 1920), Носферату (Ф. В. Мурнау, 1922), и Мегаполис (Фриц Ланг, 1927).[110][116][156][157][158]

После Первой мировой войны у многих художников возникла тенденция отхода от авангарда, о чем свидетельствуют работы оригинальных фовистов 1920-х годов. Пикассо и Стравинского неоклассические периоды и Де Кирико поздняя работа. Эта тенденция получила название Новая объективность (ок. 1919–1933) в Германии, в отличие от ностальгического характера этой работы в других местах, она характеризовалась разочарованием и безжалостной социальной критикой. Художники новой объективности в основном вышли из экспрессионистов и дада среда, включая Отто Дикс, Кристиан Шад, Рудольф Шлихтер, Георг Шольц, и Жанна Маммен. Макс Бекманн и Джордж Гросс также какое-то время имела некоторую связь с новой объективностью. Хотя не по своей сути экспрессионистский, Staatliches Bauhaus (Строительная школа: 1919–1933) была влиятельной немецкой школой, сочетающей ремесла, декоративные и изящные искусства. Переезжая из Веймара в Дессау и в Берлин, он со временем изменился и развивался. Директора включали архитекторов Вальтер Гропиус (1919–1928), Ханнес Мейер (1928–1930), и Людвиг Мис ван дер Роэ (1930–1933). В разное время в состав факультета входили Йозеф Альберс, Тео ван Дусбург, Лионель Фейнингер, Йоханнес Иттен, Пауль Клее, Василий Кандинский, Эль Лисицкий, Герхард Маркс, Ласло Мохоли-Надь, Оскар Шлеммер. Архитекторы Баухауса оказали большое влияние на Международный стиль, который характеризовался упрощенными формами, отсутствием орнамента, союзом дизайна и функции, а также идеей, что массовое производство может быть совместимо с личным художественным видением. Поскольку Нацистская партия пришло к власти, современное искусство окрестили "дегенеративное искусство "и Баухаус был закрыт в 1933 году, подчинив себе модернизм в Германии на несколько лет.[110][116][156][157][158]

Кубизм

Основная статья: Кубизм

Кубизм состоял в отказе от перспективы, что ведет к новой организации пространства, в которой точки зрения множатся, производя фрагментацию объекта, которая делает очевидной склонность к форме по сравнению с содержанием представления. Пабло Пикассо, Жорж Брак и других художников-кубистов вдохновили скульптуры Иберия, Африка и Океания выставлен в Лувр и этнографический музей в Трокадеро, и которые предлагались на блошином рынке и в торговых залах.

«Пикассо изучает объект, как хирург препарирует труп», - писал критик и поэт. Гийом Аполлинер в 1913 году. Пятью годами ранее, Пабло Пикассо и Жорж Брак - друзья, коллеги и соперники - начали отказываться от перспективы реализм для формы художественного вскрытия: совершенно революционный стиль живописи, который рассматривает объекты внутри и вокруг, представляя их аналитически, объективно и полностью безлично.[159]

Сюрреализм (ок. 1924–1950)

Слон-знаменитость; к Макс Эрнст; 1921; масло на холсте; 125,4 × 107,9 см; Тейт Модерн (Лондон)

Сюрреализм возник как фракция Дадаизм, официально объявив о своем создании в 1924 г. Андре Бретона Манифест сюрреализма.[160] Первоначально литературная группа поэтов и писателей в Париже, вскоре превратилась в международное движение, в которое вошли художники, скульпторы, фотографы и режиссеры. А Второй Manifeste du Surréalisme был опубликован в 1929 году.[161] Сюрреализм не получил значительного выражения в прикладном или декоративном искусстве, архитектуре или музыке, хотя можно выделить несколько отдельных примеров (например, шахматные наборы, мебель и Las Pozas ). Маленький и недолговечный Метафизическая школа (ок. 1910–1921), с Джорджо де Кирико как его основная фигура, оказал большое влияние на сюрреализм. Сюрреалист исследовал множество инновационных техник, некоторые из которых были недавно разработаны в кубизме и дадаизм, другие были новыми, в том числе коллаж, найденные предметы, сборка, случайный случай, рентгенограммы (фотограммы), рисование на песке, капание и разбрызгивание краски, декалькомания, поглаживание, окуривание, и ярость. В сюрреалистическом искусстве преобладают два фундаментальных подхода. Автоматизм преобладали в ранние годы, что можно увидеть в творчестве художника, как Андре Массон и Жоан Миро. Другой художник, вдохновленный работами Джорджо де Кирико, использовал более традиционные методы и средства, чтобы проиллюстрировать нефильтрованные мысли и несочетаемые сопоставления, в том числе Сальвадор Дали и Рене Магритт. Известные художники включают Жан Арп, Ганс Беллмер, Виктор Браунер, Луис Бунюэль, Джозеф Корнелл, Оскар Домингес, Макс Эрнст, Вифредо Лам, Ив Танги, Ман Рэй, Альберто Джакометти, Мерет Оппенгейм, и Роберто Матта. Другой важный художник, неофициально обращающийся к сюрреализму, включает: Марсель Дюшан, Пабло Пикассо, и Фрида Кало. Идеи и теории сюрреализма обсуждались в следующих сериях журналов, La Révolution Surréaliste (1924–1929), Le Surrealisme au service de la Revolution (1930–1933), Minotaure (1933–1939), ВВВ (1942–1944). Автоматические картины, созданные Андре Массоном и Джуной Миро, а также опоздавшими в сюрреализм, такими как Роберто Матта и Аршил Горки оказали значительное влияние на абстрактный экспрессионист в конце 1940-х гг.[162][163][164][165][166][167]

С некоторой долей непочтительности и презрения Дада к традиционным политическим, религиозным и буржуазным ценностям западной культуры, которые, по их мнению, привели мир к Первой мировой войне (Бретон и другие члены-основатели были ветеранами); сюрреалист исследовал возможности, которые были открыты Зигмунд Фрейд относительно подсознательного разума: «Чистый психический автоматизм, с помощью которого человек намеревается выразить словесно, письменно или любым другим методом реальное функционирование разума. Диктовка мыслью, при отсутствии какого-либо контроля со стороны разума и вне всякого эстетическая или моральная озабоченность ". [160] Сюрреализм стремился выразить чистую мысль, не отфильтрованную и не подвергшуюся цензуре политическими, религиозными, моральными или рациональными принципами.[162][163][164][165][166][167]

Конец 20-го и начало 21-го веков

Основная статья: Современное искусство
Книги об искусстве продаются в Cărturești Carusel (Бухарест, Румыния ), в апреле 2019 г.

Быстрые достижения в области науки и техники привели к позднему модерну и Постмодерн период. В эти периоды искусство и культуры мира претерпели множество изменений, и между культурами было много смешения, как нового. коммуникационные технологии способствовал национальному и даже глобальному распространению музыки, искусства и стиля. Разделение региональных культур, отмеченное в XIX веке, сменилось глобальной культурой. Постмодернизм описывает широкое движение, развившееся в середине-конце 20-го века в философии, искусстве, архитектуре и критике, которое обозначило отход от модернизма.[168][169][170] Один современный взгляд на постмодернистское искусство показывает, что его можно понимать как расширение технологических медиа, позволяющих одновременно создавать несколько новых форм искусства.[171] Переход от линейных художественных движений эпохи модерна начала 20 века к множественным одновременным движениям постмодерна прошлого 20 века показан в Хронология 20th.C Искусство и новые медиа.[172] Художественные направления, характерные для конца 20-го и начала 21-го веков, включают лэнд-арт, видеоарт, фотореализм, гиперреализм, и цифровое искусство.

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ а б Каллавей, Юэн (2014). «Homo erectus сделал самый старый в мире рисунок 500 000 лет назад». Новости природы. Дои:10.1038 / природа.2014.16477. S2CID  164153158.
  2. ^ а б Брахич, Екатерина (3 декабря 2014 г.). «Искусство ракушки создано за 300 000 лет до того, как появился человек». Новый ученый. Получено 29 сентября 2018.
  3. ^ Йишрахел (Иерусалим), Музехон; Музей (Иерусалим), Израиль (1986). Сокровища Святой Земли: Древнее искусство из Музея Израиля. Метрополитен-музей. п. 29. ISBN  9780870994708.
  4. ^ "Лошадь из пещеры Хаоним, Израиль, 30 000 лет" в Музейные исследования Израиля в археологии. Библейский и археологический музей Самуэля Бронфмана Израильского музея. 2002. с. 10.
  5. ^ "Хаонимский конь". Museums.gov.il.
  6. ^ Бар-Йосеф, Офер; Белфер-Коэн, Анна (1981). Ориньяк в пещере Айоним. С. 35–36.
  7. ^ Продажа, Киркпатрик (2006). После Эдема: эволюция человеческого господства. Издательство Университета Дьюка. п. 57. ISBN  9780822339380.
  8. ^ а б c Санкт-Флер, Николас (12 сентября 2018 г.). «Самый старый известный рисунок, сделанный руками человека, обнаруженный в пещере Южной Африки». Нью-Йорк Таймс. Получено 15 сентября 2018.
  9. ^ «Неандертальцы не уступали современным людям, как показывает исследование». ScienceDaily. 30 апреля 2014 г.
  10. ^ Э., де Лазаро (18 января 2017 г.). «Неандертальцы, способные включать символические объекты в свою культуру, предполагает открытие». Новости науки.
  11. ^ Н. Бранан (2010). «Неандертальский символизм: свидетельства предлагают биологическую основу символической мысли». Scientific American.
  12. ^ Бланделл, Джеффри (2006). Происхождение: история появления людей и человечества в Африке. Юта и Компания ООО с. 63. ISBN  9781770130401.
  13. ^ Гарднер и Кляйнер, 2009 г., п. 2.
  14. ^ Диссанайке (1974): DOI: 10.2307 / 1572893
  15. ^ Моррис-Кей (2009: URL:https://doi.org/10.1111/j.1469-7580.2009.01160.x )
  16. ^ Моррис-Кей (2009): https://doi.org/10.1111/j.1469-7580.2009.01160.x
  17. ^ Бар-Йосеф (2007), стр. 3–18: https://doi.org/10.1177/0392192107076869
  18. ^ <Моррисс-Кей (2009): https://doi.org/10.1111/j.1469-7580.2009.01160.x
  19. ^ Хайдл (2014), стр. 244–245.
  20. ^ Гарднер и Кляйнер, 2009 г., стр. 3–4.
  21. ^ Маккоид, Кэтрин Ходж; Макдермотт, Лерой Д. (1996). «К деколонизации пола: женское видение в верхнем палеолите». Американский антрополог. 98 (2): 319–326. Дои:10.1525 / aa.1996.98.2.02a00080. JSTOR  682890.
  22. ^ Honor, H .; Флеминг, Дж. (2005). Всемирная история искусства. Лоуренс Кинг. ISBN  978-1-85669-451-3. Получено 2015-11-20.
  23. ^ Онор-Флеминг (2002), стр. 36–44.
  24. ^ Дримба, Овидиу (1985). Istoria Culturii și Civilizației (на румынском языке). Editura științifică și enciclopedică. п. 33.
  25. ^ а б c Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 3. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  26. ^ Онианс 2004 С. 20–25.
  27. ^ Дримба, Овидиу (1985). Istoria Culturii și Civilizației (на румынском языке). Editura științifică și enciclopedică. п. 52.
  28. ^ Гарднер и Кляйнер, 2009 г., п. 12.
  29. ^ Азкарат (1983), стр. 24–28.
  30. ^ Онианс 2004 С. 30–31.
  31. ^ Азкарат (1983), стр. 36–44.
  32. ^ Азкарат (1983), стр. 29–34.
  33. ^ Макинтош, Джейн (2008). Долина Древнего Инда: новые перспективы. ABC-CLIO. п. 248. ISBN  978-1-57607-907-2.
  34. ^ Кей, Джон, Индия, история. Нью-Йорк: Grove Press, 2000.
  35. ^ а б Маршалл, Джон (1931). Мохенджо-Даро и цивилизация Инда, Vol-i (1931). п. 45.
  36. ^ а б Грегори Л. Поссель (2002). Цивилизация Инда: современная перспектива. п. 111. ISBN  9780759101722.
  37. ^ Поссель, Грегори Л. (2002). Цивилизация Инда: современная перспектива. Роуман Альтамира. С. 111–112. ISBN  9780759101722.
  38. ^ Маршалл, сэр Джон. Мохенджо-Даро и цивилизация Инда, 3 тома, Лондон: Артур Пробстхайн, 1931 г.
  39. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 25. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  40. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 30. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  41. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 36. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  42. ^ Маттинсон, Линдси (2019). Понимание архитектуры Руководство по архитектурным стилям. Янтарные книги. п. 21. ISBN  978-1-78274-748-2.
  43. ^ «Финикийское искусство» (PDF). Нью-Йорк Таймс. 1879-01-05. Получено 2008-06-20.
  44. ^ Бордман, Джон (1993). Оксфордская история классического искусства. Оксфорд: Издательство Оксфордского университета. С. 350–351. ISBN  0-19-814386-9.
  45. ^ Уолдман и Мейсон 2006, п. 208.
  46. ^ Маккензи 1986, п. 25.
  47. ^ Гора 1998, п. 59.
  48. ^ Александр, Роберт Л. (1986). Скульптура и скульпторы Язылыкая. Ньюарк: Университет штата Делавэр. п. 122.
  49. ^ C.C. Ламберг-Карловский, "Археология и язык: индоиранцы", Современная антропология, т. 43, нет. 1 (февраль 2002 г.).
  50. ^ Коля 2007 С. 196–199.
  51. ^ В. М. Массон, «Бронзовый век в Хорасане и Трансоксиане», глава 10 в А. Х. Дани и Вадим Михайлович Массон (ред.), История цивилизаций Средней Азии, том 1: Зарождение цивилизации: древние времена до 700 г. до н.э. (1992).
  52. ^ Каубет, Энни (2019). Идолы Сила изображений. Международные публикации Риццоли. п. 221. ISBN  978-88-572-3885-2.
  53. ^ Например, Megaws; см. их вводную часть, где они объясняют ситуацию и что их статья будет охватывать только период Ла Тена.
  54. ^ «Технологии чар: раннее кельтское искусство в Великобритании». британский музей. Архивировано из оригинал на 2012-08-04. Он также используется Якобсталом; однако эквивалент «позднекельтского искусства» для работ раннего средневековья встречается гораздо реже, и «позднекельтское искусство» также может означать более позднюю часть доисторического периода.
  55. ^ Лэйнгс, 6–12
  56. ^ а б Коттерелл, 161–162
  57. ^ Эдвард Липинский, Карел ван Лерберге, Антун Шурс; Карел Ван Лерберге; Антун Шурс (1995). Иммиграция и эмиграция на древнем Ближнем Востоке. Peeters Publishers. п. 119. ISBN  978-90-6831-727-5.CS1 maint: несколько имен: список авторов (связь); Коттерелл, 162
  58. ^ Тойнби, Дж. М. С. (декабрь 1971 г.). «Римское искусство». Классический обзор. 21 (3): 439–442. Дои:10.1017 / S0009840X00221331. JSTOR  708631.
  59. ^ Диль, Ричард А. (2004). Ольмеки: первая цивилизация Америки. Лондон: Темза и Гудзон. стр.9–25. ISBN  978-0-500-28503-9.
  60. ^ а б Коу (2002), стр. 62.
  61. ^ Коу (2002), стр. 88 и другие.
  62. ^ Филип Хури Хитти (2002), История арабов, переработанное: 10-е издание
  63. ^ Лейди, Дениз Патри (14 сентября 2012 г.). «Эволюция китайской керамики и ее глобальное влияние - тема совершенно новой инсталляции на балконе Большого зала музея Метрополитен». Метрополитен-музей. Получено 29 сентября 2018.
  64. ^ Бенсон (1996) стр. 263.
  65. ^ 32000 ЛЕТ ИСКУССТВА. Файдоб. 2007. с. 142. ISBN  978-0-7148-7729-7.
  66. ^ Гранн, Дэвид (2009). Затерянный город Z: сказка о смертельной одержимости Амазонкой. п.315. ISBN  978-0-385-51353-1.
  67. ^ История - Виннипегская картинная галерея
  68. ^ «Музей инуитского искусства». Архивировано из оригинал на 2018-04-22. Получено 2020-01-15.
  69. ^ `` Маленький, но мощный '' Канадский музей искусства инуитов закрывает свои двери
  70. ^ Резьба Нунавут
  71. ^ а б Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 66. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  72. ^ а б Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 68. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  73. ^ Харле, 26–47, 105–117
  74. ^ Харле, 59–70
  75. ^ «Пала Индия, Майтрейя - стоя». Гималайскийбуддистарт. WordPress.com. 16 октября 2016 г.. Получено 29 сентября 2018.
  76. ^ Катрин Ноппе, Жан-Франсуа Юбер (2003). Искусство Вьетнама. Parkstone Press Ldt. п. 106. ISBN  1-85995-860-5.
  77. ^ Стивен Р. Фишер. Остров на краю света. Reaktion Книги 2005 ISBN  1-86189-282-9
  78. ^ Остров на краю света. Reaktion Книги 2005 ISBN  1-86189-282-9
  79. ^ Питер Брант, Николас Томас (2018). Океания. Королевская академия художеств. п. 104.
  80. ^ а б Питер Брант, Николас Томас (2018). Океания. Королевская академия художеств. п. 299.
  81. ^ Мишелис 1946; Вайцманн 1981.
  82. ^ Китцингер 1977, стр. 1‒3.
  83. ^ Фортенберри, Дайан (2017). Художественный музей. Phaidon. п. 115. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  84. ^ «Словарь искусствоведов: Яницек, Юбер». Получено 2013-07-18.
  85. ^ Suckale-Redlefsen, 524
  86. ^ * Маурицио Тани, Le origini mediterranee ed eurasiatiche dell’arte vichinga. Casi esemplari dall’Islanda, в Studi Nordici (Рома), XIII, 2006, стр. 81–95.
  87. ^ Полость, Мэдлин Х. (2001). Переосмысление средневекового искусства: различие, границы, границы. Медфорд, Массачусетс: Университет Тафтса - через http://dca.lib.tufts.edu/caviness/.
  88. ^ Koslin, Desirée (1990). «Поворотное время в вышивке Байё». Текстиль и текст. 13: 28–29.
  89. ^ Бертран, Симона (1966). La Tapisserie de Bayeux. La Pierre-qui-Vire: Zodiaque. п. 23. et combien pauvre alors ce nom de broderie nous apparaît-il!
  90. ^ Фортенберри, Дайан (2017). Художественный музей. Phaidon. п. 149. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  91. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 52 и 53.
  92. ^ Фортенберри, Дайан (2017). Художественный музей. Phaidon. п. 151. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  93. ^ Фортенберри, Дайан (2017). Художественный музей. Phaidon. п. 152. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  94. ^ а б Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 156. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  95. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 243. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  96. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 153.
  97. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 168.
  98. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 259. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  99. ^ Маттинсон, Линдси (2019). Понимание архитектуры Руководство по архитектурным стилям. Янтарные книги. п. 83. ISBN  978-1-78274-748-2.
  100. ^ а б Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 267. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  101. ^ Бейли, Говен Александр (2012). Барокко и рококо. Phaidon. п. 272. ISBN  978-0-7148-5742-8.
  102. ^ а б Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 265. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  103. ^ Маттинсон, Линдси (2019). Понимание архитектуры Руководство по архитектурным стилям. Янтарные книги. п. 95. ISBN  978-1-78274-748-2.
  104. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 160.
  105. ^ Питер Делиус, Верлаг (2017). Арта - о истории иллюстрации - (на румынском языке). Litera. п. 274.
  106. ^ Бейли, Говен Александр (2012). Барокко и рококо. Phaidon. п. 279 и 281. ISBN  978-0-7148-5742-8.
  107. ^ Джонс, Денна (2014). Архитектура Вся история. Темза и Гудзон. п. 262. ISBN  978-0-500-29148-1.
  108. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 273. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  109. ^ Граур, Neaga (1970). Стилури в искусстве декора (на румынском языке). Cerces. п. 223 и 224.
  110. ^ а б c d е ж грамм час Арнасон, Х. Х. (1977) 2-е изд. История современного искусства: живопись, скульптура, архитектура. Гарри Н. Абрамс, Inc., Нью-Йорк. 740 стр.
  111. ^ а б c d е Янсон, Х. В. (1977) 2-е изд. История искусства. Гарри Н. Абрамс, Inc., Издательство. Нью-Йорк, 767 стр. ISBN  0-8109-1052-7
  112. ^ Старобинский, Жан (1964) Искусство, идеи, история: изобретение свободы 1700–1789. Editions D'Art Albert Skira, Женева. 222 стр.
  113. ^ Кейзер, Эжени (1965) Искусство, идеи, история: Романтический Запад 1789–1850. Издания D'Art Альбер Скира, Женева. 210 стр.
  114. ^ а б c d Поненте, Нелло. (1965) Структуры современного мира 1850–1900. Editions d'Art Albert Skira, Женева, 210 стр.
  115. ^ а б c Рольф Томан, редактор (2000). Неоклассицизм и романтизм. Könemann Verlaagsgesellschaft mbH, 520 стр.
  116. ^ а б c d е ж грамм Даваль, Жан-Люк (1979) Современное искусство, решающие годы. 1884–1914 гг. Скира / Международное издательство Риццоли. Нью-Йорк, Нью-Йорк, 221 стр. ISBN  0-8478-0212-4
  117. ^ а б Мишель Ле Брис (1981). Романтика и романтизм. Skira / Rizzoli International Publications, Inc., Нью-Йорк, 215 стр.
  118. ^ Жан Клэй (1980). Романтизм. Chartwell Books, Inc. Secaucus, Нью-Джерси, 320 стр.
  119. ^ Фрэнсис Клодон (1980). Краткая энциклопедия романтизма. Chartwell Books, Inc., Секакус, Нью-Джерси, стр.
  120. ^ Леймари, Жан (1962) Французская живопись, девятнадцатый век. Editions d'Art Альбер Скира. Женева, 229 с.
  121. ^ Бланден, Мария; Бланден, Годфри; Даваль, Жан-Люк (1976). Импрессионисты и импрессионизм. Нью-Йорк: Skira / Rizzoli International Publication, Inc., стр. 239. ISBN  0-8478-0047-4.
  122. ^ Редакторы Réalités под руководством Жана Клея (1973) Импрессионизм. Chartwell Books Inc., Secaucus, 320 стр. ISBN  0-399-11039-9
  123. ^ Фонс, Сара (1993) Курбе. Гарри Н. Абрамс, Inc., Издательство. Нью-Йорк, 128 стр. ISBN  0-8109-3182-6
  124. ^ а б Бланден, Мария и Годфри Бланден (1976) Импрессионисты и импрессионизм. Rizzoli International Publications, Inc./ Editions D'Art Albert Skira, Женева. 239 с. ISBN  0-8478-0047-4
  125. ^ а б Куртион, Пьер (1979) Импрессионизм, Библиотека великих художественных движений. Гарри Н. Абрамс, Инк., Издательство, Нью-Йорк (США). 205 стр.
  126. ^ а б Леймари, Жан (1955) импрессионизм, тт. 11 и 12: Вкус нашего времени. Editions D'Art Albert Skira, Женева, 117 и 137 стр.
  127. ^ а б c Делевой, Роберт Л. (1978) Символисты и символизм. Skira / Rizzoli International Publications, Inc., Нью-Йорк, 247 стр. ISBN  0-8478-0141-1
  128. ^ а б c Жан Кассу (1979) Краткая энциклопедия символизма. Chartwell Books, Inc., Secaucus, New Jersey, 292 стр. ISBN  0-89009-706-2
  129. ^ Моррис, Родерик Конвей. «Движение неуловимых символистов». International Herald Tribune, 17 марта 2007 г.
  130. ^ Николаус Певснер, Пионеры современного дизайна, Издательство Йельского университета, 2005 г., ISBN  0-300-10571-1
  131. ^ Эдита Баруцка (2010). «Новое определение польского: возрождение ремесел в Галиции около 1900 года». Acta Slavica Iaponica. 28: 83, 86.
  132. ^ Райнал, М. (1954) Сезанн: Биографическое и критическое исследование: Вкус нашего времени, Vol. 8. Editions D'Art Albert Skira, Женева, 139 стр.
  133. ^ Шапиро, М. (1963) Сезанн: Библиотека великих художников. Гарри Н. Абрамс, Инк., Издательство, Нью-Йорк, 127 стр.
  134. ^ Эстьен, К. (1953) Гоген: Биографические и критические исследования: вкус нашего времени, Vol. 1. Editions D'Art Albert Skira, Женева, 115 стр.
  135. ^ Голдуотер, Р. (1972) Гоген: Библиотека великих художников. Гарри Н. Абрамс, Inc., Издательство, Нью-Йорк, 160 стр.
  136. ^ Куртион, П. (1968) Сёра: Библиотека великих художников. Гарри Н. Абрамс, Inc., Издательство, Нью-Йорк, 160 стр.
  137. ^ Александрийский, С. (1980) Сёра. Crown Publishers, Inc., Нью-Йорк, 96 стр. ISBN  0-517-54106-8
  138. ^ Эстиен, К. (1953) Ван Гог: Критическое исследование: Вкус нашего времени, Vol. 2. Editions D'Art Albert Skira, Женева, 127 стр.
  139. ^ Шапиро, М. (1950) Ван Гог: Библиотека великих художников. Гарри Н. Абрамс, Inc., Издательство, Нью-Йорк, 131 стр.
  140. ^ Лассень, Дж. (1953) Лотрек: биографические и критические исследования, Вкус нашего времени, Vol. 3. Editions D'Art Albert Skira, Женева, 121 стр.
  141. ^ Купер, Д. (1966) Тулуз-Лотрек: Библиотека великих художников. Гарри Н. Абрамс, Inc., Издательство, Нью-Йорк, 152 стр.
  142. ^ а б Рейнал, Морис (1953) Современная Живопись: Живопись, Цвет, История. Editions D'Art Albert Skira, Женева, 339 стр. [Перевод на английский язык Стюартом Гилбертом]
  143. ^ Престон, С. (1974) Vuillard: Библиотека великих художников. Гарри Н. Абрамс, Инк., Издательство, Нью-Йорк, 160 стр.
  144. ^ Варнод, Дж. (1989) Vuillard. Crown Publishers, Inc., Нью-Йорк, 96 стр. ISBN  0-517-57277-X
  145. ^ Террасс, А. (1964) Боннар: Биографическое и критическое исследование, Вкус нашего времени, Vol. 42. Editions D'Art Albert Skira, Женева, 115 стр.
  146. ^ Фермиджье, А. (1969) Боннар: Библиотека великих художников. Гарри Н. Абрамс, Инк., Издательство, Нью-Йорк, 160 стр.
  147. ^ де ла Бедойер, Камиллия (2017). Ар-нуво - величайшее искусство мира. Издательство Flame Tree. п. 16 и 17. ISBN  978-1-78664-470-1.
  148. ^ а б Бульон, Жан-Поль. 1985. Модерн 1870–1914. Skira / Rizzoli International Publications, Inc., Нью-Йорк, 247 стр. ISBN  0-8478-0627-8
  149. ^ а б Фарбекер, Габриэле. 1997. Ар-нуво. Könemann Verlaagsgesellschaft mbH, 425 стр. ISBN  3-89508-444-1
  150. ^ Эндрю, Грэм-Диксон (2018). Искусство: полное наглядное руководство. DK. п. 387. ISBN  978-0-2412-5710-4.
  151. ^ а б c d Leymarie, J. (1959) Фовизм: биографическое и критическое исследование, Вкус нашего времени, Vol. 28. Editions D'Art Albert Skira, Женева, 165 с.
  152. ^ а б c Клей, Жан, редактор (1978) От импрессионизма до современного искусства 1890–1918. Chartwell Books Inc., Секакус, Нью-Джерси, 320 стр. ISBN  0-89009-544-2
  153. ^ а б Диль, Гастон (1972) Фовисты: Библиотека великих художественных движений. Гарри Н. Абрамс, Inc., Издательство, Нью-Йорк. 168 с. ISBN  0-8109-0114-5
  154. ^ а б Лассень, Дж. (1959) Матисс: биографическое и критическое исследование, Вкус нашего времени, Vol. 30, Editions D'Art Albert Skira, Женева, 139 стр.
  155. ^ а б Якобус, Дж. (1973) Матисс: Библиотека великих художников. Гарри Н. Абрамс, Inc., Издательство, Нью-Йорк, 184 стр.
  156. ^ а б c d Давал, Дж. Л. 1980. Искусство авангарда 1914–1939. Skira / Rizzoli International Publishing. Нью-Йорк, Нью-Йорк, 223 стр. ISBN  0-8478-0334-1
  157. ^ а б c d е Дубе, В. Д. 1983. Экспрессионисты и экспрессионизм. Скира / Международное издательство Риццоли. Нью-Йорк, Нью-Йорк, 170 с.
  158. ^ а б c d Ричард, Л. 1978. Краткая энциклопедия экспрессионизма. Chartwell Books, Inc. Secaucus, N. J. 288 стр. ISBN  0-89009-665-1
  159. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ. Phaidon. п. 330. ISBN  978-0-7148-7502-6.
  160. ^ а б Бретон, Андре (1924) Manifeste du Surréalisme: Poissòn Soluble. Éditions du Sagittaire, Симон Кра, Париж.
  161. ^ Бретон, Андре (1929) Второй Manifeste du Surréalisme. La Révolution Surréaliste, № 12, 15 декабря [Переиздано в 1930 году Симоном Кра, Париж.]
  162. ^ а б Вальдберг, Патрик (1962) Сюрреализм, Вкус нашего времени, Том. 37, Editions D'Art Albert Skira, Женева, 151 стр.
  163. ^ а б Рубин, Уильям С. (1968) Дадаизм и сюрреалистическое искусство. Гарри Н. Абрамс, Inc., Издательство, Нью-Йорк. 525 стр.
  164. ^ а б Уве, М. Шнеде (1973) Сюрреализм: библиотека великих художественных движений. Гарри Н. Абрамс, издательство Inc., Нью-Йорк. 144 стр. ISBN  0-8109-0499-3
  165. ^ а б Пассерон, Рене (1975). Краткая энциклопедия сюрреализма. Chartwell Books, Inc. Secaucus, Нью-Джерси, 288 стр.
  166. ^ а б Пикон, Гаэтан (1977) Сюрреализм и сюрреализм 1919–1939. Skira / Rizzoli International Publications, Inc. Нью-Йорк, 231. ISBN  0-8478-0041-5
  167. ^ а б Жан, Марсель (1980) Автобиография сюрреализма. Издательство Viking Press, Нью-Йорк. 472 стр. ISBN  0-670-14235-2 [опубликовано одновременно в Канаде издательством Penguin Books Canada, Ltd.]
  168. ^ «Постмодернизм». Оксфордские словари. Oxford University Press. Получено 29 сентября 2018.
  169. ^ Райхль, Рут (1989). "постмодерн". Словарь американского наследия (4-е изд.). Хоутон Миффлин. Архивировано из оригинал 9 декабря 2008 г.. Получено 29 сентября 2018.
  170. ^ Мура, Андреа (2012). «Символическая функция трансмодернизма» (PDF). Язык и психоанализ. 1 (1): 68–87. Дои:10.7565 / landp.2012.0005. Архивировано из оригинал (PDF) 8 октября 2015 г.
  171. ^ Hoetzlein, Рама (2009). "Что такое искусство новых медиа?".
  172. ^ Hoetzlein, Рама (2009). "Хронология искусства и новых медиа 20-го века".

дальнейшее чтение

  • Адамс, Лори. Искусство сквозь время. 3-е изд. Бостон: Макгроу-Хилл, 2007.
  • Белл, Джулиан. Зеркало мира: новая история искусства. 2-е изд., Лондон, Thames & Hudson, 2010. ISBN  978-0-500-28754-5
  • Гарднер, Хелен; Кляйнер, Фред С. (2009). Искусство Гарднера сквозь века: глобальная история (13-е изд.). Австралия: Томсон / Уодсворт.
  • Гомбрич, Э. История искусства. 15 изд. Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис-Холл, 1990.
  • Хонор, Хью и Джон Флеминг. Визуальные искусства: история. 5-е изд. Нью-Йорк: Генри Н. Абрамс, 1999.
  • Хонор, Хью и Джон Флеминг. Всемирная история искусства. 7-е изд. Издательство Лоуренса Кинга, 2005 г., ISBN  1-85669-451-8, 978-1-85669-451-3
  • Янсон, Х.В., и Пенелопа Дж. Дэвис. История искусства Янсона: западная традиция. 7-е изд. Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Pearson Prentice Hall, 2007.
  • Оливер Грау (Ред.): МедиаАртИстории, Кембридж / Массачусетс: MIT-Press, 2007.
  • Ла Планте, Джон Д. Азиатское Искусство. 3-е изд. Дубюк, ИА: Wm. К. Браун, 1992.
  • Редакторы Phaidon. 30000 лет искусства: история человеческого творчества во времени и пространстве, 2-е изд. Лондон: Phaidon Press, 2015
  • Миллер, Мэри Эллен. Искусство Мезоамерики: от ольмеков до ацтеков. 4-е изд, Мир искусства. Лондон: Thames & Hudson, 2006.
  • Онианс, Джон (2004). Атлас мирового искусства. Лондон: Издательство Лоуренса Кинга. ISBN  978-1-85669-377-6.
  • Пирс, Джеймс Смит и Х.В. Янсон. От Абака до Зевса: Справочник по истории искусств. 7-е изд. Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Pearson Prentice Hall, 2004.
  • Поль, Фрэнсис К. Обрамление Америки: социальная история американского искусства. Нью-Йорк: Темза и Гудзон, 2002.
  • Стокстад, Мэрилин. История искусства. 3-е изд. Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Pearson Education, 2008.
  • Томас, Николай. Океаническое искусство, Мир искусства. Нью-Йорк: Темза и Гудзон, 1995.
  • Тюилье, Жак, Histoire de l'art, Париж: Фламмарион, 2002. ISBN  2-08-012535-4
  • Тюилье, Жак, История искусства, Париж: Фламмарион, 2002. ISBN  2-08-010875-1
  • Уилкинс, Дэвид Г., Бернард Шульц и Кэтрин М. Линдафф. Искусство Прошлое, Искусство Настоящее. 6-е изд. Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Pearson Education, 2008.

внешняя ссылка

Сроки